Crónica Cultural

Noviembre es el mes de la fotografía en Francia. En ese marco abrió sus puertas este jueves la 27ª "Paris Photo". Esta concurrida feria reúne en el Grand Palais de la capital francesa a casi 200 galerías del mundo entero. Serán cuatro días para celebrar el bicentenario de la aparición de la fotografía, a los grandes artífices de este arte visual y el centenario del surrealismo, entre otros.

El imponente y recién renovado Grand Palais de París vuelve a abrir sus puertas, esta vez para “Paris Photo”. Una feria masiva con 240 expositores y 195 galerías de 34 países en la nave central del edificio, lo que convierte a la capital francesa en la meca de la fotografía mundial hasta el 10 de noviembre.

“Este año volvemos a este edificio increíble que es el Grand Palais. Todos los galeristas están encantados. La feria recibe al público con una referencia,“People of the XX Century” de August Sander. Celebramos el centenario de Robert Frank, tenemos como invitado al multidisciplinario Jim Jarmush con quien celebramos el centenario del surrealismo. No hay otro evento como Paris Photo que reúne a tantos actores de la fotografía, aficoinados y artistas”, aseveró a RFI la directora de Paris Photo, la española Anna Planas.

Esta 27ª edición de Paris Photo pondrá de relieve la obra del mexicano Manuel Alvarez Bravo, con la exhibición de su "La buena fama durmiendo" (1938), considerada una de las primera fotografías surrealistas. La feria también estrena este año un sector llamado "Voices" (Voces), con tres curadores internacionales. Entre ellos, Elena Navarro, fundadora de Foto México, y quien representa a artistas de América Latina a través de una selección de cinco galerías, de Brasil, México, Colombia y España.

“Estamos felices de volver al Grand Palais. Este edificio es magnánimo. Paris Photo es una referencia, pero también es muy importante todo el programa público de a ciudad en la promoción de la fotografía”, expresó Navarro.

“Paris Photo” es uno de los eventos del mes de la fotografía en la capital francesa y se extenderá hasta el domingo 10 de noviembre.

Las novedades musicales de RFI nos traen un reguetón de la cantante francesa más famosa del mundo, la aparición de un nuevo heredero musical de Bob Marley y el regreso del más francés de los salseros colombianos.

Después de su éxito planetario "Djadja", la estrella francesa Aya Nakamura aumentó su fama mundial cantando en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos París 2024 sobre el Pont des Arts envuelta en su espectacular vestido dorado y con la Guardia Republicana a sus pies, acompañándola con los instrumentos de viento. Ahora, la cantante vuelve con un nuevo single, titulado "42", con ritmo de reggaeton y donde canta sobre el amor, las relaciones tóxicas, el poder y la autenticidad.

En esta Playlist de RFI, escucharás también al congoleño Fally Ipupa(alias Anelka, Rey Mago, el Rey, el profesor y muchos otros apodos), un músico nacido en 1977 en Kinshasa, desde hace un par de décadas se unió a la banda de rumba congoleña Quartier Latin y a partir de 2006 soltó amarras para iniciar una carrera solista.

El tema que te proponemos también es una cifra: "207".

Bob Marley tiene un nuevo heredero

En el planeta Marley, aparece un nuevo miembro de la familia con fibra musical. Se trata del nieto de Bob Marley, Joshua Marley cuyo nombre artístico es YG Marley. Tiene 22 años es el hijo de Rohan Marley y de la exestrella de los Fugees, Lauryn Hill, quien está moviendo los hilos para lanzarlo como músico. Y es que Rohan estuvo en la sombra del éxito de su hermano, Ziggy, y en los Estados Unidos se lo conocía más como jugador de fútbol americano.

En nuestra selección te proponemos escuchar su segundo single, "Survival".

Yuri está de vuelta y pide que lo ames

Y al final te hablamos del regreso del más francés de los colombianos en la música latina, Yuri Buenaventura, quien se había hecho famoso en 1966 con su versión de "Ne me quite pas",del belga Jacques Brel. Desde entonces, han sido varios los álbumes salseros con los que dominó los dancingsfranceses. Ahora, con el disco "Ámame" parece decirnos lo que necesita de su púbico y anuncia su retorno con el primer sencillo titulado, para que quede claro, "Aquí llegamos".

Yuri Buenaventura y el resto de la playlist oficial de RFI, la encuentras en rfi.fr y en todas las plataformas musicales

El Festival de Biarritz presentó a la CMQ Big Band, una banda que rescató el patrimonio musical del emblemático cantante cubano. Esta orquesta de 17 músicos hizo bailar al público el miércoles por la noche durante el gran concierto en la Gare du Midi de Biarritz.

En el país del bolero, el chachachá, el son, la rumba y guaracha, la música de Benny Moré, el que llamaban “el bárbaro del ritmo”, había caído en el olvido. Pero un joven músico cubano, levantó una “banda gigante” como la de Moré para rescatar su música. Para ello debió transcribir una a una cada nota de sus canciones, a partir de las grabaciones del músico fallecido en 1963, porque con el tiempo las partituras se habían perdido.

“Creé el proyecto en 2012 porque, aunque parezca mentira, la música de Benny Moré más nunca se tocó después de su muerte, con la formación que él utilizaba en su época. Somos 17 músicos: cinco saxofones, tres trompetas, dos trombones, la sección de ritmo, piano, contrabajo y coro, para tocar exactamente como lo hacía la ‘banda gigante’ de Moré”, explicó a RFI el pianista y director de la orquesta, Luis Guerra.

La CMQ Big Band estuvo a cargo del gran concierto del Festival Biarritz América Latina, que tradicionalmente se realiza el miércoles por la noche en el principal teatro del certamen. La sala estuvo repleta durante el concierto de estos músicos que lograron que el público francés se levantara de sus asientos para bailar.

“Yo diría que los años 40 y 50 fueron cruciales para la música cubana. Antes de 1959, Cuba tenía relaciones muy fructíferas con Estados Unidos. Artistas como Nat King Cole o Ella Fitzgerald solían tocar en el Tropicana de La Habana. Y así mismo, músicos cubanos como Machito o Chano Pozo, tocaban regularmente en Nueva York. Entonces, todo lo que se hacía a nivel musical en Estados Unidos, particularmente el jazz, se conocía muy bien en Cuba, y los músicos cubanos se encargaron se ponerle sandunga y sabor”, aseguró Guerra.

