Le choix musical de RFI

Nous célébrons les cinquante ans du fameux combat de boxe entre les Américains Mohamed Ali et George Foreman. Il s'est tenu à Kinshasa le 30 octobre 1974. Une date historique pour le Congo, appelé à l'époque Zaïre. Six semaines avant le « combat du siècle », un festival de musique avait réuni durant trois jours au stade du 20 mai, 31 artistes dont 17 africains. 

Ce festival devenu mythique dont James Brown, The godfather of soul, était l'immense vedette rassemblait aussi des stars comme BB King, The Suprêmes, Bill Withers ou encore les Sisters Sledge. Côté africain, citons Tabu Ley Rochereau, Franco, le TP OK Jazz, pour les Congolais ainsi que Miriam Makeba, la diva sud-africaine.

Pour cette première venue sur le continent de stars afro-américaines, les concepteurs du concert, à savoir le trompettiste sud-africain Hugh Masekela et le producteur américain Stewart Levine voulaient souligner le côté inédit de la rencontre entre afro-descendants et africains. Ils espéraient alterner sur scène Américains, Cubains et Africains, mais les organisateurs, à savoir le puissant producteur américain Don King et le président zaïrois Mobutu ne les ont pas laissés faire. Ils ont imposé que les Américains soient les vraies vedettes. Don King cherchant à promouvoir les poulains de son écurie et Mobutu soucieux de montrer au monde qu'il avait l'Amérique à ses pieds. Néanmoins, ce concert fut aussi pour les musiciens africains une véritable vitrine. Franco et Tabu Ley Rochereau ont acquis une visibilité internationale.

Beaucoup en Amérique ont regretté que ce magnifique concert ne soit pas l'occasion de messages à tonalité politique, comme c'était le cas à l'époque dans les festivals afro-américains des États-Unis. Cette dimension a été largement occultée sous la pression des autorités politiques zaïroises. Reste néanmoins une formidable célébration musicale qui mettait en valeur la circulation intercontinentale des musiques noires. 

Charlotte Planchou est une jeune chanteuse de jazz française qui est aussi autrice-compositrice. Elle vient de sortir son deuxième album Carillon.C’est un disque « piano-voix » constitué en grande majorité de reprises.

Son premier album de chansons inédites Petite, avait été salué par la critique il y a trois ans. Charlotte Planchou en avait écrit les paroles et les musiques. Cette fois, ce nouveau disque contient surtout des reprises venues d’horizons divers : des standards de jazz, de la chanson française (dont deux titres de Léo Ferré), et même des mélodies traditionnelles occitanes. Le tout est ponctué par le son du vieux carillon que possédait sa grand-mère et qui fut selon elle l’une de ses sources d’inspiration.

Charlotte Planchou promène sa voix sur tous ces titres avec une facilité déconcertante. Il faut dire que la jeune femme a une solide formation : elle a étudié le chant lyrique avant de se lancer, de manière inattendue, dans le jazz en croisant, par hasard, des musiciens de jazz dans la rue et en chantant à leurs côtés.

Sur ce nouveau disque, Charlotte Planchou est accompagnée au piano par Mark Priore, l’un des talents les plus prometteurs de la scène jazz actuelle.

Charlotte Planchou se produira le 19 novembre à Paris au Studio de l’Ermitage pour présenter ce nouvel album.

Il est de retour avec un album ambitieux et percutant. Seun Kuti, le fils cadet de Fela Kuti revient avec Heavier Yet (Lays The Crownless Head), un titre que l'on pourrait traduire par « Plus lourde encore est la tête sans couronne ». Seun Kuti s'est inspiré d'un vers très politique du dramaturge anglais William Shakespeare, pour une œuvre qui, elle aussi, est très politique.

« Inquiète est la tête qui porte la couronne» déclamait Henri VI dans la pièce éponyme de Shakespeare. Pour Seun Kuti, les rois n'ont pas à se plaindre, c'est le peuple qui souffre. Un message qui résume toute l'ambition politique de cet album. Sur un morceau comme T.O.P – dont l'acronyme signifie Things over People, traduit par « les chose plutôt que les gens » –, il dénonce le matérialisme effréné des élites qui oublient les valeurs humaines.

Le fils cadet de Fela Anikulapo Kuti qui a relancé le M.O.P – le Movement of the People fondé par son père –, ne conçoit pas la musique comme une pure distraction. Sur Emi Aluta, il rend hommage aux grandes figures révolutionnaires comme Thomas Sankara ou Patrice Lumumba. Avec le titre Stand Well Weel, il s'en prend aux idéologies dévastatrices. Il plaide pour l'unité africaine sur Dey en compagnie de Damian Marley, le fils de Bob Marley.

