El Invitado de RFI

La cantante peruana Consuelo Jerí inicia junto al guitarrista y compositor Marino Martínez una gira europea que le llevará por varias ciudades francesas, pero también a España, Bélgica o Alemania.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

María Consuelo Jerínació en Santiago de Paucaray, un distrito del departamento de Ayacucho. Cuarta de once hermanos, desde muy pequeña aprendió las canciones en quechua que su familia interpretaba, especialmente su padre que cantaba en fiestas populares. Con 10 años tuvo que migrar a Lima debido a la violencia terrorista desatada por Sendero Luminoso y las amenazas que recibió su padre, quien era el maestro del pueblo. Posteriormente radicó en Puquio donde amplió sus conocimientos musicales.

Estudió la carrera de odontología en la Universidad Nacional San Luis Gonzaga de Ica, aunque se decantó por la música. En 2010 publicó su primer disco, Ukumanta Takiy (Canto desde adentro), donde intercala canciones en español y en quechua. Tras este álbum, y otro publicado en 2012 con canciones en vivo llamado Kuychi, participó en el documental de 2013 Sigo siendo de Javer Corcuera.

En 2015 inició un proyecto musical junto al guitarrista Marino Martínez. De esta colaboración nació en 2017 Mayu, su tercer álbum que repasa la música tradicional andina. El dúo ha realizado presentaciones en diversos países de Europa, como Bélgica (Festival Sonamos Latinoamérica en Bruselas), Francia (Casa de América Latina de París), España y Alemania.

El guitarrista argentino Norberto Pedreira a dúo con el pianista Osvaldo Belmonte acaba de sacar al mercado el álbum ‘Sigamos dialogando’ con el sello francés Music Phare distribuido por Inouïe Distribution.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo.

Norberto Pedreira es guitarrista, compositor y arreglista.

Nace en 1960 en Buenos Aires. Desde muy joven se interesa por la música popular latinoamericana, el flamenco y el jazz. Todas estas influencias se reflejan en sus composiciones desde que formó el trío Pedreira-Belmonte-Balé en 1984, y en diversas experiencias musicales en Argentina, Bolivia y Uruguay.

Desde que se trasladó a París a principios de los años 90, ha continuado su trabajo de composición, interpretación y arreglos. Ha fundado distintas formaciones (cuartetos y tríos), con las cuales ha grabado varios discos (Viajes, Otras Imágenes, Cuarenta años, A la vida) y ha actuado en diversos festivales y salas de Francia y Portugal. Como miembro del trío PSP (Ciro Pérez, William Sabatier, Norberto Pedreira), participó en la grabación del disco de tango Las siluetas porteñas. También ha tocado con Raúl Barboza, Olivier Manoury, César Stroscio, Juan Carlos Cáceres y Cristina Azuma.

Diferentes editores en Francia han publicado varias de sus obras: L’Empreinte mélodique, International Music Diffusion (IMD), Henry Lemoine.

El guitarrista y compositor argentino Horacio Laguna se presenta este jueves en Le Cirque Electrique de París con la Orquesta La San Luis y los bailarines de tango Veronica Palacios Villar y Orlando Coco Días.

Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI.

Horacio Laguna nació en Junín, Bs.As. un 21 de diciembre de 1962. Ha dado conciertos en 70 países desde los Estados Unidos hasta Egipto y participado en Festivales de Guitarra, Radio y TV Shows en EE.UU., Europa, El Caribe y Asia.

Su Música se difunde en las cadenas de TV Univisión, Telemundo, FM Rincóngaucho Radio y Time Warner. Desde 1995 Horacio se presenta en el prestigioso Weill Recital Hall de CARNEGIE HALL de New York City con el espectáculo “Guitartango”. A su vez, desde su estreno en San Francisco, California Laguna gira por Norte y Sudamérica con su obra “El Trovador”, teatro-musical cuyo Director y Manager es el Empresario Néstor Lacoren (Manager de Mercedes Sosa en EE.UU.) Condecorado "Soldado de la Paz" Gonaives, Haití 24 de mayo 2014 como parte de la Gira LAGUNA USA/Caribe Tour 2014 (New York City, Hoboken, New Jersey, Bronx, N. York, Queens, N. York, Puerto Príncipe - Gonaives, Haití, Santo Domingo, Rca. Dominicana). En gira por EE.UU. Columbia Artists Nov. 2015 - Julio 2016

Premios y Honores:

• Condecoración “Soldier of Peace” Minustah Argentina en Gonaives, Haití (Naciones Unidas) 25 de mayo 2014

• Primer premio en Poesía Latinoamericana otorgado por la Librería del Congreso de los EE.UU. “International Library of Poetry”.

• Reconocimiento por la labor de Difusión de la Música Argentina y Latinoamericana en EE.UU. por la Oficina de Naturalización e Inmigración de la Ciudad de New York.

• Certificado Artístico de la ciudad de Kings Island, Estado de Ohio.

• Certificado de Mérito de la Universidad UMAS de la Ciudad de Boston, Massachusetts, EE.UU.

• Certificado Artístico del Museo de Ciencias Naturales de la Ciudad de Búfalo, New York

• Certificado de Honor de la Municipalidad de la Ciudad de New York como Difusor de la Música Argentina y Latinoamericana en el mundo, otorgado en presencia del entonces Embajador de la Repùblica Argentina Héctor Timerman (ExCanciller Argentino).

El multi-instrumentista mexicano Oswaldo Hernandez miembro del grupo belga ‘Auster Loo’ ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentarnos su nuevo álbum ‘Auster Loo Collective’.

Osvaldo Hernández Nápoles nació en Ixmiquilpan en el estado de mexicano de Hidalgo. A los 17 años comenzó a viajar por América Latina, comenzando por su México natal, en busca de instrumentos tradicionales que pronto dominaría.

Osvaldo tuvo numerosos encuentros con músicos de tradiciones ancestrales. Fue durante sus viajes con los pueblos indígenas de América Latina que adquirió sus experiencias musicales que le fueron transmitidas principalmente a través de las tradiciones orales. Allí también descubrió sus instrumentos, que en su mayor parte no han sufrido ninguna transformación a lo largo del tiempo. La historia de estos pueblos, sus tradiciones, su forma de vida está a menudo en armonía con la naturaleza.

Radicado en Bélgica desde hace más de veinte años, Osvaldo ha viajado por el mundo poniendo toda su experiencia al servicio de innumerables proyectos musicales como: Deep Forest, Marlène Dorcena, Vaya Con Dios, Karim Baggili y proyectos teatrales como, the Invisible de Philippe. Blasband.

