Sofá Sonoro

Esta semana tenemos doblete en antena. El sábado volvemos a sentar en el Sofá Sonoro un disco de los Beatles, en este caso Rubber Soul, y el domingo recorremos la historia de Miriam Makeba con Pata Pata, su álbum de 1967.

PLAYLIST | Todos los episodios de Sofá Sonoro dedicados a The Beatles

El 18 de mayo de 1980, Ian Curtis, músico, padre, marido y cantante de Joy Division se ahorcó. Tenía 23 años. 

La carrera de Joy Division fue tan fugaz como recordada, dos discos, un par de años y un puñado de canciones que crearon un ambiente y una escena en el postpunk que marcó el camino a decenas de bandas que quedaron iluminadas por la oscuridad de la banda de Mánchester. Tras la magia de Unknonw Pleasures, un disco que catapultó a Joy Division, el grupo volvió a la carrera al estudio para crear una colección de canciones marcadas por las peculiares influencias literarias de aquellos veinteañeros, pero también por la agonía, las dudas existenciales, el dolor y finalmente la muerte. Esta semana nos vamos a adentrar el Closer, su segundo disco, su trabajo póstumo, un álbum que marcó también el final de una década, de una época y el comienzo de otra.

ESCUCHA EL PROGRAMA DEDICADO A UNKNOWN PLEASURES

Esta temporada queremos recordar la carrera de Miriam Makeba con un programa dedicado a su disco Pata Pata de 1967, Lucía Taboada nos cuenta cómo fue el viaje de la cantante hasta ese momento. 

No hay muchas historias en la música tan peculiares como la de Supertramp, una banda apadrinada por un rico mecenas que consiguió triunfar cuando nadie lo esperaba y el dinero ya les había abandonado. 

Fue entonces, cuando se vieron en la cuerda floja, cuando los ingleses desplegaron todo su talento firmando sus mejores discos y sus canciones más recordadas. 

Las peculiaridades del grupo van más allá y se sustentan también en la dualidad entre sus dos líderes, dos tipos antagónicos y geniales que impulsaron la magia de la banda, pero que acabaron distanciados cuando el dinero comenzó a fluir.  

En 1979 y tras un par de discos en la dirección adecuada la historia de Supetramp cambió para siempre con la edición de Breakfast in America, un disco tremendamente exitoso y tan certero como original, fresco y divertido. Aquel disco marcó el principio del fin del grupo que en la gira abriría unas grietas que ni con el tiempo han conseguido cerrar.  

Esta semana decidamos el Sofá Sonoro a ese momento en la carrera de Supertramp y para recordar Breakfast in America invitamos a Fernando Neira y a Lucía Taboada.  

Las amistades son algo necesario en esta vida. Hay amistades peculiares en algunos casos, sanadoras en otros y tremendamente oportunas en su mayoría.

También las hay salvadoras. En la música los amigos han sido claves. Desde los chavales y chavalas que se juntan a hacer ruido en un local de ensayo hasta las estrellas abandonadas en la soledad de la cima.

Esta semana dedicamos el programa a recordar historias de amistad dentro del rock. Algunas difíciles de explicar, como la de Harrison y Clapton -enamorados de la misma mujer-, otras están marcadas por el drama como la de Kurt Cobain y Michael Stipe y también hay amistades que surgen de situaciones en las que parece que todo está perdido, como la que marcó la relación entre Johnny Winter y Muddy Waters o la de Cat Power con Lana del Rey.

En este episodio Alfonso Cardenal nos lleva por diferentes momentos de la historia con distintos casos de amistad entre músicos.

ESCUCHA EL PROGRAMA DEDICADO A PATTI SMITH Y MICHAEL STIPE

ESCUCHA EL PROGRAMA DEDICADO A JEFF TWEEDY Y MAVIS STAPLES

Willie Dixon es, sin mucha discusión, uno de los más grandes músicos del siglo XX. Sus canciones las han cantado todos. De Eric Clapton a los Rolling Stone pasando por Grateful Dead, Led Zeppelin o Tina Turner.