Six pistes, parfois longues de plus de huit minutes, dans lesquelles Seun Kuti explore le patrimoine paternel en le confrontant aux musiques actuelles. La présence de Sampa The Great, rappeuse zambienne sur le titre Emi Aluta n'est pas le fruit du hasard. C'est une façon d'assumer sa filiation sans jamais la subir. En somme, le roi de l'afrobeat a peut-être laissé la couronne à son frère Femi, ou à son père Fela, mais il règne sur un magnifique royaume musical.

Elle est l’une des étoiles montantes du jazz en France. La saxophoniste Jeanne Michard vient présenter ce vendredi 25 octobre au Sunset à Paris son deuxième album Entre las Flores paru récemment. Un concert qui entre dans le cadre de la 13e édition du festival Jazz sur Seine, une manifestation qui associe des grands noms du jazz et de jeunes talents.

Jeanne Michard (31 ans) avait obtenu l’an dernier le prix « Révélation » aux Victoires du Jazz. Le Jury avait choisi de récompenser une artiste au style flamboyant dont l’instrument de prédilection est le sax ténor. Sa référence est une légende vivante : l’Américain Sonny Rollins.

C’est à l’âge de 7 ans que Jeanne Michard a abordé le saxophone mais elle n’est entrée au conservatoire que sur le tard (21 ans) sur les conseils de son grand frère. Entretemps, elle a beaucoup écouté d’autres musiques (rap et hip-hop notamment). Elle n’a cependant pas cessé de pratiquer l’instrument, aimant improviser sur des disques, notamment ceux de Cesária Évora ou du Buena Vista Social Club.

Le voyage qu’elle a effectué à Cuba il y a quelques années fut pour elle décisif, une sorte de voyage initiatique : la musique dans les rues, les bœufs dans les bars, les leçons particulières avec des musiciens cubains. Après un séjour de plusieurs mois à la Havane, Jeanne Michard a fondé à son retour en France le Latin Quintet, ce groupe qui l’accompagne actuellement sur scène et avec qui elle a enregistré cet album.

Son premier album Songes transatlantiques était paru en  2020. Un disque dansant et percussif, bien accueilli par la critique et le public. Parmi les invités de ce deuxième disque Entre las Flores,le jeune chanteur, violoniste et percussionniste cubain Nelson Palacios ou encore la chanteuse de flamenco Paloma Pradal. Quant au directeur artistique de cet album, ce n’est autre que Julien Lourau, saxophoniste exceptionnel et pédagogue réputé.

Nouvelle aventure collective pour La Femme, groupe français à géométrie variable mené par ses fondateurs Sacha Got (à la guitare) et Marlone Magnée (aux claviers). Depuis 15 ans, les trentenaires écument les scènes jouant sur leur côté frenchy. Rock Machine, c'est 13 titres et un son rock des années 80. Un album éclectique à l'image de ces faux nonchalants de la chanson française qui réussissent l'exploit à chaque album de se renouveler sans se perdre.

C'est le grand retour de Tshegue, après cinq ans de silence. Le duo franco-congolais formé par Faty Sy Savanet et Nicolas Dacunha revient avec un EP baptisé Argent. Au menu, un afro-punk enivrant et inventif qui ranime la flamme allumée par le duo en 2017.

Ils nous avaient terriblement manqué ! Faty Sy Savanet et Nicolas Dacunha, révélés en 2017 avec Survivor – EP devenu culte – sont de retour avec, en main, une poignée d'Argent. Six titres volcaniques comme ils en ont pris l'habitude. Si la thématique, à savoir les méfaits de l'argent sur l'espèce humaine, évoque les difficultés, la débrouille et la meilleure façon de gérer l'héritage postcolonial dans des sociétés bouleversées, ce sont les rythmes délirants imaginés par le duo qui risquent de faire l'unanimité des accrocs du dance-floor.

Tshegue nous plonge dans un grand bain composé de kuduro, de zagué, mix-électro inventé à Kinshasa. Mais aussi de kotazo, cette dance urbaine créée par le kinois Papy Mbavu et qui fait fureur sur la rive orientale du fleuve Congo. « L'Afrique, c'est pour moi la Mecque de la musique », explique Faty Sy Savanet qui est allée se ressourcer en début d'année à Kinshasa, sa ville de naissance qu'elle a quittée à l'âge de sept ans.

La musique de Tshegue est sublimée par les compositions rythmiques toujours plus complexes imaginées par Daku. Nicolas Dacunha, grand créateur de sons et aussi un instrumentiste accompli qui manie guitares, claviers et parfois cuivres. Les compositions ultrarapides et survoltées des deux amis prennent sur cet EP une ampleur qui fera date dans le milieu de l'afro-punk. Pour le plus grand bonheur de ceux qui aiment fusionner au sein d'un réacteur musical inventif et gai.

Le choix musical avec aujourd’hui l’un des plus grands guitaristes de l’histoire du jazz. L’Américain Pat Metheny revient avec MoonDial, un album acoustique emmené par sa seule guitare et dans lequel il mêle compositions originales et reprises.