El triunfo de la Revolución cubana acabó con esos intercambios musicales entre los dos países. La música estadounidense o en inglés fue declarada “antirrevolucionaria” y estallo una guerra contra el “diversionismo ideológico” que censuro al jazz, a los artistas de habla inglesa, que fueran estadounidenses o de otras latitudes, como Los Beatles.

En La Habana se quedaron varados talentosos músicos que vieron desaparecer su forma de ganarse la vida. Otros optaron por escapar de la isla comunista; fue el caso de del pianista y arreglista Bebo Valdés, la guarachera Celia Cruz, o la bolerista Olga Guillot, quienes se refugiaron en el “vecino del Norte”.

La música de Benny Moré fue relegada al cajón de los olvidos, aunque se mantuvo en la memoria de aquellos que conocieron esa época de oro, pero que han ido desapareciendo. La CMQ Big Band es un proyecto importantísimo para la rehabilitación del rico y variado patrimonio musical de Cuba.

Este miércoles se estrena en Francia « Las semillas del figo sagrado », película del director iraní Mohammad Rasoulof. A dos años del asesinato de Mahsa Amini, Rassoulof muestra el Irán contemporáneo, una sociedad entre represión y deseo de libertad.

Un hombre íntegro, padre de familia y funcionario del régimen iraní, es ascendido a juez en momentos en lo que estallan las manifestaciones de jóvenes y mujeres contra la ley de los Mulá.  

Él defiende la posición del régimen con el apoyo de su esposa; sus hijas en cambio desafían su autoridad y se oponen a la represión.

Esa es la historia que pone en la pantalla el director iraní exiliado Mohammad Rasoulof en su nueva película, “Las semillas del higo sagrado”. Cinta filmada en la clandestinidad e inspirada en el movimiento femenino “Mujer, vida y libertad”, es un retrato impactante de la vida en el régimen ultraconservador en Irán, y un reflejo del grito de libertad de la juventud.

"Este proyecto nació tras años de confrontación con los servicios secretos y la censura iraní. Todos los personajes y todas las escenas fueron inspirados de personas y situaciones reales. La historia que se cuenta en la película es muy similar a lo que sucede diariamente en Irán. Estuve en prisión justo cuando comenzaron las protestas. En la cárcel conocí a un prisionero político en una huelga de hambre y los servicios penitenciarios lo examinaron. Uno de los examinadores, vino a verme en ese momento y me confesó que todos los días se preguntaba cuando llegaría el día en que se ahorcaría allí mismo, en prisión. Sus hijos le preguntaban por qué trabajaba allí, por qué colaborada con ese régimen violento y represivo. Esa conversación inspiró esta película", expresó Mohammad Rasoulof.

En el papel de la hija menor de este funcionario y quien adhiere a la rebelión, la joven actriz iraní Setareh Maleki.

"No tengo esperanza en la juventud iraní de hoy. Tengo la certeza de que en Irán seremos libres y no solo gracias a los y las jóvenes de hoy, sino también a las generaciones anteriores que abonaron el terreno para lo que está sucediendo hoy", declaró Maleki.

“Las semillas del higo sagrado” del iraní Mohammad Rasoulof, se estrena este miércoles en las salas francesas, cuando se cumplen dos años del asesinato de Mahsa Amini a manos de la policía iraní. La película tuvo su estreno en el Festival de Cannes, donde fue distinguida con el premio especial del jurado.

La artista franco malgache se encuentra de gira por Francia y se alista a subir al escenario del festival Les Francofolies de la Rochelle 2024 tras haberse destacado en el programa de apoyo a los artistas emergentes del evento musical "Les ateliers" des Francofolies.

Fety significa Fiesta en el idioma Malagasy de Madagascar y es el nombre del primer disco de Joanne Radao, un libro abierto sobre sus orígenes malgaches que fue concebido entre Bruselas y París. Joane Radao mezcla los universos de Francia y Madagascar.

El EP lleva cinco canciones inspiradas del folkor, del afrobeat, electropop con un gusto pronunciado por el nuevo movimiento musical nacido de las noches y los clubes sudafricanos, el Amapiano.

En una entrevista a RFI para el programa Carrusel de las Artes, la artista franco malgache describe la riqueza que significa tener una doble cultura pero también las ambigüedades y dualidades que esto conlleva.

Joanne Radao habla de ese sentimiento en su canción que nombró "Diego Suarez", un homenaje a dos personajes históricos que pisaron la isla de Madagascar en el siglo 16 y que marcaron la cultura de la isla, Diado Días y Fernan Soarez, que dieron sus nombre al puerto bautizado Diego Suarez.

Su próximo concierto tendrá lugar en el festival Les Francofolies de la Rochelle el 12 de Julio 2024.

@natofel

"Simón de la montaña", primer largometraje del director argentino Federico Luis, se alzó este miércoles con el Gran Premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes. La película narra la amistad que entabla Simón (encarnado por el actor Lorenzo "Toto" Ferro) con un grupo de discapacitados mentales en una localidad de los Andes, para sorpresa de sus padres.

Simón de la montaña intenta una nueva mirada sobre la discapacidad. Su joven protagonista decide pasar el tiempo con dos chicos diferentes. Descubre así una condición que le permite crear sus propias reglas, en un mundo que no parece estar diseñado para las personas diferentes.

Se trata de la primera película de Federico Luis, presentada en la Semana de la Crítica en Cannes. 

"Simón es un personaje que se me fue apareciendo durante muchos años", explica el cineasta a RFI. "Con uno de los actores de la cinta, estábamos hablando de nuestras zonas de imperfección en común. Él me contó las suyas, yo le conté las mías y en un momento él me preguntó por qué no tenía un certificado de discapacidad. La profundidad de su pregunta se me reveló un poco. Simón tiene el deseo de formar parte de este grupo de personas con particularidades físicas y mentales", agrega.

Simón de la montaña está protagonizada por Lorenzo Ferro y actores naturales.

La película está en Cannes casi por milagro: "Soy quizás una de las últimas personas que lograron acceder a hacer una película en Argentina con el INCAA, el instituto de cine abierto. Esta película solo pudo existir por las instituciones públicas en Argentina", comenta Federico Luis quien desde Cannes, intenta dar cuenta de la situación del cine y de la cultura en Argentina.