Osvaldo Hernandez y Karim Baggili desarrollaron el proyecto Blind Note que es un concierto, una experiencia y un llamado. Llamado a la solidaridad porque se trata de concienciar a la opinión pública sobre la tragedia de los niños africanos que nacen ciegos. Una experiencia porque, para ser coherente con el mensaje, Blind Note se reproduce en la más absoluta oscuridad. Pero primero un concierto, porque los músicos reunidos por la causa también tocan con el corazón, cada uno con su sensibilidad étnica. Este colectivo, que reúne también a músicos de África, Armenia y Turquía, ha acertado de lleno en su mestizaje para llevarnos, con los ojos bien cerrados, al país de las 1001 notas.

El artista mexicano Martín Coronel inaugura el próximo 28 de mayo una exposición en la Art + Art Gallery de Paris, que reúne obras de su padre, el pintor Pedro Coronel, y su propia obra; un intenso dialogo entre padre e hijo.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI

Martín Coronel es artista plástico nacido en la Ciudad de México en 1963, estudió Música en la Universidad Veracruzana y en la Facultad de Música de la UNAM, después del fallecimiento de su padre regresa a Ciudad de México durante varios años trabajó en el taller de Marco Canfer, en 1987 montó su propio taller en Valle de Bravo se desempeñó como ceramista por 25 años. Desde 1987 como experto cataloga, y certifica la obra de su Padre Pedro Coronel.

Su trabajó como artista plástico desde 1985 le ha llevado a realizar múltiples exposiciones individuales y colectivas especializadas en cerámica.

Pedro Coronel nació en la ciudad de Zacatecas el 25 de marzo de 1921 y cursó estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda", bajo la tutela de Juan Cruz, Francisco Zúñiga y Santos Balmori, entre otros. Posteriormente también se dedicó a la docencia.  ntusiasta coleccionista de arte precolombino, primitivo, oriental, grecorromano y medieval, así como de arte gráfico, Coronel  perteneció a la generación de artistas que vivieron la consumación del renacimiento mexicano con la pintura mural.  

Se trasladó a París, Francia, donde frecuentó los talleres del pintor Bremer y el escultor Brancusi, autores que lo influyeron de forma trascendental en su producción. Su obra está inspirada en los colores del arte prehispánico y primitivo y se ubica en un muy especial expresionismo, tratado con formas simplificadas. Su primera exposición individual la realizó en 1954, y años después exhibió su obra en Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil.  

Es considerado un innovador del arte mexicano porque su obra manifiesta una violencia semejante al portento mítico del arte antiguo mexicano y muestra un mundo lleno de hostilidad y lucha, pero también de sensualidad y erotismo.  Entre sus obras destacan "Toro mugiendo a la Luna", "Los hombres huecos", "El Sol es una flor", "Habitante de amaneceres", "Bodas solares", "Camino de soles" y "Poética lunar", en las que deja entrever la grandeza del universo comparado con la levedad y pequeñez del ser humano y su destino.  

Algunos autores han coincidido en dividir la carrera de Coronel en las siguientes etapas: naturalista, estructuralista, lírica, cromática y la recuperación de la pintura nativa. En 1947 viaja a Europa y fija su residencia en París, donde conoció a Marcer Breuer y Constantin Brancusi, con quienes tuvo una gran amistad que le permitió impregnarse de las experiencias de otras corrientes y artistas.  

En 1959 ganó un premio en el Salón Nacional de Pintura, con su obra "La lucha", y un año después Durante la década de los años 60 regresó a México, cuya residencia alternó con una serie de viajes por Europa, Asia, Estados Unidos y Canadá, en la que logró la plenitud en su actividad artística. Participó junto con Mathías Goeritz, Rufino Tamayo y Pedro Fiedeberg, entre otras muchas obras, en la decoración del Hotel Camino Real de la Ciudad de México.  

Su vasta trayectoria artística se puede dividir en dos etapas: en la primera predomina el arte figurativo y se caracteriza por crear, mediante planos lisos yuxtapuestos, imágenes ideales, donde convergen la realidad y la fantasía. Mientras que en la segunda etapa, el pintor alcanza su madurez pictórica, pues encuentra su propio estilo, en el que se libera de la figura para pasar a la forma, construida por el color, luminosidad y brillo.  

Su plástica tiene influencia prehispánica y se apoya en imágenes semi abstractas en las que deja entrever elementos del pasado mexicano, tal es el caso de la obra "El regreso de Quetzalcoátl". Sin embargo, en el ámbito de la escultura mantuvo su estilo formalista. Su obra se caracteriza por mantener como constantes los colores rojo y amarillo, los cuales reflejan melancolía, pasión y soledad; con frecuencia aborda temas que desnudan la intimidad del ser humano, mostrando sus miedos más profundos, como la angustia, dolor y muerte.

El poeta entrerriano Miguel Ángel Federik ha sido distinguido por La Fundación Konex como una de las personalidades más destacadas de la última década de las Letras Argentinas. El 22 de mayo va a presentar en Instituto Cervantes de Paris su libro Geografía de la Fábula editado por La editorial Eduner.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado junto a Mario Daniel Villagra, quien le ha dedicado el documental ‘Miguel Ángel Federik, el poeta descalzo’

Miguel Ángel Federik nació en 1951 en Villaguay, ciudad de Entre Ríos en la que reside. Es poeta y ha publicado las siguientes obras: La estatura de la sed (1971), Los sepulcros vencidos (1974), Fuegos de bien amar (1986), Una liturgia para Némesis (1994, premio Fray Mocho de poesía), De cuerpo impar (2oo1), Imaginario de Santa Ana (2004) y Niña del desierto y otros poemas (201o). Es autor también de numerosos ensayos sobre la obra de escritores de la región, como Daniel Elías, Alberto Gerchunoff, Juan L. Ortiz, Carlos Mastronardi, Ana Teresa Fabani, Francisco Madariaga y Juan José Manauta. Geografía de la fábula, poemario del que esta edición toma su título, mereció en 2o17 el segundo premio del Fondo Nacional de las Artes y se publica ahora por primera vez.