Sa discographie a dépassé les 50 albums et ses concerts se comptent par centaines tous les ans. Pat Metheny détient une carrière impressionnante avec en outre 20 Grammy Awards dans 10 catégories différentes pour une quarantaine de nominations. Aucun artiste ne peut à ce jour se vanter d'un tel palmarès.

Pour cet album solo, le guitariste (qui a fêté ses 70 ans en août dernier) cherchait un nouveau son. Il s’est fait confectionner une guitare spéciale, appelée guitare baryton dans un registre plus bas qu’un instrument conventionnel. Le résultat se rapproche de l'esthétique sonore de la guitare classique.

En plus de ses compositions originales, Pat Metheny a sélectionné pour cet album un certain nombre de reprises dont une sublime version du standard des Beatles Here, There and Everywhere.

Pat Metheny est actuellement en tournée en Europe pour présenter ce nouveau disque. Il était à L’Olympia, à Paris, le 13 octobre avant des étapes en Allemagne, aux Pays-Bas, en Italie et en Suisse d'ici la fin du mois d'octobre.

Thee Sacred Souls, un trio formé par le batteur Alex Garcia, le bassiste Sal Samano et le chanteur Josh Lane. Un groupe qui s’est donné pour mission de rendre hommage aux fondations de la soul music. Les Californiens sortent leur deuxième album Got a story to tell. Après le succès de leur premier disque, ils étaient très attendus.

On pourrait se poser la question de la pertinence de la démarche, pourquoi donc recréer le son d’une époque disparue ? Mais force est de constater qu’ils maitrisent leur sujet et qu’à l’écoute de leurs morceaux, on en oublie les questions.

Leur premier titre Can I call you Rose ?, sorti en 2020, est un succès immédiat. Avec plus de 100 millions d’écoutes sur Spotify et dès leur deuxième concert, ils sont repérés par le patron de Daptone. Le label est spécialisé dans le son soul des années 60/70. Ils ont découvert Amy Winehouse et relancé la carrière d’artistes trop vite oubliés comme Sharon Jones ou Charles Bradley. Daptone et Thee Sacred Souls étaient faits pour se rencontrer.

Sur leur morceauLive for youextrait de leur nouvel album, on entend bien l’influence de Marvin Gaye portée par la superbe voix de velours de Josh Lane. Cet album tient ses promesses mais à condition d’être client de l’ambiance nostalgique des années 60. Tout est parfaitement maitrisé chez Thee Sacred Souls, que ce soit au niveau des compositions, de l'interprétation ou de la production des morceaux.

C'est un voyage musical au cœur de l'Irak. Sorti à la suite du film d'animation Le Parfum d'Irak (2024), l'album Flavors of Iraq dresse en 17 titres captivants et intimes le portrait du pays à travers le regard d'un jeune Franco-Irakien, Feurat Alani. La musique, aussi nuancée que le récit, est signée par le compositeur et clarinettiste français Duchazaud.

Si la valeur n’attend pas le nombre des années, elle s’amplifie parfois avec l’âge. À près de soixante ans, le musicien et compositeur sénégalais Mangane sort son premier album produit par un label. Savante alchimie entre le folk, le blues, le jazz et l’afro funk où il propose une palette musicale vibrante d’émotions.

C’est un signe du destin, Mangane est né, il a près de soixante ans dans la ville de Thiès au Sénégal, sorte de gros carrefours ferroviaires où travaillent et vivent des immigrés venus de toute l’Afrique de l’Ouest, chacun apportant sa musique et son patrimoine culturel. Dans cette ambiance sonore, Mangane a très tôt été bercé aux sons du Bembeya Jazz de Guinée, ou à ceux du Rail Band de Bamako, ainsi que des groupes locaux comme Dieuf Dieul et le Royal Band, deux formations de Thiès.

Guitariste autodidacte

Parti à Dakar au début des années quatre-vingt pour intégrer le conservatoire, où il apprend le balafon, il découvre les stars sénégalaises de Touré Kunda et Xalam dont la musique commence à faire le tour du monde. Mangane qui entre temps a appris la guitare en autodidacte monte ses premiers groupes, dont Nakodjé (le potager) qui connaitra un beau succès d’estime. Il compose ses premières musiques et écrit ses premières chansons. Une passion qui le ne quittera plus.  

Le destin le guide ensuite à Limoges, ville où il s’installe au début des années 2000. Il travaillera vingt ans à l’éveil musical des enfants, tout en tentant une carrière solo ponctuée de deux albums autoproduits.