Este 2024 el Festival de Cannes hizo un guiño a los dos conflictos mayores en el mundo con dos películas documentales que se filmaron antes del inicio de las guerras en Ucrania y Gaza, pero que muestran las realidades en esas zonas del mundo.

Por tercera vez, el Festival de Cannes se desarrolla en un contexto de guerra en Ucrania. Un conflicto que tiene consecuencias profundas para el pueblo ucraniano y que fueron captadas por la cámara de Sergei Loznitsa.

La invasión se abre con una larga secuencia sobre el sepelio de varios soldados muertos en el frente, para luego explorar otras situaciones cotidianas, más al alegres o dramáticas, porque la vida continúa pero en guerra: el matrimonio una pareja llena de esperanzas o el adiestramiento de los jóvenes al manejo de las armas.  

Sergei Loznitsa firma aquí un documental casi sin palabras sobre la guerra de Vladimir Putin. Pero las imágenes valen más que mil palabras.

"Lo que esta ocurriendo en Ucrania puede ser la antesala de una guerra de gran magnitud", dijo el cineasta ucraniano a RFI. "La gente suele olvidar que la guerra es un virus sicológico. Es una enfermedad que se propaga. Su influencia en el mundo es enorme, incluso en países donde no se considera que hay guerra”.

La Bella de Gaza

Otro documental presentado en Cannes permitió recordar el conflicto en Medio Oriente. La Bella de Gaza narra el destino muchas veces trágico de las mujeres trans que huyeron de Palestina para asumir su cambio de sexo y empezar una nueva vida en Tel Aviv.

La película busca a una leyenda: una misteriosa mujer que corrió desde Gaza hasta Israel, y que habría sido vista en la calle Hanufa. En el documental, las chicas de la calle cuentan sus infancias como varones, sus transiciones, su sexualidad. 

"Es una película sobre la libertad de ser lo que uno quiera. Esas mujeres están encerradas en cuerpos de hombre. Pero lograron deshacerse de ese cuerpo, cada una a su manera. Han tenido el coraje de desafiar la mirada de los demás y de vivir lejos de sus familas. En Medio Oriente, la familia es muy importante y estas mujeres tuvieron que soportar el dolor de ser rechazadas por sus propios padres, hermanos, amigos", explica la directora de la cinta, la francesa Yolande Zauberman. 

Talleen Abu Hanna es un personaje central de este documental. Nacida en Palestina, hoy es actriz y modelo.

Dice haber nacido en la guerra: "La de mi país, y la de mi cuerpo contra mi mente. Pero logré que mi cuerpo y mi alma hicieran las paces", dice a RFI.

"Gaza es para nosotras el lugar de nuestra cultura, el de nuestra comunidad. Pero lamentablemente, no es un lugar que acepta a las mujeres trans. En cambio, en Tel Aviv no hay ese problema si eres gay, si eres transgénero, si eres transexual. Aquí pude ser quien quería ser", recuerda Abu Hanna, quien fue ganadora del primer Miss Trans de Israel, en 2016.

La Bella de Gaza se estrena en Francia el 29 de mayo.

Se proyectó este lunes en la competencia del Festival de Cannes The Apprentice, una cinta con mucha resonancia actual sobre la juventud de Donald Trump y su relación con quien fuera su mentor en los negocios y la corrupción. El bando Trump anunció su intención de demandar al cineasta iraní Ali Abbasi.

Nueva York, en la década de los 70. La ciudad está a punto de cambiar para siempre con la llegada de un empresario inmobiliario llamado Donald Trump.

Pero nada de esto hubiera podido ocurrir si no hubiera conocido a su abogado y maestro, Roy Cohn, interpretado por Jeremy Strong.

El inescrupuloso Cohn, obsesionado por mantener su estatuto en el jet set neoyorkino, será el artífice del fenómeno Donald Trump, transmitiendo a su joven aprendiz tres reglas de vida: atacar, manipular la verdad y jamás admitir la derrota.

"Deconstruir la figura mitológica"

The Apprendice es un doble retrato brutal que el brillante cineasta iraní Ali Abbasi presentó en la  competencia del Festival de Cannes, defendiendo una "película cuya ideología es humanista". 

En ella vemos un Donald Trump inepto, doble, ambicioso y violador, en plena evolución mental y física. 

“Son seres humanos. Incluso los monstruos más aborrecibles y las personas más reprensibles tuvieron experiencias normales, se enamoraron o tuvieron algún momento de amabilidad. Quisimos tomar estos íconos amados y odiados y colocarlos en la realidad, para deconstruir la figura mitológica. Esto no significa perdonarlos, pero sí entender mejor quiénes son. Es la misión catártica del cine", dijo en conferencia de prensa Abbasi.

"Lo escuchaba en mi celular 24 horas al día"

El director recreó con minuciosidad la estética retro de los 70 y 80, tanto en la técnica cinematografica como en la personificación del magnate que no acata ninguna ley ni ética, a través del actor Sebastian Stan, su calco excepcional.

Stan dijo a la prensa haberse preparado para imitar a Trump con extrema disciplina. "Ese proceso de inmersión se extendió 24 horas al día, siete días a la semana. Era como vivir con él. Lo escuchaba en mi celular, en YouTube, a toda hora en todo momento. Solo había una forma de prepararme y era al 100%", detalló.

The Apprenticeno tiene fecha de difusión aunque Ali Abbasi sueña con su estreno durante el primer debate presidencial en Estados Unidos.

El equipo de campaña de Trump ya prometió una demanda contra lo que calificó de "basura de pura ficción".

Una de las películas que más entusiasmó a los críticos fue Emilia Pérez, del francés Jacques Audiard, quien abordó una historia de cambio de sexo en un México grangrenado por el narcotráfico, con una comedia musical. 

En el papel, el proyecto de Jacques Audiard parecía loco: una película sobre el cambio de sexo de un sanguinario capo de la droga en México, pero bajo la forma de un musical.

Emilia Pérez es el nombre de esta obra cinematográfica audaz e impecable, la historia entre diálogos y canciones del narcotraficante Manitas del Monte, quien ofrece una jugosa suma de dinero a una talentosa abogada para que haga realidad su sueño de convertirse en mujer.