Aquel tipo negro, que había sido boxeador de éxito, llegó a Chicago en 1936 escapando del racismo y la pobreza del sur de los EEUU y allí, escribiendo y produciendo para Muddy Waters o Howling Wolf reinventó el blues, ese blues que acabaría cambiando el rock americano de los años sesenta.

Esta semana rendimos tributo a Willie Dixon y lo hacemos recordando un disco que bien define a este tipo I Am The Blues, una colección de canciones que muestra el alcance de su obra. Con este álbum, Dixon se reafirmó y sacó pecho, pero con los años su nombre ha quedado marginado en la escena y poco a poco se va olvidando el legado de este bajista, productor, compositor, arreglista y también cantante que puso los cimientos sobre los que luego se construyó el rock de los años sesenta.

Para recordar la obra de Dixon esta semana nos acompaña el periodista Manuel Recio y Lucía Taboada con sus reportajes.

Esta semana tenemos un programa que se puede considerar la segunda parte del de Canciones para un verano feliz que hicimos en julio. Un episodio con música de Antonio Vega, Nick Cave, Bill Fay y una buena cantidad de nuevos descubrimientos. 

OTROS PROGRAMAS 

Sofá Sonoro: Especial Versiones 

Canciones para un verano feliz 

Tras consolidarse después años trabajando duro y sacando buenos discos, Los Piratas se habían convertido a finales de siglo en una banda de discos de oro y de apuesta segura. Las canciones de amor de sus inicios habían ido mutando con los años y el grupo también había evolucionado en su sonido y en su apuesta. Ultrasónica fue un disco que despertó recelo en su sello y que terminó siendo su gran obra, pero primero se toparon con la frialdad de Warner que pidió una canción radiable, un éxito que catapultase a la banda. La respuesta del grupo fue grabar, a modo de broma y venganza Los Años 80, la canción que curiosamente ha terminado siendo uno de los grandes himnos de los gallegos.

Ultrasónica es un disco repleto de historias y anécdotas y nos sirve de excusa para recorrer la carrera de Los Piratas, viaje que compartimos con Arancha Moreno, autora del libro Iván Ferreiro, 30 canciones para el tiempo y la distancia, y Lucía Taboada.

OTROS PROGRAMAS

Los Planetas y el inicio de un credo

El viaje de Radiohead por los 90

Cincuenta años después de su edición, Raw Power sigue siendo uno de los discos más crudos, salvajes y fascinantes de la música y la obra maestra de Iggy Pop. Esta es su historia. 

Esta semana David Moreu nos trae al Sofá Sonoro 'King and Queen', el álbum que junto a las dos estrellas de Stax poco antes de la muerte de Otis Redding.

Escucha el programa dedicado a la actuación de Otis Redding en Monterey

Escucha el programa dedicado a los duetos de Tammi Terrell y Marvin Gaye

Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios de la banda gallega, protagonista del Sofá Sonoro del 10 de octubre de 2024.

Esta semana recordamos la historia de Zombie, el álbum que el músico nigeriano publicó en respuesta al asalto militar de su comuna que acabó con el asesinato de su madre y la violación de sus coristas por parte del ejército nigeriano.

Para recordar esta joya del afrobeat debuta en el Sofá Sonoro Jesús Báez, conocido en redes por su trabajo en La Historieta Musical. 

Esta semana recordamos 'Cecilia 2', el segundo disco de la cantautora. Tras un inesperado éxito con su disco de debut, Cecilia entregó su disco más personal. En este álbum la cantante habla de la guerra, de ser una mujer soltera, del deterioro de las grandes ciudades. A pesar del talento y de la calidad de las canciones, 'Cecilia 2' pasó desapercibido en su época y durante décadas ha sido un disco descatalogado e imposible de encontrar. Para recorrer estas canciones y esta historia invitamos al Sofá Sonoro a Eduardo Bravo, autor del libro 'Cecilia 2'. 

*Toda la información del programa, discos, recomendaciones y anécdotas de música en nuestro canal de WhatsApp, apúntate y no te pierdas nada*

Esta semana nos visita Javier Sanabria, autor del libro 'Ese era mi bistec Valance' para hablar del debut de Bob Dylan en el cine de la mano de Sam Pekimpah cuando formó parte del elenco de Pat Garrett y Billy The Kid, cinta de la que también hizo la genial banda sonora, un disco que marcó el resurgir de Dylan en los setenta gracias a la maravillosa Knocking on Heavens Door. 

Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar Versus, el segundo álbum de la banda de Seatlle tras su exitoso debut. Un disco marcado por la presión sobre el grupo que respondió con un trabajo redondo con un sonido mejorado respecto a su primera entrega y unas letras que seguían mostrado la peculiar mirada de Vedder sobre la vida, las injusticias y su propio mundo interior.

Para recorrer el segundo disco de la banda nos acompaña el periodista y escritor Toni Castarnado y Lucía Taboada con sus reportajes.

PUEDES ESCUCHAR EL EPISODIO DEDICADO A TEN AQUÍ 

Un programa especial de versiones, discos tributo y homenajes musicales.

PLAYLIST | Todas las canciones del programahttps://open.spotify.com/playlist/4mqPiUWhUj7iOIhKkvSP8v?si=6a7e36f2f33540d1

Entre 1956 y 1964, Ella Fitzgerald editó una serie de ocho discos que rindieron tributo a los hombres y mujeres que habían dado forma a eso que se llamó El Gran Cancionero Americano, canciones de musicales de Broadway y de películas de Hollywood que formaron la banda sonora de la primera mitad del siglo XX. Aquel movimiento redimensionó la carrera de Fitzgerald tras sus años en Decca y fue su gran legado como artista. Esos cancioneros o Songbooks rindieron tributo a Cole Porter, Duke Ellington, Irving Berlin o los hermanos George e Ira Gerswin y asentaron su obra y legado entre los amantes del jazz convirtiendo sus composiciones en algo atemporal y eterno. 

Esta semana recorremos esos discos de la mano del periodista Manuel Recio y con los reportajes de Lucía Taboada. 

Pocos discos de debut han resultado tan explosivos, sorprendentes e influyentes como Dummy, la carta de presentación de Portishead. Dummy es un disco misterioso, oscuro pero bonito. Un disco que siguió la senda del debut de Massive Attack y que situó a la ciudad de Bristol como una alternativa sonora en aquella Inglaterra del britpop, un álbum que llegó en 1994, en plena explosión de Oasis y Blur y que abrió una nueva vía musical. Recuperamos el programa que dedicamos a recorrer el disco junto a Sheila Blanco. 

Pau Donés ya tenía 30 años cuando su vida cambió para siempre gracias a una canción y a un anuncio de televisión de una marca de tabaco. El debut de la banda había pasado sin hacer mucho ruido por 1996, pero aquel anuncio convirtió a La Flaca en la canción del verano de 1997 y disparó las ventas y la fama del grupo. 

Jarabe de Palo lo tenía todo para ser una banda de un solo éxito, para vivir su momento de gloria antes de desvanecerse y ser olvidados. Sin embargo, Pau Donés ha acabado compartiendo escenario con Pavarotti, Celia Cruz, Jovanotti o la flor y nata de la música española.

El tremendo comienzo del grupo tuvo continuidad cuando en su segundo disco la banda presentó Depende y demostró que su talento para hacer grandes canciones para la radio iba más allá de ese primer éxito. Poco a poco, disco a disco, Donés y sus amigos fueron construyendo una carrera seria y con buenos fundamentos que los consagraron como una de las formaciones más importantes de su generación.

La triste muerte del músico nos dejó una importante lección de vida y la excusa para recorrer aquellos primeros años cuando Pau tenía todo el tiempo del mundo y ganas de comérselo en dos bocados. De la mano del periodista David Moreu y Lucía Taboada recordamos aquellos años finales de los noventa.

Lucía Taboada nos cuentas los orígenes de Pearl Jam

SOFÁ SONORO | Escucha el programa dedicado a Ten

La historia de La Leyenda del Tiempo es fascinante y tiene personajes claves como Ricardo Pachón, Kiko Veneno, Tomatito o Raimundo Amador. Todos ellos acompañaron a Camarón en esta aventura que con el tiempo ha acabado siendo una de las grandes obras musicales de la historia española y del flamenco. Para recordar este viaje nos acompaña el periodista Manuel Recio y Lucía Taboada con sus reportajes.