Alune Wade aux arrangements

Zoom Zemmatt est son premier album produit par un label, en l’occurrence Laborie Jazz, fondé par Jean-Michel Leygonie qui avait repéré Mangane lors du festival limougeaud Éclats d’émail jazz qu’il dirigeait alors. Pour l’occasion, Jean-Michel Leygonie le met en relation avec le bassiste, compositeur et arrangeur Sénégalais Alune Wade dont le travail sublime les compositions de Mangane, de l’aveu même de celui-ci. Entre folk, afro-jazz et afro-funk, Zoom Zemattet ses dix pistes emmènent dans un voyage sonore riche et intense en émotion. La vie de Mangane n’est pas un long fleuve tranquille, c’est un train qui serpente au milieu de paysages sonores multiples et étonnants.

The Linda Lindas porte bien son nom : l’énergie des filles est joyeuse et l’écoute du moindre titre du second album No Obligation est libératoire. Du punk rock grinçant et de la pop « noisy », une fusion percutante du groupe venu de Californie.  

Ses chansons acides pour l’égalité des sexes et contre les discriminations, propulsées par des guitares survoltés, font des misères sur cet album de 12 titres explosifs.

En 1977, apparaissaient à Londres les Slits, l’un des premiers groupes punks féminins à lutter pour les droits des femmes. Une décennie plus tard, les Américaines de Riot Grrrl créent un mouvement qui conjugue grunge et défense des minorités. Et en 2024, les Linda Lindas se réclament  les  héritières de toute cette rébellion féministe historique. 

The Linda Lindas fait partie de la troisième génération de groupes punk-rock féministes qui comptent, malgré leur jeune âge. Ce sont quatre Américaines d’origine asiatique et latino. La plus jeune n’a que 14 ans et la plus âgée 20.

Derrière leurs instruments, en robe rose pour dénoncer le sexisme, ces rebelles avec une cause, tapent du poing et jouent déjà dans la cour des grands depuis six ans puisqu'en 2018, les filles se sont fait connaitre mondialement sur un coup de maitre (ou plutôt de maitresse), grâce à une performance façon Sex Pistols, en direct depuis une bibliothèque publique californienne. À la vitesse d'un éclair, la vidéo a été vue plus de huit millions de fois. Et si les fils de fer des appareils dentaires tentent de faire régner l’ordre, ceux des guitares électriques permettent toujours de créer le bordel sur l’un des titres qu’elles y chantent : « Racist, Sexist, Boy ».  Un morceau qui dénonce les agressions racistes qu’elles subissent au quotidien.

Avec le nouvel album, The Linda Lindas déclenche une nouvelle déferlante sur un genre musical né il y a quasiment un demi-siècle. Avec ces adolescentes, enfants d’immigrés, le punk n’est pas mort. Et Il ne s’agit pas seulement de hurler dans un micro parce qu’il y a des textes qui donnent leur vision sur une Amérique marquée, entre autres, par le retour d’une ridicule pudibonderie. Leur musique sauvage est une manière de lever bien haut le majeur en l’air à la face d'une société envahissante bien-pensante. 

The Linda Lindas n’a pas froid aux yeux ni une minute à perdre.  Avec No Obligation, les punkettes s’apprêtent à mettre des coups de pied dans le système américain lors des élections présidentielles du 4 novembre 2024.

C’est l’une de plus belle voix du Cap-Vert : la chanteuse Mayra Andrade vient de sortir, ce 11 octobre 2024, un sixième album intitulé ReEcanto (qui signifie « se réenchanter »). Ce disque a été enregistré en public à Londres. La chanteuse de 39 ans revisite une partie de son répertoire dans une formule guitare-voix très dépouillée et intimiste.

Née à Cuba, Mayra Andrade est une citoyenne du monde : elle a vécu au Sénégal, en Allemagne, au Cap-Vert, en France… et depuis quelques années est installée au Portugal. Pas question cependant pour elle d’oublier ses racines cap-verdiennes : sur l’album qui vient de paraitre, elle s’est entourée de la seule guitare de Djodje Almeida, très fin connaisseur de la musique traditionnelle du Cap-Vert.

C’est en 2022, lors de la tournée qui a accompagné la sortie de son précédent disque Manga, qu’est née chez elle l’idée de revenir à la formule guitare-voix qui avait vu ses débuts dans la chanson.

Sur ce disque, Mayra Andrade reprend des morceaux issus de son premier album Navega, paru en 2006, ou de Stória, Stória, publié 3 ans plus tard. On retrouve aussi des chansons issues d’opus sortis en 2013 et en  2019.

Tous ces titres en formule guitare-voix ont été enregistrés à Londres en novembre dernier dans l’église Union Chapel.

Cassius est un groupe légendaire qui a marqué l’histoire de la musique électronique mondiale. À l’occasion de la sortie d’un best-of (1996-2019) Boombass, membre fondateur du duo mythique, s’est décidé à poursuivre l’aventure, sans Philippe Zdar décédé en 2019.  

Trente ans de carrière et des succès planétaires à l'esthétique soignée, avec ce best of de 20 titres hyper dansants, Cassius démontre que l’électro peut s’ouvrir à d’autres styles : free jazz, disco, pop ou funk.