En el papel de la abogada Rita Moro Castro está la actriz Zoé Saldaña quien dijo  "sí" al proyecto insólito de Audiard.

"Sus películas siempre me han hecho sentir es incómoda. Yo empiezo viendo sus películas y me siento como que 'Ay, Dios mío, no, no quiero sentir esto'. Sus personajes viven en ambientes que no son convencionales para mi conocimiento y al final de cada película, el amor que yo siento, o el respeto o la admiración, o simplemente el reconocimiento que siento de ciertos personajes se quedan conmigo", expresó la actriz al micrófono de RFI.

Doble papel

Por su parte, la actriz transexual española Karla Sofía Gascón protagoniza a la vez a Manitas del Monte y a Emilia Pérez y sorprendió a muchos en Cannes.

"Ser una persona transexual en esta sociedad es ser la nueva minoría a la que todo el mundo le echa la culpa de las cosas que suceden. Para muchísimas familias es mejor ser un delincuente que tener un hijo gay", , denuncia Gascón. "La verdad es así y ese es el caso de Manitas, que no puede salir de de esa basura de vida en la que vive. Esa fue una de las discusiones más importantes que tuvimos al principio de las primeras lecturas del guión, de ver cómo enfocábamos esta historia. Creo que el camino que ha tomado la película era el el correcto".

Emilia Pérez causó sensación en el Festival de Cannes y se posicionó como una seria candidata para la Palma de Oro a la Mejor película.

Los cineastas argentinos se tomaron la croisette en el Festival de Cannes para protestar contra los recortes a la cultura del presidente Javier Milei. Temen que no llegue una sola película a Cannes en 2025. Melissa Barra estuvo en la manifestación.

Con siete películas en el Festival de Cannes, el cine argentino alzó la voz este fin de semana para denunciar la política de Javier Milei.

Decenas de cineastas, actores y trabajadores del sector se congregaron en la playa de la Quincena de cineastas para denunciar los recortes que han paralizado la industria.

“Toda la delegación argentina en Cannes está apoyada por las de otros países, programadores y directores de festivales”, dijo a RFI la actriz y cineasta Maria Alché, organizadora de la movilización en Cannes. 

El gobierno de Javier Milei impuso un ajuste de 2 millones de dólares al Instituto nacional de cine, generando cierres y despidos en el Instituto Nacional de Cine.

Despidos

"Muchos colegas talentosos se han quedado desemplados por este vaciamiento. Es un intento de acabar con la cultura, con la ciencia y con la educación. Los recortes no implican grandes sumas de dinero para el presupuesto del gobierno, pero sí tienen un valor simbólico para la construcción del país. El cine argentino es plural y diverso, no responde a una ideología en particular", explicó la actriz.

Leer tambiénLa Semana de la Crítica en Cannes se inaugura con la cinta argentina 'Simón de la montaña'

Nadie en Cannes es muy optimista sobre la presencia argentina el próximo año. "Va a ver menos películas, generalmente Argentina es punta de lanza en la región. Todo esto se va a ver totalmente debilitado", argumentó Alché.

Los manifestantes leyeron un comunicado en español, francés e inglés.

La multimillonaria cinta de la leyenda de Hollywood causó gran estruendo en Cannes. A la vez alabada por su ambición y profusión, Megalópolis cierra la carrera de Francis Ford Coppola dejando un sabor amargo. 

Era sin duda la película más esperada de la competencia.. Y fue una de las más desconcertantes. 45 años después de haberse llevado la Palma de Oro con Apocalypse Now, Francis Ford Coppola regresó al Festival de Cannes con Megalópolis, una superproducción épica de 120 millones de dólares con tintes satíricos y muy dorados.

En esta fábula de ciencia ficción Coppola transforma a Nueva York en la Roma antigua, un imperio al borde de su extinción.

"La historia de Roma antigua, ambientada en los Estados Unidos actuales, es muy interesante. Todo lo que está ocurriendo con nuestra democracia. Fue la forma como los romanos perdieron su república", dijo el cineasta.

"Llegamos a un punto en el que podemos perder la nuestra. No se si los políticos pueden darnos respuestas. Pero los artistas son como faros, que pueden arrojar luz sobre esto. Escojo proyectos que iluminan la vida contemporánea."

Megalópolis es una recopilación barroca de los vicios políticos y sociales modernos, como el auge de los extremismos, la codicia capitalista o los excesos de la sociedad del espectáculo.

"Cuando yo muera, al menos diré que logré hacer esta cinta"

Alegoría de todo pero a la vez de nada en particular, dejó a los críticos pasmados. "Sabía que la cinta no iba a ser como las demás, pero fue así que la concebí. Al final, cuando la gente muere lamenta no haber hecho ciertas cosas. Cuando yo muera, al menos diré que logré hacer esta cinta", contestó Coppola.

En la película, Adam Driver es un genio incomprendido de la arquitectura, que busca salvar a la civilización creando una ciudad ecológica y supertecnológica. 

En esta obra testamentaria de Francis Ford Coppola, de 85 años, una noción vuelve de manera obsesiva: el tiempo, que transcurre demasiado rápido. El cineasta autofinanció esta megaproducción de 120 millones de dólares.

El #MeToo del cine francés y los casos de violencias sexuales irrumpieron en esta 77° edición del Festival de Cannes. La actriz Judith Godrèche presentó este miércoles su cortometraje Moi aussi (Yo también). RFI fue a su encuentro.

Judith Godrèche y el equipo del cortometraje Moi aussi caminaron por la alfombra roja del Festival de Cannes tapándose la boca con las manos, como símbolo de años de violencias sexuales silenciadas en el mundillo del cine pero también en la sociedad francesa. 

La actriz francesa pasó detrás de la cámara para rodar un corto titulado en español Yo también, en el que entrevistó a mil personas, para componer un mosáico de relatos personales y romper ese silencio.

Leer tambiénEmpieza el Festival de Cannes, entre grandes películas y grandes polémicas

"Cinco mil personas me escribieron de hecho", explica a RFIGodrèche. "Hice un llamado por Instagram. Quise usar el cine de forma benéfica para contar las experiencias de estas personas pero también la mía", detalla.

Judith Godrèche reveló que durante su adolescencia fue sometida sicológicamente y abusada sexualmente por el director de cine Benoît Jacquot a los 15 años, y luego por el cineasta Jacques Doillon.