Escucha el programa dedicado a Kiko Veneno

Esta semana viajamos a 1968 para recordar el contexto, la historia, las anécdotas y las canciones del programa de televisión que redimensionó la figura de Elvis Presley, el viejo rey de 33 años. Para este viaje nos acompaña el periodista Fernando Navarro y Cristina del Casar con los reportajes.

SOFÁ SONORO | Todos los programas dedicados a los pioneros del rock 

Recuperamos el episodio de la octava temporada que dedicamos al disco de debut de Ramones con la participación de Arturo Lezcano y Lucía Taboada. 

En 1959, Washington grabó 'What a Difference a Day Makes!', un trabajo que la convirtió en una gran estrella y cambió su carrera. Ya en la cima se comió Nueva York con fiestas legendarias antes de abrir su propio club en Chicago, local frecuentado por la mafia. Para entonces ya era una mujer dependiente de las pastillas y con problemas con el alcohol. Su muerte, tremendamente joven, bien pudo servir de anticipo de lo que le sucedería décadas después a Winehouse. Dinah al menos tuvo tiempo para dejarnos sobradas muestras de su talento.

Otros programas relacionados

El ocaso de Billy Holliday

La guerra de Nina Simone

El 18 de mayo de 2021 murió uno de los músicos más singulares y únicos de Europa. El Franco bueno. La muerte de Franco Battiato no fue una sorpresa, llevaba años apartado del mundo con un pacto de silencio de sus amigos que nunca hablaron de los motivos que llevaron al músico más especial de Italia a desaparecer de la escena pública.

Hoy recuperamos el programa que dedicamos junto a Sheila Blanco a recordar La Voce del Padrone.

Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios en la música de Lady Gaga.

Este reportaje fue parte del programa que dedicamos al disco que grabó junto a Tony Bennett. 

Norman Granz, mánager de Ella Fitzgerald y creador del sello Verve es uno de los grandes renovadores del género y una figura clave ajena al canto o a los instrumentos.

A veces, la génesis de una obra maestra se encuentra en pequeños detalles. Una tarde de abril de 2015 una anciana llamada Hattie White celebraba en familia su noventa cumpleaños, en un momento dado la abuela pronunció una frase sin apenas importancia, pero a la vez tremendamente reveladora. En la vida me dieron limones, así que hice limonada. Esa frase inspiró el título de la obra maestra de Beyoncé.

Lemonade fue la respuesta de la cantante estadounidense al terremoto que vivió su vida personal después de la traición adultera de su marido. Beyoncé cogió esa rabia y la convirtió en su siguiente proyecto, un álbum que analiza las relaciones sentimentales de los afroamericanos en toda su complejidad. Un estudio sociológico abrumador y genial que responde a la idea de que a veces para entenderse a uno mismo hay que entender de dónde viene. Todo eso quiso Beyoncé plasmar en un disco que retrata a la mujer afroamericana y también su propia historia, raíces, incluso las dudas del presente. Lo que la cantante anhelaba era hacer un retrato de cómo la esclavitud había afectado a las relaciones sentimentales entre los afroamericanos.

El resultado de ese viaje, acompañado de un espectacular álbum visual, fue uno de los discos más asombrosos de su carrera y también de este siglo. Un trabajo que recorremos de la mano de nuestro analista Mario Tornero y con los reportajes de Lucía Taboada.

Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios de Camarón de la Isla. 

Cuando te crías en una tienda de discos con toda la música del mundo a tu alcance no puede salir nada malo de ahí. A lo largo de su vida, Ben Harper ha hecho cosas de lo más diferentes, trabajos que han sorprendido al mundo y que han buscado nuevos y viejos sonidos que han mostrado las mil caras de este hombre. Desde que alcanzó el estrellato, Harper ha aprovechado su estatus para hacer todo tipo de discos y darse todo tipo de caprichos artísticos. Desde hacer un disco de góspel con los Blind Boys of Alabama a grabar un disco de folk con su madre.