Dans les années 90, le groupe initie une révolution musicale sans précédent. Et c’est en France que ça se passe. Mais c’est d’abord de l’autre côté de la Manche qu’elle surprend. Les Anglais sont les premiers à la nommer « French Touch », mouvement électronique français qui réunissait Daft Punk et Air à l’époque.

Parmi les tubes de Cassius, il y a sur ce disque le morceau 1999, grand classique de l’électro. Sur des rythmes frénétiques ciselés, on entend ceci : « Cassius Is in the house. New Funk ». Et à juste titre. Car ici, il ressuscite des sonorités funk et soul tout en les projetant dans le futur sur des boucles synthétiques entêtantes. Et on y trouve surtout le légendaire et irrésistible Feeling for you qui casse toujours la baraque, 25 ans après sa sortie. Dans ces années-là, grâce à son talent visionnaire pour le groove, Cassius a connu la gloire et a produit de grands artistes anglo-saxons comme Cat Power, Pharrell Williams, Beastie Boys, sans oublier, le rappeur français MC Solaar.

Le triomphe de sa prestation avec les DJs Etienne de Crecy et Falcon à la cérémonie de clôture des Jeux Paralympiques de Paris, a convaincu Boombass qui représente désormais seul le duo, six ans après la mort de son binôme, Philippe Zdar, père de l'électro made in France. Grâce aux réactions enthousiastes du public lorsqu’il a joué ses tubes, ce dieu des platines donne une suite à la fantastique histoire musicale de Cassius.

Le best-of de Cassius, dans les bacs le 11 octobre 2024. En attendant de le voir sur les dancefloorsdu monde entier avec ses amis DJs en 2025. 

À la fois contre-ténor, breakdancer et mannequin, le Polonais Jakub Józef Orliński, 33 ans, sort un album à son image. Il réunit des tubes de chants baroques revisités dans des arrangements de musiques actuelles. Conçu avec des complices de la scène pop polonaise, ce 8e album de l'acrobate de la voix rend la musique ancienne plus audacieuse que jamais. 

Jakub Jozef Orlinski #LetsBaRock(Warner Classics) 2024 

Site officiel de Jakub Józef Orlinski

Rahim Redcar, que l’on connaissait sous les noms de scène Redcar, Chris et Christine and the Queens, change pour la quatrième fois d’identité pour son cinquième album Hopecore. Nouvelle métamorphose de la star française qui choisit une fois de plus d’être genré au masculin pour son nouveau projet électronique dansant.

Sa voix affirmée s’impose de nouveau sur ce disque de sept titres abrasifs et sauvages, taillés pour les pistes de danse. Il suit la quête d’un chanteur et danseur hors normes qui se renouvelle à chaque album : chanson française, pop, et ici, techno aux accents disco.

En 10 ans, l’artiste caméléon s’est imposé comme une figure majeure de la musique française contemporaine à l’échelle internationale. Derrière son nom de scène, se cache Héloïse Letissier.

En 2010, la Nantaise avait 22 ans et le moral à zéro. C’est à Londres qu’elle va ressusciter. Et c’est dans un cabaret de drag queens que le miracle va arriver, en s’inventant un double pour mettre en chanson ses difficultés d’exister dans ce corps de jeune femme, prisonnier d’une sexualité hétéronormée.

Quatre ans plus tard, en 2014, Éloïse Letissier devient Christine and the Queens et publie son premier album Chaleur humaine. Une réussite spectaculaire adoubée par des poids lourds comme Elton John ou Madonna. Un succès mondial que seul le duo français Daft Punk avait pu atteindre jusque-là. Avec 1,3 million d’albums vendus, Christine and the Queens devient une star planétaire, portée notamment par la chanson Christine, tout simplement.

Pour ce nouvel album Hopecore, Rahim Redcar a tout fait, en totale autonomie. À 36 ans, il livre une heure de musique, écrite, enregistrée et mixée par lui-même. L’artiste opte pour une inspiration spontanée et brute grâce aux beatsprimitifs de synthétiseurs sans âge, à l’image du morceau au titre énigmatique, Forgive 8888888. Il sonne comme un appel de la chair pour la justice et la liberté de toutes les orientations sexuelles.

On peut dire que ce dernier projet est captivant et libre, malgré des boucles électroniques monotones à l'écart de ses habituelles mélodies entêtantes. Considérer aussi que l’essentiel n’est peut-être pas là. Avec ses multiples visages et talents, le cheminement artistique de celui qui a repris avec panache Non, je ne regrette rien d’Edith Piaf, lors des jeux paralympiques de Paris, reste fascinant.

Rahim Redcar est en tournée des clubs mythiques, le 1er novembre à la Fabric à Londres et le 12 novembre au Rex Club à Paris.