Las generaciones futuras

Moi aussi no es una obra trágica. Es de cierta forma una celebración de la libertad. Tess Barthélémy, la hija de Godrèche, aparece en la cinta bailando en medio de la multitud. 

"Quería que participara una actriz, para representar la juventud y el futuro. Para preguntarnos: '¿Bueno, ahora qué?' Ahora la idea es que cuando le preguntemos a nuestros hijos si ellos han sido víctimas de abusos sexuales, la respuesta sea que no", expresó.

Una comisión parlamentaria

Gracias a Judith Godrèche, el Parlamento francés creó una comisión de investigación sobre las violencias sexuales en el mundo del espectáculo. Se alzó como portavoz, junto a Juliette Binoche y otras actrices, del movimiento francés de #MeToo, cuya apelación dice corresponder perfectamente al cine. 

"'Yo también', 'Me too', es algo que decimos y sentimos cuando vemos películas. Nos identificamos con lo que está en la imagen. Ese es el poder del cine: el no sentirte tan solo. La idea era hacer una cinta que hable de la multitud, de todas estas historias tan distintas y que después de la película uno pueda volver a casa pensando: 'Yo también'".

Moi aussise proyectó este miércoles en la ceremonia de apertura de la sección "Una cierta mirada" del Festival de cine de Cannes.

Durante los 12 días del Festival de Cannes, el exclusivo balneario del sur de Francia será el epicentro del cine de autor mundial. Este miércoles se abren tres secciones paralelas. Una de ellas es la Semana de la Crítica, dedicada a primeras o segundas películas. Ahí se presenta la cinta argentina Simón de la montaña, del director Federico Luis.

Simón de la montaña intenta una nueva mirada sobre la discapacidad. Su joven protagonista decide pasar el tiempo con dos chicos diferentes. Descubre así una condición que le permite crear sus propias reglas, en un mundo que no parece estar diseñado para las personas diferentes.

Se trata de la primera película de Federico Luis, presentada en la Semana de la Crítica en Cannes. 

"Simón es un personaje que se me fue apareciendo durante muchos años", explica el cineasta a RFI. "Con uno de los actores de la cinta, estábamos hablando de nuestras zonas de imperfección en común. Él me contó las suyas, yo le conté las mías y en un momento él me preguntó por qué no tenía un certificado de discapacidad. La profundidad de su pregunta se me reveló un poco. Simón tiene el deseo de formar parte de este grupo de personas con particularidades físicas y mentales", agrega.

Simón de la montaña está protagonizada por Lorenzo Ferro y actores naturales.

La película está en Cannes casi por milagro: "Soy quizás una de las últimas personas que lograron acceder a hacer una película en Argentina con el INCAA, el instituto de cine abierto. Esta película solo pudo existir por las instituciones públicas en Argentina", comenta Federico Luis.

Desde Cannes, intenta hacer correr la voz sobre la situación del cine y de la cultura en Argentina.

En la 60ª edición de la Bienal de Arte de Venecia, el pabellón español decidió mostrar e interrogar las cicatrices de la colonización. La "Pinacoteca migrante" es una aparente galería histórica de arte occidental donde se trata la noción de "migración" en sus múltiples facetas.

"Pinacoteca Migrante" es la propuesta de España en la Bienal de Arte de Venecia 2024. El pabellón español tiene como objetivo releer y cuestionar, por primera vez casi sin filtros, el colonialismo.

"Descolonizar las mentes y los corazones"

Épocas complejas, que aún hoy dividen. "Lo importante es descolonizar las mentes y los corazones, para que las leyes y las formas de relacionarse con otros se modifiquen", dice la peruana Sandra Gamarra.

Gamarra es la primera artista no nacida en España que representa a este país en el certamen veneciano, que este año se inaugura el 20 de abril bajo el lema "Extranjeros en todas partes".

"Pareciera que nuestra forma de ver las cosas es la natural y todas las demás son ideologías, pero nuestras formas de ver también responden a un mito. No es que yo quiera destruir el mito, pero sí quiero nombrarlo", añade Gamarra.

"Hablar abiertamente"

"Pinacoteca Migrante" está comisariada por Agustín Pérez Rubio, historiador que ha trabajado en países como Chile, Argentina y Perú. Pérez Rubio coincide en la llamada a la descolonización, pero también es consciente de las resistencias que aún existen en España.

"Sobre todo, creo que no quieren entender por qué ha sido tan fuerte esa hegemonía y ese eurocentrismo, además en España con los 40 años de dictadura que justamente potenciaban ese imperialismo, esa manera de entender América Latina, de sentirse los conquistadores", afirma el comisario español.

"Entonces, tampoco nos vamos a rasgar las vestiduras. Hay que exponer y hay que hablar abiertamente, sin culpa, pero reconociendo lo que sucede", añade, en entrevista con RFI. Suzana, una visitante de Brasil, cree que es el camino correcto. "Lo he estado pensando y creo que es muy noble", concluye.

Gabriel García Márquez falleció el 17 de abril 2014 y para recordar a uno de los pilares de la literatura latinoamericana, en RFI desempolvamos nuestros archivos para rendirle homenaje con su voz. Es un documento sonoro excepcional con extractos de una la entrevista que el Nobel colombiano concedió a Conchita Penilla en Cartagena de Indias en 1998 para un documental del canal de televisión France 3.

Leer a Gabriel García Márquez es un placer, pero escucharlo también. Esto es lo que les propone RFI con esta entrevista, una de las últimas que dio el escritor colombiano a una cadena de televisión.

Se trata del documental “La escritura embrujada” para el programa “Un siglo de escritores” de la cadena France 3 realizado por la periodista de RFI en español, Conchita Penilla, y difundido en 1998.

Con ocasión de la 29ª Semana de La Lengua Francesa y de la Francofonía que tiene lugar del 16 al 24 de marzo, viajamos hasta el origen del primer diccionario bilingüe español-francés con Miguel Ángel Esparza, catedrático de lingüística general de la Universidad Rey Juan Carlos (Madrid). Una entrevista de Leticia Fuentes.

No sé si recordarán cuando la maestra mandaba la tarea de aprenderse algunas palabras del diccionario español, o cuando aquel señor de traje llamaba al timbre vendiendo diccionarios. Los tiempos han cambiado. El diccionario ha pasado a ser un objeto 'vintage', propio de un coleccionista. Ahora ya nadie estudia el diccionario y pocos tienen uno en casa. Sobre todo, pocos se preguntan por su historia.