Mario Daniel Villagra(1987) nació en Villaguay, Entre Ríos. Desde el 2017 reside en Francia, donde actualmente realiza la tesis doctoral “La escuela entrerriana de escritores: origen y alcance de un gajo de la literatura argentina del SXX”, en la Universidad Sorbonne Nouvelle – París 3, luego de haber finalizado, en 2020, el Master en Estudios Hispánicos e Hispano Americanos orientado a la investigación. Es Licenciado en Comunicación Social, por la Facultad de Ciencias de la Educación (UNER). En 2015 publicó Poemas del Principiante (Árbol Animal, Buenos Aires) y en 2016 formó parte de la Antología poética Juan Laurentino Ortiz (Bruma, Mendoza). En 2018 publicó Benavento (Azogue Libros, Paraná), dedicado a la vida y obra del maestro y escritor, y en 2020 la novela Los Mandatos de Camilo Fink (Panza Verde, Concordia). Entre 2014 y 2022 dirigió cuatro películas: “Marta Zamarripa, una poeta en pie” (2do Premio del Certamen Miradas 2016); “Miguel Ángel Federik, el poeta descalzo”; “Arnaldo Calveyra, tras sus huellas” y “Silvia Baron Supervielle”, estas dos últimas estrenadas en la Casa de América Latina de París. En 2022, obtuvo el primer premio en el 1er. Concurso de Poesía y Narrativa "Luz de provincia" en categoría poesía, con el poema "Lo que ve crecer el caracol"; el concurso fue organizado por Autores de Concordia, Cultura de Concordia y Fundación Magíster.

El historiador Francisco Flórez Bolívar, director del Archivo General de Colombia participaba este jueves en un conversatorio en la Maison de l’Amérique Latine de París con motivo de los cien años de la publicación de ‘La vorágine’ libro del colombiano José Eustasio Rivera.

Para hablarnos de este aniversario y de su gestión al frente del Archivo general de la nación, ja estado con Jordi batallé en El invitado de RFI.   

Francisco Flórez Bolívar, es historiador de la Universidad de Cartagena (2004), con Maestría en Historia (2011), Graduate Certicate in Latin American Studies (2015) y PH. D en Historia de la Universidad de Pittsburgh (2016). Sus investigaciones se enmarcan en los estudios afrolatinoamericanos, las relaciones región/nación y en la circulación de migrantes en Colombia durante los siglos XIX y XX. Es autor de varios artículos y capítulos de libros sobre estos temas y, en 2015,  editó, junto al investigador Alberto Abello, una colección de ensayos titulada Los desterrados del paraíso. Raza, pobreza y cultura en Cartagena de Indias (Barranquilla: editorial Maremágnum, 2015).

Desde 2023 es director del Archivo General dela Nación en Colombia/

Este viernes se inaugura en la Galería Hall Saint Jaques de la Universidad París 1 Panthéon-Sorbonne la exposición de arte latinoamericano ‘Realismo mágico y olímpico’.

Pero antes Adriana Silva, comisaria de la exposición, junto a los artistas Luz Viera, María Alexandra Arévalo Gabriele y Joel Batz han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Maria Alexandra A-GABRIELE, Colombia.  

Su inspiración se encuentra en la arquitectura, el diseño y emociones humanas. Su trabajo es una combinación de líneas y figuras geométricas. Ella explora los "fragmentos" como un Concepto ; fragmentos del alma, naturaleza, lugares y sitios. El propósito; preservar la emoción para siempre a travez de esos “escritos lineales”. Utilizando como medio el papel; “La reglure Seyès”. Esta cuadricula “Seyès” fue patentada el 16 de Agosto de 1892 por Alexandre Seyès dueño de una papeleria – librería en Pontosie, Francia. Consiste en una hoja A4 divididas en cuadros de 1 cm2 con líneas de 2mm de espacio entre ellas. Todo un país y muchos niños franceses han empezado a aprender a escribir en estas hojas por más de 100 años.

Es el cuardeno oficial utilizado en los colegios de la educación nacional francesa. Cuando las hijas de la artista empiezan el grado de primero de primaria y en el colegio se les pide que la letra se ciña esos parámetros, la artista les dice que si bien van a aprender a escribir con rigor; no se debe confundir esto con la rigidez y nace allí ese afán creativo de “reinvertar” esa hoja de papel en expresión artística. El uso de colores, acuarelas , tejidos , hilos y todo aquello que pueda despertar su curiosidad y desafío se conjugan con el uso del papel.

Joel BATZ Guatemala. 

Nacido en 1975 en la ciudad de Quetzaltenango Guatemala, su influencia artística comenzó en la Ciudad de México, el Arte y la Artesanía. Comenzó como un artista autodidacta influenciado por su hermano mayor, fue su aprendiz y alumno durante 2 años. En agosto de 2002 Batz comenzó a estudiar en California iniciando su carrera en Los Angeles City College, el Valley College y LA Pier College, impartidos por maestros en bellas artes. En junio 2007 obtuvo el "título de Arte Asociado" y al año siguiente 2008 un segundo título "Licenciatura en educación musical" y transferido a la Universidad de Las Vegas Nevada UNLV.

Joel Batz regresa a Guatemala en diciembre de 2010 por la tragedia de su madre y decide radicarse en La Antigua Guatemala Patrimonio Nacional de la Cultura donde expone arte callejero. En 2012 Joel y su hermano Marcos abrieron su propio Estudio.

Galería Un nuevo comienzo de inspiración y motivación, compartiendo experiencias y técnicas, inició una nueva etapa como expositores en el arte, llevando a cabo el sentido de enseñar talento hacia otros, programas como arteterapia para necesidades especiales niños, comenzando a dibujar para niños talentosos y arte personal uno a uno clases para adultos.

En septiembre de 2014 se inicia el proyecto Casa Para Las Artes, Joel Batz como cofundador de Artistas, que tiene la iniciativa de apoyar el surgimiento de nuevos talentos, creando espacios para el desarrollo cultural artístico. Batz exhibe y enseña en CPA donde Surge la inspiración y el nuevo estilo está inspirado en la cultura guatemalteca.

Hoy Batz disfruta de una nueva era en las artes proyectando su talento, estilo y sobre todo, todo la inspiración que ha tomado de diferentes culturas. Dado que su mayor la inspiración es vida, siendo influenciada por la visión de todo lo que se mueve y proyecta la vida misma, un artista realista y surrealista que captura un sentimiento de identidad en cada uno pincelada.

Luz Viera, Perú

Licenciada en Artes Plásticas y Visuales, estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Trujillo “Macedonio de la Torre” (2007 – 2011) con la tesis “La Iconografía de la Cultura Chachapoyas y el Constructivismo Abstracto” ESBAPT – 2013.

Grado de Bachiller en Artes Plásticas y Visuales realizado en la ESBAPT – 2012.

El director de teatro colombiano Omar Porras estrena este viernes en mítico el Teatro des Amandiers de Nanterre su puesta en escena de ‘El cuento de los cuentos’ del escritor napolitano Giambattista Basile.   

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Nacido en 1963 en BogotáOmar Porras se instala en Francia en 1985. Se formó en danza y teatro durante sus muchas  experiencias artísticas en Europa.