Soulest le nouvel album de l’artiste le plus funky de la variété française, Michel Jonasz. Un album dans lequel il reprend ses plus grands succès, réorchestrés avec l'aide du batteur Manu Katché et de son pianiste fétiche Jean-Yves D'Angelo.

Il est à la musique funk ce que Claude Nougaro est au jazz. Michel Jonasz, l’homme le plus groovy de la variété française, l’auteur aux multiples succès (Dites-Moi, La boîte de jazz, Les Wagonnets, Super Nana ou La FM qui s’est spécialisée funky) revient avec ce superbe album Soul.

Michel Jonasz, une carrière bien riche

C’est à 77 ans que Michel Jonasz sort ce nouvel album. Il est né à Drancy en 1947, dans une famille aux origines hongroises. Il quitte très tôt le lycée pour se consacrer aux arts : le dessin, la peinture, le théâtre. Mais c’est le piano de la famille qui va le happer et il va convaincre ses parents d’utiliser les allocations familiales pour lui acheter un piano électrique.

Une riche idée, car il devient le pianiste de plusieurs groupes de la fin des années 60 avec lesquelles il chante le blues. Tout s'accélère en 1973 lorsqu'il est pris en premières parties d’Hugues Aufray et Stone & Charden à l’Olympia à Paris.

1974 : Dites-moi, Super Nana, le succès sur les deux faces

En 1974, son 45 tours Dites-Moi devient un énorme succès, mais la face B, Super Nana,elle aussi, triomphe. Sa carrière est lancée avec son premier album éponyme. La pochette de son nouvel album Soulreprend la photo de ce premier album, mais redessinée par le graffeur C215, avec une typographie très « seventies ».

Avec cet album, Michel Jonasz s’offre une nouvelle jeunesse. Il est entouré de ses acolytes de toujours : le batteur Manu Katché et son pianiste fétiche Jean-Yves D’Angelo. Tous les titres de Soul sont réarrangés, réorchestrés avec des cuivres, des violons et son fameux piano électrique, à l'image du titre Lucille.

Il sera en tournée en 2025, mais en attendant, retrouvez Joueur de blues de Michel Jonasz ainsi que le reste de la playlist RFI sur toutes les plateformes musicales.

Le combo béninois est de retour avec un deuxième album, Positive Vaudoun. Les six musiciens et chanteurs du Bénin International Musical (BIM) mixent avec hardiesse et enthousiasme les rythmes béninois à ceux de la sono mondiale pour mieux évoquer les racines vaudoues de la culture béninoise.

Un premier album enregistré en 2018, cent cinquante concerts… Le Bénin International Musical est un collectif taillé pour la scène qui fait de chaque apparition une expérience teintée de mysticisme vaudou et surtout d’une folle énergie. La religion vaudoue, et parfois l’image d’Épinal que l’on s’en fait, reste au cœur du deuxième album, Positive Vaudoun sorti en version digitale sous le label World Tour record de Jérôme Ettinger. Le directeur artistique et producteur est, avec son ami Hervé Riesen, directeur adjoint de la radio musicale française FIP, à l’initiative de ce collectif fondé en 2017.

Une approche rock renforcée

Dans son nouvel album, le BIM adopte une approche encore plus rock, sous l’impulsion de Jimmy Belah, percussionniste, batteur et chanteur, ainsi que sous celle de Atcho Emmanuel Yaovi, le guitariste surdoué aussi à l’aise dans la rumba que dans le rock ou le punk. Cette multiplicité des registres musicaux permet aux musiciens d’explorer à la fois le rap, le rock, la rumba et les musiques traditionnelles. Une richesse qui débouche sur un groove unique et particulièrement puissant. Puissance qui s'exprime à merveille sur scène. BIM est un groupe à voir autant qu'à écouter. Il s'embarque cet automne pour une tournée européenne.

Le Bénin International Musical, c'est enfin une aventure humaine, puisque le groupe accompagne ses tournées d'atelier dans les écoles afin d'initier les enfants aux percussions. Une dimension qui renforce encore l'empathie immense que suscite le groupe.

Le chanteur Cimafunk revient avec un nouveau disque intitulé Pa Tu Cuerpa (« Pour ton corps »). Trois ans après l’album El Alimento, (qui lui a valu une nomination aux Grammy Awards) la star cubaine a sorti, cette fois-ci, le grand jeu en invitant une pléiade de vedettes.

De George Clinton au groupe colombien Monsieur Periné, en passant par le rappeur américain Big Freedia ou le trompettiste Trombone Shorty : ils sont nombreux à avoir répondu à l’invitation de la rock star cubaine. Sur ce 3e opus, l'artiste de 35 ans ne s’impose pas de frontière musicale. Funk, hip hop, musiques sud-américaines et caribéennes se côtoient avec parfois un clin d’œil à la Nouvelle-Orléans, la ville dans laquelle il réside depuis des années et dans laquelle il dit se sentir chez lui « Il y a plein de similitudes entre la Nouvelle-Orléans et Cuba,explique-t-il .La vie de quartier, la vie en communauté... les racines africaines... Tout cela ressemble beaucoup à ce que l’on trouve chez moi ... et puis bien sûr, il y a aussi la musique ».