Cuando te crías en una tienda de discos con toda la música del mundo a tu alcance no puede salir nada malo de ahí. A lo largo de su vida, Ben Harper ha hecho cosas de lo más diferentes, trabajos que han sorprendido al mundo y que han buscado nuevos y viejos sonidos que han mostrado las mil caras de este hombre. Desde que alcanzó el estrellato, Harper ha aprovechado su estatus para hacer todo tipo de discos y darse todo tipo de caprichos artísticos. Desde hacer un disco de góspel con los Blind Boys of Alabama a grabar un disco de folk con su madre.

En 2013, con 44 años, el californiano se desmarcó con un disco de blues junto al armonicista Charlie Musselwhite, trabajo que fue un regalo para los amantes del género. “Trabajar con Charlie es un sueño hecho realidad y nuestra relación tiene una parte paternal, una parte de hermanos, otra de amigos y también lo veo como a un héroe, así que es alguien que representa muchas cosas para mí tanto musical como personalmente”, explicaba Harper a David Moreu, nuestro invitado de esta semana en el Sofá Sonoro.

Harper y Musselwhite se conocieron en un concierto de John Lee Hooker, y fue el propio Hooker el que les propuso trabajar juntos. El resultado de esa unión fue Get Up!, un trabajo fresco que muestra la armónica salvaje de Musselwhite y la capacidad de Harper de adaptarse a cualquier género. Aquel disco fue una tremenda sorpresa que se coronó con un Grammy y el disco que Charlie y Ben grabaron juntos, ocho años después repitieron la fórmula.

Esta semana recordamos esta historia de amistad, de admiración y de blues y lo hacemos de la mano de David Moreu y Lucía Taboada.

Recuperamos el programa que dedicamos a recorrer el Live Aids de 1985 que marcó uno de los momentos más recordados de la banda británica. 

Esta semana recuperamos el programa que dedicamos a Mystery Girl, el disco póstumo del cantante de las gafas de pasta.

Cuando Pink Floyd comenzó su viaje a finales de los años 60, nadie hacía lo que hacían ellos. Nadie sonaba como ellos. La banda inglesa, comanda por un visionario Syd Barrett hacía una música totalmente nueva que remitía a la psicodelia y que era la banda sonora de un viaje de ácido al centro del universo

Syd fue el primero en apuntar a una nueva dirección y en abrir un camino musical que muchos otros siguieron. Pink Floyd ha roto muchas barreras a lo largo de su carrera y ha firmado discos inmensos y eternos que son parte de la historia de la música, a varios de ellos les hemos dedicado episodios en este mismo programa, The Piper At The Gates of Dawn, el debut de la banda es quizás el más influyente de todos.

The Piper at the Gate of Dawn fue el primer gran paso en la música de Syd Barrett, también el último antes de dejar el grupo y empezar un errático y triste peregrinaje alejado de los focos, después de que su grupo le diese la espalda cansado de su carácter en un momento en el que Pink Floyd apuntaba al estrellato.

Esta semana recordamos el comienzo de aquella aventura musical de la mano del periodista Ricardo de Querol y con los reportajes de Lucía Taboada.

Escucha los otros programas dedicados a Pink Floyd:

The Dark Side of the Moon | The Wall | Animals

*Toda la información del programa, discos, recomendaciones y anécdotas de música en nuestro canal de WhatsApp, apúntate y no te pierdas nada*

En este episodio de Sofá Sonoro nos vamos de viaje por el el cartel del BBK Live 2024, decimoséptima edición del festival bilbaíno, cita con un cartel muy variado con grandes nombres como Arcade Fire, Air, Los Planetas, Massive Attack, pero también formaciones muy interesantes como Cymande, Parcels o Slowdive. Hacemos un recorrido por algunos nombres poco conocidos y os presentamos el que sería nuestras bandas favoritas día a día. 

Escucha el Sofá Sonoro dedicado al debut de Arcade Fire.

El final de la década de los 60 dejó lo mejor de las bandas que habían definido la década. El año del Festival de Woodstock se publicaron discos brillantes de los Beatles, The Who, los Stones o Led Zeppelin. Aquel año la Creedence Crearwater Revival publicó tres discos ascendiendo de pronto a la más alta cima de la música, el mejor escenario desde el que despeñarse en un abrir y cerrar de ojos.  