En 1990 fundó el Teatro Malandro de Ginebra, un centro de creación, formación e investigación donde desarrolló un enfoque creativo personal, basado en el movimiento. Su técnica teatral se inspira en tradiciones occidentales y orientales, como la biomecánica, el teatro balinés, indio y japonés.

Paralelamente a sus producciones, desempeña papeles en la mayoría de sus espectáculos. Desde 2001, también ha organizado y dirigido varios talleres que permiten a los actores desarrollar el trabajo de interpretación y actuación enmascarada, así como la conciencia del gesto en un diseño más amplio que apunta a una teatralidad orgánica. Ya sea en la Haute école de théâtre de Suisse romande (HETSR) de Lausana, en el Atelier de Paris Carolyn Carlson, en el Théâtre du Grand T de Nantes o en el Shizuoka Performing Arts Centre (SPAC) de Shizuoka.

Desde el principio, el director exploró mitos como el de las Bacantes, Don Quijote, Fausto y Don Juan. Sus producciones se distinguen por su carácter altamente metafórico, filosófico e incluso político. Por invitación de teatros de Europa, Japón y América Latina, también representó varias óperas y espectáculos.

El teatro de Omar Porras se basa en el texto pero no se pone servilmente a su servicio: la adaptación juega un papel central en el proceso creativo del Teatro Malandro . Para ser objeto de libre exploración por parte de los actores y del director, el texto debe liberarse de sus ataduras literarias y abrirse a la improvisación.

Omar Porras combina el arte de la actuación, el disfraz, los títeres, la danza y la música; sitúa el cuerpo en el centro de su investigación teatral, en un trabajo de armonización entre acto y palabra.

En 2007, fue invitado a presentar en la Comédie-Française la obra Pedro y el comendador basada en Lope de Vega.

En 2014, fue nombrado director del TKM Théâtre Kléber-Méleau, instalado en la antigua fábrica de gas de Renens y creado en 1979 por Philippe Mentha. Asume el cargo el 1 de julio de 2015.

El dúo del electro-cumbia ‘Chu Chi Cha’, compuesto por la francesa Lolita Ponce y el chileno David Santis, acaba de publicar su nuevo clip ‘Refugiados’ inspirado en los desplazados del mundo entero para luchar contra la indiferencia a la que se ven a menudo sometidos.  

Naturalmente han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo.

David Santises chileno, músico titulado, compositor, docente, nacido en Santiago de Chile. Inició su carrera como músico acompañando compañías de teatro en Santiago, y durante más de 13 años fue acordeonista y cantante del "Combo Ginebra": agrupación pionera del nuevo movimiento "Cumbia Chilena" en Chile.

Lolita Ponce es marsellesa, inmersa en el mundo del teatro desde pequeña, estudió violín durante más de 12 años. Su trayectoria profesional se confirmó en la música en el año 2011, cuando se mudó a Santiago de Chile, donde ejerció su profesión como músico durante 10 años. Comparte su cultura y conocimientos musicales con numerosos artistas chilenos y latinoamericanos (deRuts, Nano Stern, Angel Parra, Manuel García...) Miembro del grupo deRuts entre 2013 y 2019

Lolita Ponce y David Santesse conocen en Chile en 2011. Llegaron a Marsella en 2020 durante el confinamiento. Ella es violinista y él es acordeonista.

El espíritu apocalíptico en el que se encuentra el mundo en ese momento los empuja a explorar sus límites y aventurarse hacia el sonido frenético de las máquinas electrónicas. Mezclan el sonido acústico del violín, el acordeón y la percusión latinoamericana, con cajas de ritmos electrónicos, samplers y sintetizadores. Resultado de una música electroacústica basada en ritmos latinos. Basan su proyecto en la dualidad: un hombre/una mujer, Latinoamérica/Europa, español/francés, Electro/Acústica... Ofrecen una identidad artística que intenta borrar los clichés de la música latina en sus composiciones militantes y festivas.

Comprometidos, el proyecto está despegando, realizan conciertos desde 2021 principalmente en el sur de Francia. Se los ve durante el trampolín de Orizon Sud en Makeda en marzo de 2022. Realizan alrededor de sesenta conciertos en 2 años y cada uno obtiene su estatus intermitente gracias a Chu Chi Cha en 2022.

El escritor mexicano Miguel Tapia presente este jueves en el Instituto Cultural de México de París su novela ‘Del famoso y nunca igualado Corrido del Quicón Uriate’ que acaba de editar en México la editorial ERAS en colaboración con la Editorial de la Universidad de Sinaloa.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

Miguel Tapia nació en Culiacán, Sinaloa (México) en 1972. Ha estudiado Ingeniería, Literatura, Música y Periodismo, y ha ejercido estos y otros oficios en su ciudad natal, la Ciudad de México, Barcelona y París. Es autor del libro de cuentos Señor de señores y Los caimanes (Almadía, 2010) y de la novela Los ríos errantes (Ediciones Era, 2017). Sus relatos han aparecido en varias antologías, entre ellas Norte. Una antología (Ediciones Era, 2016) y Des nouvelles du Mexique (Métailié, 2009). Ha publicado también narrativa, traducciones y ensayos en medios de México, Colombia, Argentina, Francia y España. Es doctor en Literatura Hispanoamericana por la Universidad Sorbonne-Nouvelle Paris 3, donde enseñó durante unos años. Actualmente es profesor en la Universidad Paris-Est Créteil.

La artista argentina María Ibáñez Lago acaba de inaugurar en la Galería Artivistas de París una exposición que con el título de ‘Extractivistas’ denuncia el expolio minero que sufre América latina desde hace siglos.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.    

María Ibáñez Lagoes una artista y escenógrafa franco-argentina. Vivió alternativamente entre Buenos Aires y París por períodos de 15 años. Estudió Escenografía y Pintura en la ENSAD, París, en el taller de Zao-Woo-ki. En Buenos Aires asistió a los talleres de Diana Aisenberg. Le interesan los diferentes contextos de producción artística, así como las diferentes posibilidades de la definición de ser artista. Haber vivido la crisis de 2001 en Argentina y los recursos de resiliencia colectiva que surgieron entre la comunidad artística, marcó su compromiso con los colectivos de artistas autogestionados.

En Francia es cofundadora de Julio Artist-run Space, que se centra en el vínculo entre los artistas latinoamericanos y el contexto artístico francés, siendo también curadora de algunas de las exposiciones producidas en su espacio en el distrito 20 de París. n Argentina forma parte del colectivo PintorAs, mujeres artistas establecidas que trabajan en torno a políticas de género y definiciones de pintura. Sobre este tema, coordinó la Escuela Feminista de Pintura del Centro de Creación Contemporánea Olivier Debré (Tours) en el marco de la presentación de la obra de Ad Minoliti.