Cimafunk, c’est le nom d’emprunt d’Erik Alejandro Iglesias. Si la rock star cubaine s’est rebaptisée de la sorte, c’est pour rendre hommage à ses ancêtres : « Cima, ça vient de Cimarron, ces esclaves qui s’échappaient des plantations et qui partaient vivre en communauté dans les montagnes à Cuba. Le nom que j’ai choisi, c'est une façon de leur rendre hommage, d’autant que le funk, c'est l’héritage africain de la musique nord-américaine »

Cimafunk remplit les salles du monde entier avec son cocktail de funk, de rythmes latino, de hip hop, d’afrobeat. Sa musique lui a valu d’être nommé aux Grammy Awards en 2023 pour son précédent disque El Alimento. Plus récemment, sa performance a marqué le mythique festival Coachella en Californie. Il a été le premier artiste d’origine cubaine à s’y produire.

Cimafunk est en tournée en Europe au mois de novembre avec une étape parisienne le 29 novembre à l’Élysée-Montmartre

De la Soul, groupe légendaire du rap américain, se produit à Paris pour fêter les 35 ans de son premier album mythique3 Feet High and Rising.

Si ce trio bourré d’audace fait figure de vétéran du hip hop aujourd’hui, c’est parce qu’il a fait la révolution musicale sur ce premier album, il y a 35 ans. C’était en 1989. À l’époque, le gangsta rap règne en maitre aux États-Unis avec des gamins qui crachent des mots contre la police. À la même période, De la soul sort ce disque rassembleur et hyper cool avec des fleurs colorés, dessinées sur la pochette.On l’a même catalogué « rap hippie».

De la Soul s’est distingué des autres rappeurs par une multitude d’influences. Dans ce disque mythique, il pioche dans toutes les musiques : jazz, folk, blues, soul, pop, funk et rock. Des styles rarement entendus dans le rap à ce moment-là. Ça leur a couté de nombreux procès pour plagiat et retardé la mise en ligne sur les sites de streaming d’une partie de leur discographie.

Mais malgré tout, De la Soul a fait bouger les lignes. En ouvrant les portes du hip hop, il l’a sorti du ghetto et réussi à transformer en rap, un disque d’apprentissage du français et même le tube Magic Number, reprise d’un titre pédagogique pour aider les écoliers américains à mémoriser leur table de multiplication.  

Avec des énormes succès planétaires, les ambassadeurs du hip hop mondial, ont influencé plusieurs générations de musiciens.  De La Soul, c’est le mariage heureux entre un style vestimentaire - t-shirts et pantalons hyper larges piqués à leur parents- et une musique truffée de textes décalés et drôles. Par exemple, le rappeur français, Disiz, admire leur liberté artistique. Et comme eux, il s’est fait connaitre en 2012 avec le titre humoristique J’pète les plombs.D’Orelsan à Vald, ils sont légion en France à s’être inspiré du trio magique.   

Avec ce chef-d'œuvre, 3 Feet High and Rising, De La Soul s’apprête à enflammer Paris. La preuve que ceux que l’on surnomme les dinosaures du rap, en ont encore sous le capot.

De La Soul en concert au Zénith de Paris le 4 octobre 2024.

C'est l'album le plus personnel de sa carrière. Après une décennie de psychanalyse, Chilly Gonzales est prêt à se livrer en musique. Dans son nouvel album Gonzo, l'ancien rappeur de Montréal raconte son chemin et ses convictions en 11 titres, toujours avec beaucoup d'autodérision et autant de sincérité. 

C'est une collaboration inédite entre deux musiciens : Yannis Philippakis, leader et chanteur du groupe anglais de rock Foals et le regretté musicien nigérian Tony Allen, l'un des plus grands batteurs de l'histoire de la musique moderne. Un EP de cinq titres intitulé Lagos Paris London est sorti sous le nom de groupe de Yannis and the Yaw. C’est bien plus qu'un simple hommage posthume à celui qui – avec Fela Kuti – inventa et popularisa l’afrobeat.