Uno de esos discos fue Green River, una joya de la música americana que mezclaba con tremendo acierto los ingredientes más sabrosos de la tradición musical y que alejado de los sonidos de la época consiguió conquistar al público.

Aquel año, entre tanto genio, la Creedence reinó con canciones brutales que fueron la banda sonora de un 1969 mágico en el que nadie pudo seguir el ritmo del grupo de John Fogerty.

Esta semana recordamos aquel disco, esa época y la peculiar historia de una banda que subió a los cielos de la música para explotar y desaparecer dejando un legado inmenso difícil de igualar. Para este viaje nos acompañan Fernando Navarro y Lucía Taboada. 

Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar Walking Into Clacksdale, el primer disco de Plant y Page con temas nuevos tras el final de Led Zeppelin. Para recordar este disco de 1998 nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada.

Escucha el programa dedicado al disco de Robert Plant a Alison Krauss

Escucha el programa dedicado a Led Zeppelin, Physical Graffiti

Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios de la banda estadounidense.

Este reportaje fue parte del programa dedicado a Trouble Will Find Me. Puedes escuchar el programa completo aquí. 

Recorremos el día a día del la edición del festival de Vitoria descubriendo grupos y recordando bandas. 

El viaje de Leño fue breve, underground y muy salvaje. Por el camino dejaron un manifiesto musical en tres entregas y pusieron los cimientos de lo que debía ser el rock en España.

El sonido de la banda madrileña no miraba al rock londinense o al punk de Detroit sino a los sonidos del barrio y a los personajes que lo habitaban porque como decía el grupo: “No nos considerábamos artistas: éramos trabajadores del rock”.

En 1982 llegó a las tiendas ¡Corre Corre!, el disco que encumbró al grupo y que marcó también su inesperado final tras la gira más importante de su breve trayectoria.

En las letras de Rosendo Mercado hay sabiduría, hay calle y un deje de poesía urbana, una poesía que no encajaría en Instagram, pero que sí retrataba aquel Madrid de comienzos de los ochenta que lejos de la modernidad marcaba un pulso rockero en las calles menos visitadas.

Esta semana recorremos la carrera del grupo madrileño de la mano del periodista Fernando Navarro, con los reportajes de Lucía Taboada y con las declaraciones de Carlos Narea, productor del álbum.

APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO

Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24

Irlanda en los años setenta era un país peligroso, un país del que la gente que podía huía escapando de las bombas y las balas perdidas. En ese contexto el miedo abundaba y la música escaseaba, nadie quería ir a tocar a Irlanda, incluso los músicos de allí tenían miedo de subirse a un escenario porque ni los pubs ni los locales de fiesta estaban exentos de las explosiones.  

Por todo esto extrañó que, a finales de 1973, entre atentados del IRA, Rory Gallagher, un guitarrista de 26 años, anunciase una gira por su Irlanda, no solo eso. Iba a grabar un disco en directo y un documental. Lo que pasó sobre las tablas aquellas noches fue historia del blues e historia de Irlanda, una de las giras más poderosas de la música de los años setenta. 

A finales de diciembre de 1973 Rory Gallagher, uno de los grandes virtuosos de la nueva hornada del blues, comenzó una gira que pasó por Belfast, Dublín y Cork. Muchas voces aconsejaron a Rory que lo dejase, que no merecía la pena, que no tenía sentido jugarse la vida, pero Gallagher era irlandés, demasiado irlandés, y tenía claro que iba a comenzar el año callando las explosiones con su guitarra, dándole a esos chavales que no veían conciertos en sus ciudades una noche salvaje. Rory cumplió con su promesa y fue reconocido por ello. Su Irish Tour del 74 tiene energía, pasión, amor y transmite y capta algo especial difícil de calificar. Un álbum que eterno al que dedicamos el Sofá Sonoro de esta semana junto a Ricardo de Querol y Lucía Taboada. 

APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO

Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24

La irrupción de Jane´s Addiction a finales de los años ochenta supuso un golpe de aire fresco en el rock de aquella época gracias a una banda única y diferente que mezclaba punk con heavy, con funk y con una puesta en escena repleta de energía y originalidad. Con Nothings Shocking y Ritual de lo Habitual el grupo dejó atrás los ochenta y abanderó los nuevos sonidos de la siguiente década.  

Con su segundo disco, Jane´s Addiction consiguió hacer un disco generacional, una colección de canciones que reflejaban los miedos, las ansias y la emoción de ser joven. En sus canciones hay amor y dudas, adrenalina y rebelión, la necesidad de conectar con algo y el laberinto de las adicciones. De esta manera la banda californiana inauguró los años noventa y lo hizo a lo grande en un año extraño en el que estaban cambiando muchas cosas que iban a perfilar la nueva década sonora a coronar a nuevos héroes. 

El éxito de Ritual de lo Habitual fue tan grande como inesperado y marcó esa tendencia en la que el rock alternativo se iba a convertir en el mainstream de la década, pero Jane´s Addiction no gozaría de su nuevo estatus ya que tras una accidentada gira que arrancó a puñetazos, el grupo se disolvió en su mejor momento.  

Años después arrancó un carrusel de regresos, cambios y nuevos intentos de retomar la banda, algunos con mejores resultados que otros. Sin embargo, el grupo llega al presente con un optimismo renovado y será uno de los cabezas de cartel de la edición de este año del festival Azkena, que se celebrará en Vitoria entre el 20 y el 22 de junio y donde también acturará Queen of the Stone Age, Mavis Staples, Sherly Crow o Band of Horses. 

APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO

Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24

En la música no abundan las figuras que están de paso. La música, la fama, es siempre una meta y rara vez un medio, un lugar en el uno está de paso. Ese es el caso de Cat Stevens. El cantante tuvo una irrupción tremenda en la música siendo muy joven.  

Sus canciones tranquilas, evocadoras y poéticas conectaron con un enorme público a comienzos de los años setenta y sus discos vendieron millones de copias. Un día el joven estaba nadando en las playas de Malibú cuando tuvo un susto, uno que le cambió la vida. 

Tras ver la muerte de cerca, Stevens se alejó de la música, se convirtió al Islam y estuvo casi treinta años sin grabar un disco, pero a comienzos de los setenta la realidad era otra. En esa época tan fascinante de la música la irrupción del folk tranquilo y reflexivo de Stevens resultó una anomalía, una genial anomalía.  

Esta semana queremos recordar la historia de aquel joven y recorrer la historia, canciones y contexto que rodeó la edición de Teaser and the Firecat, un disco que marcó la cima del cantante y que recordamos junto a Fernando Neira y Lucía Taboada. 

APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO

Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24

PROGRAMA DE ARCHIVO: que recorre el regreso de la cantante a los escenarios y al estudio de grabación en los años noventa tras la muerte de su marido y gracias a una llamada de  Michael Stipe, de REM.

Hace setenta años que se hicieron las primeras canciones de rock and roll y en estas décadas hemos visto y oído de todo, bandas originales, grupos diferentes y otros que fueron pioneros. En todo este tiempo no ha habido, y probablemente no habrá, nadie como The Cramps. 

La banda liderada por Lux Interior y Poison Ivy mostró el lado más perverso de la música creando un mundo propio que mezclaba el rock instrumental de los 50 con la actitud del punk, la estética sado, los cómics, el cine cutre de terror, la literatura pulp y la provocación.

Poco se puede decir de una banda que antes de grabar un disco había actuado en un centro psiquiátrico con sus miembros hasta arriba de LSD.

Maquillaje al margen, el debut de los Cramps es un disco excelso, fresco y divertido producido por Alex Chilton de los Big Star y con un sonido arrollador y mucho amor por el rock clásico.

La banda no llegaría muy lejos, pero marcó un camino propio y mostró una cara auténtica creada a base de mezclar esas cosas que fascinaban a una pareja que se conoció en un curso sobre chamanismo.