Actualmente presenta una muestra individual en el espacio especializado en arte latinoamericano Artivistas y participa con una instalación en la exposición Radicar curada por Margaux Knight en Poush. En 2023 es Laureada de “Jardins du monde en Mouvement”, por una instalación in situ en el Domaine de la Cité Internationale, así como una exposición individual en Buenos Aires en la Galería Ruth Benzacar. En 2022 presenta una instalación in situ en la K.A.B en el invernadero de la Square des Batignolles.

A María Ibáñez Lago le gustan los lugares poco convencionales que le permitan experimentar relaciones particulares con el espacio. Sus instalaciones in situ exploran los temas de la energía incluida en las cosas naturales y proponen sistemas formales vinculados a la arquitectura y el paisaje que las acoge. Incluye en la instalación artística la noción de modelo y decoración. Interesada por la geometría que parte del plano para llegar al volumen, desarrolla un proyecto de creación de prototipos de especies vegetales nuevas y en desaparición, que se expresa en formas de maquetas, dibujos, instalaciones, a lo largo de sucesivas exposiciones, creando arquitecturas vegetales. que tuvo lugar en espacios distintos a los cubos blancos, como el Serre du Square de Batignolles o la capilla del Château de Lacaze (Lot et Garonne).

Es cofundadora de varios colectivos de artistas, para la producción de proyectos conjuntos. En relación a la vinculación con un espacio natural, podemos citar el proyecto Archivo vivo; para la realización de obras in situ en una reserva natural en la desembocadura del río Paraná (Argentina).

La muralista ruso-ucraniana Lina Besedina ganadora del Premio RFI-Radio Cultura 2023 ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentarnos ‘La Sabia’, el mural con el que obtuvo el galardón, que pintó en un edificio del barrio Los Hornitos de la ciudad argentina de San Luis.

Lina Besdeina nace en 1987 en lo que todavía era la Unión Soviética. Crece en Siberia en un pueblo minero en el que se llegaban a alcanzar los cincuenta y seis grados bajo cero. Su familia era familia de origen ucraniano-ruso. Su única educación ‘formal’ artística fue una academia de arte a la que asistió entre los 7 y los 14 años.

A los 15 años obtiene una beca de intercambio para estudiar un año en EEUU, viviendo con una familia de mormones ortodoxos. Al volver opta por estudiar lingüística (inglés y alemán) en San Petersburgo, porque su familia le niega el apoyo económico si elige estudiar Bellas Artes. Preparo su tesis con ayuda de una beca en Dresde, Alemania.

Al terminar sus estudios universitarios retoma su actividad artística para trabajar durante dos años como realizadora de escenografía en el Gran Teatro de Marionetas de San Petersburgo. Obtuvo también otra beca para hacer una pasantía en el Teatro Dramático de Hamburgo.

En 2011, a los 23 años, viaja a por motivos personales a Venezuela. Con su pareja viajan por varios países de América Latina y nunca más volverá a vivir en Rusia. Va a instalarse en Buenos Aires, Argentina, donde acaba la carrera de diseñadora gráfica y trabajar como diseñadora durante varios años.

Su otra pasión aparte de la pintura es la escalada que practica desde hace 18 años. En el gimnasio donde entrenaba propuso pintar un mural, que terminó siendo su puerta de entrada a un evento de arte urbano, donde conocí a varios artistas locales de renombre, incluyendo al que se convertiría en amigo y mentor Chris Herrera “Kiki”. Fue su asistente durante varios años hasta que empezó a trabajar en proyectos propios.

La artista argentina Alexandra Verga inaugura el próximo 23 de mayo su exposición ‘Del libro de tu sombra’ en la Maison de l’Argentine de la Cité Internacional de París.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Alexandra Verga nació en Buenos Aires (Argentina). Es profesora titular de pintura, egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon (Argentina). Desde 1987, Alexandra ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas, en Francia y en el extranjero. Ganadora de premios y ferias de arte, sus obras se encuentran en el catálogo de colecciones públicas y privadas, como Sacem.

Vive y trabaja en Francia desde 1990 y en Asnières desde 1996. Su trabajo como artista incluye pinturas, pero también libros de artista (Editions Tandem) presentes en el Centro Pompidou, el M.E.P, el Jeu de Paume. Colabora además con arquitectos para crear colores para edificios urbanos. Imagina colecciones y gráficas para vajillas y textiles. También es profesora de pintura.

El cantante de tango argentino Chino Laborde y el armonicista también argentino Franco Luciani presentan en una gira europea ‘De alcohol y desamor’, nuevo álbum de Tablao De Tango.

Ambos han hecho un alto en París en El invitado de RFI con Jordi Batallé.    

Walter Laborde (Buenos Aires, 18 de agosto de 1972), popularmente conocido como el Chino Laborde, es un cantante de tango y rock. También es actor y conductor en la Televisión Pública (Argentina).

Creció en el Partido de Avellaneda, entre los límites de los barrios de Sarandí y Villa Domínico y a metros del Cementerio de Avellaneda. A los 15 años empezó a cantar con su banda de rock SVMajestad, que lo acompañó por más de 15 años, y donde compartió algunos años tocando junto a Yuri Venturin, quien luego lo invitaría a cantar con la Orquesta Típica Fernández Fierro (que en esos años se llamaba Fernández Branca). Si bien empezó contando covers de Deep Purple y Rainbow6​, el tango se respiraba dentro de su entorno familiar y barrial: “Me di cuenta de que tenía que cantar tango porque esa era mi voz primaria”.

Entre sus trabajos como cantor es reconocido por su participación en la Orquesta Típica Fernández Fierro, donde también fue miembro fundador hasta el año 2013. Desde 1999 forma parte de la Orquesta Típica Sans Souci, entre los años 2003 y 2021 formó parte del Dúo Laborde/Kvitko con el Guitarrista Dipi Kvitko.

Tiene más de 20 Discos grabados, realizó giras nacionales e internacionales (Sudamérica, EE. UU., Europa y Asia). Desde el año 2018 es un frecuente invitado de la agrupación Los Decoradores donde participa con el exintegrante de la banda argentina Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Como actor de cine se lo puede ver en Luna de Avellaneda, Tango de una Noche de Verano​, Pichuco​. En teatro participó de El Romance del Romeo y la Julieta​, Discepolín y Yo, Yo, Minga, Tango y Circo.