Retour en arrière... Pendant l’hiver 2016-2017, Yannis Philippakis, tout juste revenu d’une tournée mondiale avec les Foals, s’installe en studio à Paris avec Tony Allen et ses musiciens. L’alchimie opère instantanément. « J’ai tout de suite eu l’impression de rejoindre une famille accueillante et inspirante qui m’a immédiatement accepté, explique le chanteur des Foals. Il n’y a pas eu de pression de leur part. Il ne s’agissait pas de produire à tout prix. Dès que j’ai branché ma guitare, Tony a commencé à jouer. Nous avons pris le temps d’explorer ce que nous avions envie de faire et tout cela a dépassé mes attentes. »

Il aura donc fallu dix ans pour découvrir le fruit de cette collaboration : force est de constater que les deux artistes se complètent à merveille. L’entente musicale était presque une évidence, selon Yanis Philippakis : « J’ai grandi en écoutant de la musique africaine. C’est ce qu’écoutait ma mère qui était née en Afrique du Sud. Quand j’ai eu 18 ans, je me suis intéressé tout particulièrement à la musique de Fela Kuti et Tony Allen. Ce que j’aimais dans la façon de jouer de Tony, c’est que c’était totalement nouveau, très frais, sans influence occidentale. Avec les Foals, ça nous a très vite inspiré. Peu de musiciens sont parvenus comme lui à créer un nouveau langage avec un instrument comme la batterie... un langage universel qui fait du bien au corps et que l’on ressent de manière profonde, presque viscérale. »

Ces morceaux ont été enregistrés en 2017, c'est-à-dire trois ans avant la disparition du batteur, inventeur avec Fela Kuti de l’afrobeat. Le groupe éphémère formé à cette période comprenait notamment deux musiciens français : le multi-instrumentiste Vincent Taeger et le pianiste Vincent Taurelle. Tous deux étaient amis et collaborateurs fusionnels de Tony Allen.

À lire aussiÀ lire aussi : Le «plus grand batteur du monde», Tony Allen, est décédé

London Grammar vient de sortir son quatrième album : The Greatest love. Le trio britannique qui s'est formé en 2009 sur les bancs de l'université de Nottingham reste fidèle à son ADN : une pop/folk aérienne emmenée par la voix de sa figure de proue, Hannah Reid.

«C'est chez moi, ma maison, mes règles»: Hannah Reid donne le ton sur House, le premier titre de The Greatest Love. La blonde chanteuse de 34 ans s'affirme dans ce titre manifeste et refuse d'être une victime. Sa voix si reconnaissable, claire et affirmée, parfois aérienne, reste la marque de fabrique du groupe britannique.

Si le nom de London Grammar ne vous est peut-être pas familier, vous avez sûrement au moins une fois entendu leur tube Wasting My Young Years sorti en 2013. Après trois millions d’albums vendus dans le monde, deux albums classés n°1 des ventes au Royaume-Uni, et moult récompenses, le trio revient donc avec les dix titres de ce quatrième album The Greatest Love : «le grand amour ».

Et ce qui frappe, c'est que ce trio arrive à se renouveler sans pour autant perdre sa marque de fabrique : une pop/folk, emmenée par la voix aérienne d'Hannah Reid. Mais le groupe ne reste pas cantonné à un univers mélancolique ou éthéré composé de nappes synthétiques.

Par moments, on peut imaginer entendre du Portishead, ce groupe phare du trip hop, mais sans l'aspect neurasthénique. Le titre You and I, nimbé d'envolées célestes et d'un chœur aérien, se révèle ainsi solaire.

La voix enchanteresse d'Hannah Reid est toujours aussi envoûtante. Et l'album de dix titres se clôt avec le magnifique The Greatest Love, véritable voyage musical avec ses ruptures de tonalité et d'ambiance.

Le mélange de techno et de punk des Londoniens, couplé à des textes corrosifs sur un monde en décomposition, fait des ravages surWoof, album de neuf titres mordants. Fat Dog – « gros chien » en français – n’a qu’une mission : faire trembler le sol et bouger la tête jusqu’au torticolis.

Le quintette anglais formé en 2020 a très vite attiré l’attention grâce à quelques chansons de rock débraillé, écrites dans les toilettes d’un pub. Et surtout une redoutable réputation scénique entretenue depuis ses débuts au Windmil, bar de tacos à Londres qui a lancé les rockeurs Fat White Familly et Shame.

Depuis l’année dernière, les performances explosives de Fat Dog font le buzz dans les festivals du monde entier. Il faut dire que par le passé, l’Angleterre a accouché quelques agitateurs notoires de la fusion de musique électronique et de rythmes cataclysmiques comme les groupes, The Prodigy, Klaxons, sans oublier les pionniers Happy Mondays, à la fin des années 80.

Fat Dog s’inscrit dans cette lignée de troublions avec des morceaux où se croisent rave, Vangelis, fanfares et même klezmer, musique traditionnelle ashkénaze festive.

Pour ce premier projet Woof, Fat Dog a fait appel a l’incontournable producteur anglais, James Ford qui a aussi produit les célèbres, Depeche Mode ou Arctic Monkeys et plus récemment, Fontaines DC. Avec cet album mille-feuille, il s’autorise des couches de combinaisons expérimentales, à l’extrême opposé des modes du rock’n’roll actuel.

Une cacophonie génialement maitrisée par Fat Dog. Ce canin croisé est incontestablement l’ovni de cet automne.

Fat Dog se produit le 4 octobre 2024 au Petit Bain à Paris