Ésta se remonta a 1607. Se cree que el primer diccionario bilingüe español-francés nació ese año de la mano de Cesar Oudin, bajo la influencia del auge del español en la sociedad francesa gracias a las bodas dinásticas entre Luís XIII y Ana de Austria, o Luis XIV y Maria Teresa de Austria. 

César Oudin (c.1560-1625) fue lexicógrafo, gramático, maestro, traductor y secretario de los reyes franceses Enrique IV y Luis XIII. Se ganó el respeto de la Corte, tal y como explica la historiadora Sabina Collet. Según los historiadores, Oudin no fue el primero en juntar en un libro, un recopilatorio de palabras españolas. Ya existían otros tomos similares, pero él fue el primero en reunir y sintetizar muchos de los conceptos de los otros diccionarios para crear un único diccionario bilingüe español-francés. Oudin fue además un personaje que sabía moverse muy bien en la Corte.

"Hay figuras históricas que nacen de pie y otras que nacen estrelladas. César Oudin es una persona que tiene el gran acierto de convertirse en una persona imprescindible en la Corte. Es nombrado Secretario de Intérprete Oficial de Lenguas. Esto le daba una posición muy sólida en ese círculo",explica a RFI, Miguel Ángel Esparza.

"Sin embargo, otro gramático, del que sabemos muy poco, que le había precedido y que publicó una gramática solo un año antes, fue condenado a morir en la horca, porque fue tachado de conspirador y de hispanófilo. Ya saben que entre los países vecinos no siempre había buenas relaciones", agrega este catedrático de lingüística general de la Universidad Rey Juan Carlos en Madrid.

A pesar de años de enemistad entre ambos países, el primer diccionario español-francés de Oudin nace en el momento adecuado, pues es cuando las relaciones entre España y Francia se encuentran en un buen momento. Además, nace de la necesidad de conocer más la lengua española, como consecuencia de las bodas dinásticas y de los flujos comerciales de la época.

"César Oudin tuvo mucho criterio para utilizar las mejores fuentes e ir componiendo y ampliando su diccionario, con los autores que había antes de él y luego otros muy importantes, como Covarrubias",comenta Esparza y añade: "El papel de las rutas comerciales es muy importante en el gran desarrollo de las obras para aprender idiomas en los siglos XVI y XVII", dice. 

"En realidad, ha habido investigadores que han reconstruido los focos editoriales de producción de obras en razón a las rutas comerciales, ya que había dos grandes líneas comerciales que atravesaban toda Europa: la que va de Florencia, Avignon, Lyon. Y la otra es; Venecia, Génova, Milán, Frankfurt, Colonia, Amberes. Curiosamente, resulta que las poblaciones que he citado son precisamente donde estaban radicados los focos editoriales y las imprentas", precisa el catedrático.

La evolución hacia un diccionario costumbrista

La influencia de las rutas comerciales provocó una evolución del diccionario bilingüe español-francés. Lo que en un inicio empezó como una recopilación de léxico y gramática, evolucionó en un libro con palabras usuales que facilitaba los intercambios comerciales entre artesanos. "Tienen relación con ofrecer ayuda a los comerciantes y a los viajeros que transitan por esas rutas comerciales. Eran materiales que tenían un glosario de palabras usuales: los días de la semana, diálogos que reproducían escenas de la vida cotidiana, modelos de cartas y documentos que se utilizaban para hacer facturas o recibos. Luego tenían otro tipo de secciones, como las oraciones del cristiano", precisa Esparza.

Gracias a esta evolución, los diccionariosde la épocase han convertido enun testimonio de la historia de la lenguay grandes documentos que nos sirven, a día de hoy, para documentar, no solo cómo era la lengua de ese entonces, sino también las costumbres. 

Los amantes del jazz funk, el de los '70 de Herbie Hancock, o del samba rock de Banda Black Rio tienen que saber que en Francia existe Cotonete, uno de los mejores combos reunido alrededor de sus fundadores, Frank Chatona (saxo) y Florian Pelissier (teclado). Esta es la primera parada del viaje musical que nos trae la nueva Playlist de RFI.

El grupo Cotonete acaba de sacar el discoVictoire de la musique con la participación del trompetista y vocalista estadounidense Leron Thomas y del inglés Omar. Para esta selección elegimos el título Bebete Väobora, con la cantante brasileña Sabrina Malheiros, una versión de Jorge Ben con una línea de metales inspirada en James Brown.

Kali Uchis

Hace 6 años descubrimos a la diva colombo-estadounidense Kali Uchis (Karly-Marina Loaiza, nacida en Virginia, Estados Unidos), gracias al rapero Tylor The Creator, con el temaAfter the Storm,pero hace dos años, causó furor en TIk Tok con Telepathy. Y después del álbum Red Moon in Venus, (2023), está de vuelta con uno nuevo, Orquideas. Kali Uchis navega en el bolero y en el reggaetón, así como en el afrobeats y el R&B. Este mes te proponemos su dúo reggaetónBitten Lips junto a Karol G, quien acaba de ganar un Grammy.

También te proponemos descubrir al cantante y productor nigeriano Wizkid, un especialista del afro fusión con el tema Ololufe,junto a la cantante nigeriana Wande Coal.

Y en cuanto a la curiosisdad francesa, se trata de un duo de raperos, muy influenciados por la bossa nova y que acaba de publicar el tema R&B Goodbye, una historia de ruptura con una canción muy gro¡ovy.

¡Ojalá te guste esta Playlist de RFI y si es así, no dudes en compartirla con tus amigos! Hasta la próxima.

En la primera selección musical RFI del año, suena en lo alto de la cartelera el polifacético belga y congolés Baloji quien, además de músico, es actor, director de cine e incursiona en la moda. Pero la nueva Playlist de RFI tiene muchas otras novedades. 

BalojiTshiani nació en 1979 en Lubumbashi, cuando la República Democratica del Congo se llamaba aún Zaire, pero se crió en la ciudad belga de Lieja.