Franco Lucianies instrumentista, intérprete de armónica, compositor y también cantante, es considerado por la crítica y prensa argentina como uno de los músicos más notables y talentosos de la nueva generación. Comenzó sus estudios como percusionista, formado académicamente en Rosario (Prov. de Santa Fe), donde nació en 1981. Estudió en la Escuela Municipal de Música, en la Universidad Nacional de Rosario y en la Escuela Provincial de Música de la misma ciudad donde se recibió con el título de Maestro Nacional de Música, con especialidad en Percusión (Sinfónica y Batería), pero encontró su camino profesional a través de la armónica, en especial la cromática.

Es cultor de la música popular argentina, tanto rural como urbana (folklore y tango). Esa inclinación lo llevó en el año 2002 a competir en el Certamen Pre Cosquín del Festival Nacional de Folklore donde fue ganador en el rubro Solista Instrumental y luego galardonado con el Premio Revelación 2002 del Festival de Cosquín (el Festival más importante del género en Argentina y la región). El posterior desarrollo de su carrera lo lleva constantemente a otros Generosa como el Jazz, la música clásica contemporánea, músicas del mundo, entre otras.

Con sus propuestas ha recorrido todo su país, como así también presentaciones y giras por el exterior con sus propias formaciones en diferentes países de Europa, Canadá (MontrealJazz Festival, Vancouver, Otawa y Toronto), China (Shanghai), Australia (Brisbane) e Indonesia (Bali), Sudamerica, como invitado especial en Italia e Inglaterra (junto a Mercedes Sosa en sus presentaciones en Milán, Roma y Londres 2008) y en EEUU, Canada, Perú y Chile (con la cantante peruana Eva Ayllon en una gira homenaje a Chabuca Granda por la ciudades más importantes de ese país), entre otros.

Tiene en su haber 11 álbumes y ha compartido escenarios, realizado giras y participado en grabaciones de un extenso abanico de reconocidos artistas nacionales e internacionales como Mercedes Sosa, Egberto Gismonti, Tomatito, Snarky Puppy, Lila Downs, Gotan Project, Eva Ayllón Fito Páez, Raúl Carnota, Chango Spasiuk, Pedro Aznar, Jaime Torres, Divididos, Guillermo Fernández, León Gieco, Luis Salinas, Teresa Parodi, Horacio Molina, Maria Graña, Amelita Baltar, Víctor Heredia, Juan Carlos Baglietto, Jairo entre muchos otros.

La chef argentina Paula Méndez Carreras presentaba este sábado en el Castillo de Vauchelles su libro ‘Cocina con flores’, con fotografías de Eduardo Torres, editado en Buenos Aires por India Ediciones (Estudioindia).

Naturalmente ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI para presentárnoslo.

Paula Méndez Carreras es una chef argentina que reside en San Antonio de Areco. Estudió en la prestigiosa escuela “Le Cordon Bleu” de Paris donde obtuvo sus diplomas en Cocina y Pastelería en 1994, y cinco años más tarde continuó sus estudios en Londres, donde obtuvo el Grand Diplôme “ Le Cordon Bleu”. 

Trabajó y vivió en Londres, Nueva York, Líbano, Singapur y Australia trabajando con los mejores chefs de cada lugar. 

Es y ha sido invitada por “LeCordon Bleu “ en más de una ocasión para representar la cocina argentina en Paris, como así también a representar dicha institución en Argentina.

La fotógrafa mexicana Yvonne Venegas inaugura el próximo 8 de mayo la exposición ‘Gestos de supervivencia’ en la Galería Lodo de Paris.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Yvonne Venegas Percevault, y su hermana gemela la cantante Julieta Venegas Percevault, nacieron el 24 de noviembre de 1970 en Long Beach, California. Desde su nacimiento, ambas fueron llevadas a vivir a Tijuana, Baja California, donde se criaron siendo hijas de los fotógrafos mexicanos Julia Edith Percevault y José Luis Venegas.

Se graduó en el International Center of Photography en Nueva York y en 2009 obtuvo una maestría en Artes Visuales por la Universidad de California, San Diego. En 2012 se realizó una revisión de su obra de quince años titulada Nunca será más joven que este día, en el Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México.

Obtuvo el Premio de Adquisición de la x Bienal de Fotografía del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, y la beca del Sistema Nacional de Creadores del Fonca (2010-2013). En 2010 obtuvo el Magnum Expression Award, por la agencia Magnum Photos.

Su trabajo es parte de las colecciones: Fundación Televisa, San Francisco Museum of Modern Art, Museum of Contemporary Art San Diego, Centro de la Imagen y Anna Gamazo de Abelló, entre otros.

Este jueves se presentaban en la sala Studio de l'Ermitage de París Los Guayabo Brothers, grupo de cumbia y musica latina nacido en Toulouse.

Pero antes estuvieron con Jordi Batalle en El invitado de RFI.

Las composiciones originales de Los Guayabo Brothers se inspiran en el folklore colombiano, percusiones y gaitas orgánicas al estilo de Totó La Momposina se encuentran con guitarras, sintetizadores y cobres psicodélicos al estilo de Pink Floyd y Ondatrópica.

¡La embriaguez generada por este cóctel te llevará a soltarte y liberar tus movimientos y pensamientos alrededor de una celebración capaz tanto de provocar el guayabo como de curarlo al día siguiente! ¡América, África y Europa unidas, fusionadas al ritmo de una enorme fiesta PsychoTropical! Ahora, los festivales tolosanos CineLatino, Río Loco y Locombia disfrutan de despertares totalmente frescos, y sus amigos en Barcelona y Londres han seguido su ejemplo durante la gira promocional de su primer álbum “¡Pachanga Mohánica!” lanzado en 2017.

Incluso las leyendas de la música tradicional colombiana, Los Gaiteros de San Jacinto (Latin Grammy 2007), están encantados. Colaboraron en el sencillo “El Mohán”, que aparecerá en su nuevo álbum. Este segundo álbum titulado “PsychoTropical” (Inouïe Distribution) verá la luz el 5 de abril de 2024. Los sencillos “Fango” y “Origins” serán lanzados respectivamente el 16 de febrero y el 8 de marzo de 2024.

*guayabo = resaca en argot colombiano.

El cantante de ópera argentino Lisandro Abadie debuta en la Opera de París con una nueva producción de ‘Medea’, opera de Marc Antoine Charpentier, con dirección musical de William Christie y puesta en escena de David Mc Vicar.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.   