De entre sus múltiples proyectos actuales, la Playlist de RFI destaca esta vez la banda sonora de su última película Augure, con la que representará a Bélgica en los próximos premios Oscar. Elegimos el tema Mujila-Gorgone, en dúo con la cantante soul estadounidense Jamilia Woods.

Nueva incorporación

La casa editora RFI Talent suma una nueva voz, la franco-colombianaËda Díaz quien parece llevar la cumbia impregnada en su ADN pero de una manera muy poco ortodoxa.

Lo original de Eleonore Arbeláez, su verdadero nombre, es que ademas de cantante es contrabajista y mezcla de manera adictiva melodías tradicionales sudamericanas, pop experimental sonidos electrónicos con los que acaba de confeccionar su primer LP, Suave Bruta del que les proponemos descubrir Tiemblas,el quinto tema de 11 en total.

Desembarco brasileño

Asi como apreciamos cuando un músico encara un cambio de estilo, también es para aplaudir cuando un sello, como el californiano Stone Throw (creado por Peanut Butter Wolf), más conocido por ahondar en el hip hop, se arroja a la piscina con un músico que aporta lo que nadie esperaba. Se trata del brasileño Gabriel Da Rosa, quien ofrece una interesante variante de la música popular brasileña.

Da Rosa nació en el sur de Brasil y se crió en el universo musical de un padre DJ antes de convertise él mismo en DJ cuando se mudó a Los Ángeles y comenzó a escribir su propia música.

Su primer disco apareció en 2023 con el titulo O que a casa oferece y tuvo una buena acogida entre los amantes de la bossa y de la samba de los '70.

Ahora vuelve con un nuevo single, Cafuné, un tema con apariencia easy listenning, que ha cautivado a los programadores de RFI.

Una francesa "encantada"

Enchantée Julia es un verdadero flechazo. La cantante, autora y compositora nacida en el sur de Francia es una encarnación de la neo soul francesa en quien algunos finos conocedores adivinan una mezcla de Claude Nougaro y de la cantante R&B colombiana Kali Uchis.

Para entenderlo mejor habria que oir su último single Sois pas presseque podriamos traducir como un "no te apures" en colaboración con el cantante Lossapardo.

La canción francesa no sería lo que es sin sus artistas belgas o canadienses  como Céline Dion, Angèle o Johny Halliday. Una de esas grandes carreras de la francofonía es la de Diane Tell, autora de uno de los éxitos más sonados de la música en francés “Moi si j’étais un homme”.

La canción que la llevó a la fama internacional en los años 80 no fue escrita como un texto feminista en su inicio. Cuenta la vida de un joven artista con ambiciones de “hombre”.

Sin embargo, se convirtió en un tema inspirante para las nuevas generaciones y para llevar un mensaje en defensa de los derechos de la mujer. Así, la cantante Chilla se inspiró directamente de esa canción para escribir 'Si j’étais un homme' un texto más crudo, más militante sobre la violencia de género.

Diane Tell, tras una carrera de 40 años, explica que hasta el día de hoy no es lo mismo ser mujer que hombre en esta industria musical. En 2023 Diane Tell ha producido y escrito su último álbum 'Haikú' en homenaje a la poesía japonesa, a su manera.

A pesar de las trabas por ser mujer pudo mantener su independencia musical artística y financiera en un mundo “todavía controlado por los hombres”. 

Apenas clausurado, el Festival de cine de Berlín ha tenido que enfrentar fuertes críticas. Varias voces lo acusan de haber sido una palestra para declaraciones antisemitas o contra Israel, principalmente durante la ceremonia de entrega de los premios, el sábado pasado.

"Es muy difícil para mí celebrar cuando hay decenas de miles de palestinos esclavizados y masacrados por Israel en Gaza”, declaró el director de cine palestino Basel Adra.

Adra tuvo la palabra luego de recibir el premio al mejor documental por "No other Land", una cinta sobre las expulsiones de palestinos en Cisjordania.

"Ya que estoy en Berlín, le pido una cosa a Alemania: respetar el llamado de Naciones Unidas y detener el envío de armas a Israel", agregó.

Esta fue una de las declaraciones que se escucharon el sábado por la noche durante la gala de entrega de los premios en la Berlinale. Pero

Basel Adra no fue el único, el también palestino Hamdan Ballal hizo un llamado al cese el fuego en Gaza. Así mismo el cineasta estadounidense Ben Russel subió a la escena con el tradicional pañuelo palestino y acusó a Israel de genocidio.

Estas declaraciones fueron aplaudidas por el público presente en la sala, pero suscitaron la indignación de figuras políticas, entre ellas, el alcalde de la capital alemana, Kai Wegner, quien consideró que lo sucedido en la Berlinale era una "relativización insoportable".

Por su parte, Helge Lindh, una líder del Partido Socialdemócrata del actual jefe de gobierno Olaf Scholz, calificó de "chocante" el aplauso del público.

"Me avergüenza ver en mi país a gente que hoy aplaude unas acusaciones de genocidio contra Israel", declaró al diario Die Welt.

La polémica se avivó cuando aparecieron publicaciones con los eslóganes " Palestina Libre" y "Paren el genocidio en Gaza" en una de las cuentas Instagram de la Berlinale.

La dirección del festival indicó que esa cuenta había sido pirateada y estimó que las declaraciones de los cineastas constituyen "opiniones individuales e independientes del festival".

En cuanto a los galardones, la franco-senegalesa Mati Diop se llevó el Oso de Oro a la mejor película por "Dahomey", cinta que narra la restitución a Benín de 26 obras saqueadas por las tropas coloniales francesas en 1892.

Por su parte, el dominicano Nelson Carlos De Los Santos Arias obtuvo el premio al mejor director, por su película “Pepe”.

Lola Lorente es oriunda de Alicante, en España. Su novela gráfica “Maganta” ha sido traducida al francés y seleccionada para competir por el premio al mejor álbum en el festival de Angulema de 2024. Es un relato lleno de esperanza sobre lo que significa fracasar y volverse a levantar. 

Mary Pain (María Dolores si se traduce literalmente al español) es una joven treintañera sin empleo ni dinero, obligada a regresar a su pueblo natal en la Costa Blanca, la región de origen de la autora, para ocuparse de su abuelo y enfrentar su pasado.  

“Es una excusa para hacer una especie de viaje interior donde este personaje ha intentado reencontrarse en ese ambiente del que partió y en el que todo ha cambiado”, dice a RFI Lola Lorente.  

Su historieta aborda una realidad muy contemporánea, la de los jóvenes que se ven forzados a regresar al hogar de sus padres. “Es un fantasma que a mí misma siempre me ha perseguido. Vivimos la crisis del 2008 y siempre nos persigue esa falta de seguridad”, explica Lorente. 

Como predestinada al dolor con su nombre, Mary Pain carga en ella un duelo. Maganta cuenta con mucha sutileza y de forma sugerida la tragedia familiar que vivió 13 años atrás en la piscina de la casa donde creció.  

El álbum tiene color en la portada, pero Lola Lorente ha escogido la tinta negra para representar el ambiente de este pequeño pueblo bochornoso.  

“Hay un contraste bastante grande entre este personaje voluptuoso, grande, redondo y el espacio constreñido, cerrado y sofocante en el cual ella intenta sobrevivir y no dejarse llevar por la tragedia”. 

“Maganta” es una palabra en desuso que se usa en la región de Alicante. “Significa perezosa, vaga”, explica Lorente. “Esa sensación de fracaso que puede tener la gente a los 30, cuando se supone que tenía expectativas y que han sido difíciles de cumplir. La visión de su propio fracaso”, observa su autora. 

Magantase publicó en español en 2021 y fue traducido al francés con el título Mary Painen 2023.

Leer también'El cielo en la cabeza' de Antonio Altarriba, otra mirada a la migración africana

La capital francesa estrenará en marzo su primer salón dedicado exclusivamente al perfume. Se llama “Paris Perfume Week”, una cita internacional para profesionales y aficionados, pero también para desarrollar la curiosidad olfativa.  

La primera “Paris Perfume Week” reunirá entre el 21 y el 24 de marzo a unos 50 exponentes locales e internacionales, principalmente de la perfumería independiente. Pero también, todo un programa de 60 conferencias y taller en torno al aprendizaje de la perfumería, la química de los olores o los grandes clásicos del perfume.

La iniciativa nació entre apasionados del mundo de la cultura olfativa y el perfume, reunidos en el movimiento “Nez” (nariz), creado 2016, que edita la revista del mismo nombre.

“Es un evento inédito en París, la ciudad emblemática del perfume. No había un salón dedicado a la cultura olfativa. El olfato es un sentido que se ha abandonado, quizás porque los olores son invisibles, inmateriales, o porque está ligado a nuestro lado más animal. La industria además ha hecho del perfume un producto de consumo y de lujo. Así que nos pareció pertinente rehabilitar al perfume como un objeto cultural, que a veces es artesanal y artístico”, explicó a RFI Mathieu Chévara, uno de los fundadores de Nez.

La semana del perfume en París reunirá casas de composición y perfumistas y permitirá a un público amplio, reapropiarse del sentido del olfato.

“El origen del perfume es lo divino. En todos los continentes, en todos los países y en todas las religiones, el hombre aprendió a quemar materias para liberar el perfume. El humo traía los olores y por eso en latín se dice “perfumum”, es decir, perfume. La otra vertiente del perfume es el erotismo. Desde la antigüedad, hombres y mujeres se perfuman para seducir. Esto generó expediciones y batallas terribles para buscar las mejores esencias y plantas por el mundo. Es decir que la historia del perfume cuenta la historia de las civilizaciones”, aseveró Marc-Antoine Corticchiato, uno de los perfumistas más brillantes de Francia.

Corticchiato es el creador de la casa Parfum d’empire, con 20 años en el mercado y una gran conexión con las materias primas naturales. El será el padrino de la primera edición de la Paris Perfume Week, convencido de que la humanidad está perdiendo sus facultades olfativas.

“El hombre ha perdido la curiosidad olfativa. Desarrollar el olfato es constituir un patrimonio de olores. Hay gente que vive sin tener conciencia de que tenemos una nariz y que debemos utilizarla. El resultado es un repertorio olfativo miserable: Ellos son la presa perfecta para los industriales que fabrican perfumes comerciales, hechos con las mismas moléculas de siempre”, aseguró el perfumista francés.

La inauguración de la primera Paris Perfume Week coincidirá con el Día Internacional del perfume, el 21 de marzo.

Antonio Altarriba recibió este jueves en el festival internacional de historieta de Angulema el Gran Premio de la crítica ACBD por su novela gráfica “El Cielo en la cabeza”, publicado con Sergio García y Lola Moral. Un relato que propone explorar las realidades y vivencias únicas que se esconden detrás de las tragedias migratorias en el Mediterráneo.

Nivek es un niño congoleño. Trabaja en una mina de la región de Kivu en República Democrática del Congo hasta el día en que es reclutado a la fuerza como soldado por una milicia local, obligado a asesinar a su familia. Nivek decide escaparse y sueña con llegar a Europa. Para ello deberá atravesar la inmensidad del continente africano y los peligros del Mediterráneo. 

“El Cielo en la cabeza” cuenta su odisea contemporánea. “Intenta ser el arquetipo del viaje que realizan muchísimos migrantes anónimos. Queremos dar esta visión que pretende ser lo más documentada posible”, explica a RFI su autor Antonio Altarriba.  

El álbum plasma lo que no se ve al final del camino: las vivencias y las experiencias únicas de quienes, desde Europa, se suelen considerar simples cifras del drama migratorio. 

La travesía de Nivek está plagada de horrores, pero hay cabida para las conexiones humanas y para el amor. “Es muy importante: quería dar al protagonista una vida humana. Es un personaje que desde muy niño vive situaciones tremendas, pero no deja de ser un niño. El libro se titula ‘El cielo en la cabeza’ porque de alguna manera esas estrellas son luces de esperanza de poder encontrar un mundo mejor. Nivek se enamora y se ilusiona con la idea de ser padre", detalla Altarriba. “Hay esa pulsión de vida, de amistad, de amor y de magia”. 

La novela gráfica rescata el realismo mágico africano, con sus experiencias místicas, reinos antiguos y comunidades tradicionales. África sigue siendo un continente con mucha mitología. “De hecho todavía se conservan viejas tradiciones y existen en estos momentos más de 300 monarquías. Hemos querido trasmitir ese continente eterno”, dice el autor. 

Antonio Altariva ganó con este relato el Gran Premio 2024 de la Asociación de críticos de la historieta en Angulema.