Lisandro Abadienació en Buenos Aires, Argentina, donde inició sus estudios musicales. Más tarde se graduó en la Schola Cantorum Basiliensis y en la Musikhochschule de Lucerna. Recibió el Edwin Fischer Gedenkpreis en 2006. Cantó bajo la dirección de William Christie, Laurence Cummings, Facundo Agudin, Václav Luks, Jordi Savall, Paul Agnew, Paul Goodwin, Giovanni Antonini, Fabio Bonizzoni, Skip Sempé, Vincent Dumestre, Simon-Pierre Bestion, Hervé Niquet, Geoffroy Jourdain. Su repertorio operístico se extiende desde Monteverdi a la creación contemporánea, pasando por Haendel y Viktor Ullmann.

En el 2010 estrenó el rol titular de la ópera Cachafaz de Oscar Strasnoy, con puesta en escena de Benjamin Lazar. Ha colaborado con ensambles como Les Arts Florissants, Collegium 1704, Orchestra of the Age of Enlightenment, Les Talens Lyriques, Le Poème Harmonique, La Tempête, Le Concert Étranger, Ensemble Inégal, La Risonanza, así como con la laudista Mónica Pustilnik y el pianista Paul Suits. Se presenta habitualmente en los festivales Handel de Londres, Karlsruhe y Göttingen.

Entre sus numerosas grabaciones figuran: Siroe de Haendel, los Madrigales de Monteverdi con Paul Agnew, Music for Queen Caroline, Bien que l’amour, Si vous vouliez un jour, The Passions, The Tempest, Acis, Galatea e Polifemo, Der Rose Pilgerfahrt, Bach Mirror y el DVD La Resurrezione. En 2017 figuró en las óperas Arsilda de Vivaldi con Václav Luks Luks (Bratislava, Lille, Versailles, Luxembourg, Caen) y en Alcione de Marin Marais con Jordi Savall (Paris, Versailles, Caen). En 2018, destacaron sus interpretaciones de Phaëton de Lully en Perm y Versailles, L’Europe Galante de Campra en Potsdam y Praga, La Cenerentola de Rossini y Les Fées du Rhin de Offenbach en el TOBS, numerosos conciertos con Capriccio Stravagante, Capella Cracoviensis, Musique des Lumières. En 2019 destacan giras y grabaciones con Les Arts Florissants, Le Poème Harmonique y Collegium 1704 y en 2020 retomará Alcione de Marais en el Liceu de Barcelona.

El artista neerlandés Pat Andrea y los argentinos Pablo Flaiszman y Fernando O’Connor inauguran este martes en la Galería Argentina de París la exposición ‘Coincidencias y contrapuntos de un triálogo’.

Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Pat Andreanace en 1942 en La Haya. Hijo de la ilustradora Metti Naezer y del pintor Kees Andrea, se crió en un ambiente propicio para la creación artística. En un contexto tan enriquecedor, se manifestó su talento precoz. En 1948, a los seis años de edad, sus dibujos le reportaron su primer premio artístico. Sin embargo, a pesar de sus capacidades naturales, la ambición académica inicial de Andrea era estudiar medicina. Haría falta un recorrido inspirador por la Koninklijk Academie van Beeldende Kunsten (Real Academia de Bellas Artes) de La Haya para que Andrea cambiara de planes y se convenciera de recibir una formación artística. En 1960 se matriculó en la Real Academia de Bellas Artes bajo la tutela de maestros como Westerink, Walter Nobbe y Peter Blokhuis.

Dos años después de graduarse en 1967, recibió el premio de dibujo Jacob Maris. Un año después, aprovechó la oportunidad de exponer su obra en el Gemeentemuseum (conocido actualmente como Kunstmuseum) de su ciudad natal. Durante el evento, Andrea coincidió con el crítico de arte belga Pierre Sterckx quien, tras su encuentro, promocionó la obra del artista neerlandés en el país vecino.

La década de 1970 se caracterizó por las colaboraciones, y en particular, por la fundación del Grupo ABN junto a Walter Nobbe y Peter Blokhuis. En 1976, gracias a una invitación abierta del crítico de arte francés Jean Clair, Andrea pudo mostrar parte de su obra en París por primera vez en la galería Jean Briance. Le seguirían numerosas exposiciones en la capital francesa, lo que acabaría llevando a Andrea a instalarse en la ciudad en 1979. La década siguiente estuvo dominada por los trabajos de ilustración que llevó a cabo para revistas culturales, literarias o artísticas. Clair volvió a invitar a Andrea a participar en una importante exposición que estaba comisariando, y que contó con la presencia de Jim Dine, David Hockney, Kitaj, Raymond Mason y Olivier O. Olivier. Este acontecimiento marcaría el nacimiento de un movimiento esencial de la segunda mitad del siglo XX: la Nouvelle Subjectivité. La visibilidad que le proporcionó su inclusión en la exposición permitió a Andrea viajar por el mundo para mostrar su arte y participar en los principales eventos culturales que marcan el calendario artístico.

Pablo Flaiszman nace en 1970 en Buenos Aires, Argentina. Actualmente vive y trabaja en París, Francia. A partir de 1990 realiza estudios de dibujo y pintura con la artista plástica argentina Luisa Reisner. En 1997 se inicia al arte del grabado en Buenos Aires con el maestro Alfredo de Vincenzo. Continua en el año 2002 en el taller de grabado del artista danés Torben Bo Halbirk en Paris. En 2004 es miembro fundador de la asociación “Atelier Bo Halbirk – Artothèque A Fleur d’Encre” - París.

Es invitado en 2004 y 2007 al coloquio internacional de grabado en el Museo de Kirsten Kjaer en Dinamarca. En el mismo año es seleccionado para el 14.Sächsischen Druckgrafik-Symposions – Hohennosig en Alemania y recibe la subvención de la Direction Régionale des Affaires Culturelles – Midi Pyrénées – Francia para la instalación de su propio taller de grabado. Trabaja como artista invitado durante el ciclo lectivo 2004 – 2005 en el taller de grabado de la Escuela de Bellas Artes de Toulouse – Francia.

Fernando O’Connornace en la ciudad de Buenos Aires, en 1966. Comienza su formación en 1986 en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón; ese mismo año ingresa en la Sociedad de Estímulo de Bellas Artes donde encuentra un espacio para llevar adelante su formación académica de modo autodidacta. En 1997 expone en el Centro Cultural Recoleta y el mismo año en Canadá representa a la Argentina en el 15º Symposium International de la Nouvelle Peinture au Canadá, también realiza su primera exposición internacional en la galería Observatoire 4 de Montreal. La Galería VYP de Buenos Aires expone sus series “Muybridge” y “Retratos del Cuerpo” en 1999 y 2002, respectivamente.

Entre otros recibe el premio “Eduardo Sívori y Matea Vidich de Sívori” del LXXXV Salón Nacional, el premio Fondo Nacional de las Artes del XX Salón Nacional de Córdoba y el subsidio a las artes otorgado por la Fundación Antorchas. Hacia el año 2003 O’Connor acepta un convenio de pinturas por encargo con distintas galerías, entre ellas Daniel Maman Fine Arts de Buenos Aires y Plus One Gallery de Londres, este período se extiende hasta el año 2010 realizando más de 150 obras de estilo hiperrealista.

En 2012 expone de manera independiente en el Palacio Duhau de Buenos Aires, las raíces expresionistas y el diálogo con los artistas que influenciaron su mirada vuelven a adueñarse de su estética. Sus últimas muestras “Dibujos” y “Escrito con Óleo” afianzan su obra dentro de la estética figurativa contemporánea y son exhibidas en Mundo Nuevo Gallery Art donde expone regularmente desde 2014. En 2016 realiza “En proceso” su primera exposición retrospectiva en el Museo de Bellas Artes de Tandil (MUMBAT) y en el Museo Emilio Caraffa de Córdoba en 2017, ambas muestras abarcaron más de dos décadas de recorrido profesional. En la actualidad, Fernando O’Connor, vive y trabaja en Buenos Aires.

El escritor y periodista venezolano Johan Ramírez que presenta este martes en el la Casa de América Latina de Estrasburgo su novela ‘Porqué todos hemos soñado con París’ acto orgganizado en el marco de la desigación de Estrasburgo por la UNESCO como capital mundial del libro.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Johan Ramírez nació en Caracas, Venezuela, en  1982. Estudió periodismo en la Universidad Central de Venezuela. En 2013 se mudó a París, donde cursó una licenciatura en Estudios Internacionales y un master en Comunicación Política en La Sorbona. Ha escrito reportajes y crónicas de viajes para distintos medios en América Latina, entre ellos National Geographic Traveler.

Actualmente reside en Berlín, donde trabaja para el canal de televisión público alemán, Deutsche Welle. En 2019, esa cadena lo envió a Bogotá como corresponsal para Latinoamérica. Fe de erratas es su primer libro.

El realizador y productor peruano Andrés Malatesta presenta este viernes en el Festival de cine peruano de París su documental ‘Relatos urgentes del agua’, rodado a cuatro mil metros con las comunidades andinas de la sierra de Lima.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Andrés Malatesta es un cineasta peruano, productor de largometrajes de ficción y realizador de documentales Ha producido películas como Malabrigo (1986), Alias ‘la gringa’ (1991) et Deliciosa Fruta Seca (2019).

Director gerente de ALOUETTE FILMS empresa productora peruana ganadora del premio DAFO del Ministerio de Cultura 2016 por el proyecto cinematográfico TOQUE DE QUEDA

Gerente de producción de TOTORA PRODUCCIONES empresa productora de la película DELICIOSA FRUTA SECA de Ana Caridad Sánchez ganadora del premio DAFO del Ministerio de Cultura 2016 y del premio del FESTIVAL DE CINE PERUANO en París.

El realizador peruano Augusto Tamayo presenta este jueves su película ‘La herencia de Flora’ en el Festival de cine peruano de París que tiene lugar en el Cine Lincoln de la capital francesa.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Augusto Tamayo San Román nació en Lima, Perú en 1953 hijo del literato Augusto Tamayo Vargas y de Aída San Román Aguirre.

Cursó sus estudios escolares en el Colegio Markham de Lima (1958-1969) y sus estudios superiores en la Universidad Nacional de Ingeniería (1970-1974) en donde estudió por cinco años arquitectura, y en la Pontificia Universidad Católica del Perú (1974-1978), donde se graduó de bachiller en Literatura y Lingüística.

Luego viajó a Inglaterra, gracias a una beca del Consejo Británico para realizar estudios de postgrado de realización cinematográfica en el National Film School de Londres, gracias a una beca del Consejo Británico (1981-1982).Allí tuvo como tutores a Ernest Walter, el reconocido editor de cine americano y británico de las décadas 1960 a 1980, a Bernardo Bertolucci y a Jerzy Skolimowski.​ En 2016 obtuvo una maestría en escritura creativa de la Universidad de San Marcos.

Entre 1976 y 1978 realiza cinco cortometrajes: Presbítero Maestro, La clausura, Ensayo Barroco, La chicha y Viajero Imaginario. En 1978 escribió y dirigió el episodio Mercadotecnia dentro del largometraje Cuentos Inmorales que obtuviera gran éxito de público y crítica y que ganara el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cartagena y participara en la sección del Festival de Moscú en 1979. En 1980 dirige el episodio "Strip" en el largometraje Aventuras prohibidas y escribe el guion de Muerte de un magnate, largometraje dirigido por Francisco Lombardi. En 1983 edita el largometraje Maruja en el infierno, Confidencias, Profesión detective. En 1985 edita el largometraje La ciudad y los perros de Francisco Lombardi, basada en la novela de Mario Vargas Llosa. En 1987 se estrenó el largometraje escrito y dirigido por Tamayo San Román titulado La Fuga del Chacal, Anda, corre, vuela (1995), Welcome to Oblivion (1990), El bien esquivo (2001), Una sombra la frente (2007); La vigilia (2010) y produjo la ópera prima del director Gonzalo Benavente Secco Rocanrol 68 (2013).

Ha producido, escrito y/o dirigido seis telenovelas: Carmín, Mala mujer, Velo negro, velo blanco, Bajo tu piel, Sólo por ti, Milagros. Ha dirigido series de televisión, programas educativos, 26 documentales, entre ellos la serie dedicada al bicentenario de la independencia del Perú compuesta por 10 documentales realizados entre 2011 a 2017, y más de 800 comerciales televisivos. Ha sido gerente general de Secuencia Audiovisual (1991-1997), presidente de la Asociación de Cineastas del Perú y de Argos Interactivo (1997-2001).3​ Ha sido presidente de la Asociación de Productores Cinematográficos del Perú-APCP (2005).4​ Actualmente es presidente de la Academia Peruana de Artes y Ciencias Cinematográficas

Es autor de legislación cinematográfica peruana. Ha sido profesor de las Universidades Católica, Femenina, de Lima, San Martín y San Marcos, en cursos de pregrado y maestría, dictando cursos de literatura, guion cinematográfico, lengua, dirección audiovisual, publicidad, análisis cinematográfico, dirección de arte. Ha escrito y publicado crítica cinematográfica y libros de cuento, poesía, historia, genealogía, arquitectura, la historia de Lima, guion y dirección cinematográficas, realización publicitaria, dirección de arte, financiamiento y marketing de cine.