Esta semana sentamos en el Sofá Sonoro uno de los discos más extraños del rock, el perverso debut de The Cramps, trabajo que recorremos junto a Sara Morales y Lucía Taboada.

*Toda la información del programa, discos, recomendaciones y anécdotas de música en nuestro canal de WhatsApp, apúntate y no te pierdas nada*

A mediados de los años 90 surgió una banda en España que no ha tenido réplica ni tampoco precedente, una banda especial y diferente. Salvaje, exitosa y femenina. Una banda comandada por dos hermanas de Madrid: Dover.   

Parece que han pasado dos vidas desde aquella irrupción de Dover con su segundo disco. España y la música en España han cambiado mucho. En algunas cosas para mejor, en otras para peor. La España de Dover era una España en la que los bares no tenían hora de cierre y en el que las salas no cobraban a los grupos por tocar. Pero también era un país más machista y con más techos de cristal. Las hermanas Llanos rompieron algunos. “Éramos dos mujeres y eso imprimía al grupo una serie de cosas, si fuésemos cuatro hombres hubiera habido más grupies. Nos teníamos que recordar que éramos estrellas”, contaban en una entrevista.  

Devil Came To Me fue un disco inesperado que tuvo un éxito tremendo. Con una fuerte influencia del grounge de Seattle, las banda madrileña protagonizó una revuelta inesperada y se comieron el país de dos mordiscos con canciones frescas, salvajes y divertidas. 

La historia del disco y de la banda resulta trepidante y llena de curiosidades. Esta semana sentamos el segundo trabajo de Dover en el Sofá Sonoro y los recorremos de la mano del periodista Carlos Cano y con los reportajes de Lucía Taboada. 

Hay canciones que lo cambian todo, la vida de sus autores, la de sus intérpretes y la de los oyentes. En 1964 un experimento musical dio como resultado The Girl From Ipanema, una canción eterna que frenó la conquista mundial de los Beatles y que elevó la bossa nova a una nueva categoría.

Firmado por Stan Getz y Joao Gilberto, el disco cuenta también con Tom Jobim al piano, y autor también de las canciones, y presenta al mundo a Astrud Gilberto, la joven mujer de Joao. Astrud llegó de casualidad al proyecto y el éxito de los dos temas que cantó la convirtió en una estrella.

Esta semana invitamos al Sofá Sonoro a Arturo Lezcano para adentrarnos en la historia de este disco y de sus personajes para entender cómo se gestó este histórico disco y que supuso para sus intérpretes, que volvieron a coincidir en nuevos proyectos en los siguientes años.

En la fotografía a blanco y negro del disco se ve a un hombre en mangas de camisa y con corbata fina. Está sentado frente a un micrófono en una habitación que parece un sótano. En la pared hay un reloj inmenso y una carpeta con pinza. En la mesa, junto al micrófono, se ve un cenicero medio vacío, a su lado unas cerillas y un paquete. Mas allá hay un tocadiscos. La imagen es misteriosa, inquietante, hermosa. Arriba, con letra firme en color azul se le un nombre y un título. Donald Fagen. The Nightfly.

Tras media vida junto a Steely Dan, Donald Fagen grabó un disco en solitario. Un disco extraño, seductor. Nocturno y algo oscuro. En aquellas canciones, Fagen miraba con nostalgia a su infancia, a esos años 50 atenazados por el desastre nuclear y la Guerra Fría. Pero ese poso y esa mirada se van desarrollando a lo largo del disco en unas letras complejas que Fagen tardó ocho meses en terminar.

Aquel álbum poderoso fue disco de oro a comienzos de los años ochenta, en plena era de las estrellas del pop. Aquel logro resultó totalmente inesperado. Fagen no lo buscaba ni lo anhelaba. Él, que se había calificado de esnob del jazz, había triunfado conjugando pop y jazz con enorme maestría en una grabación compleja. Fagen tardó casi un año en dar por concluido el disco y después entró en una profunda crisis personal.

Donald Fagen no volvió a grabar un disco en 12 años. Su historia, como su música, resulta hipnótica. Hoy queremos recordar este The Nightfly, un trabajo que recorremos de la mano del periodista Fernando Neira y con los reportajes de Lucía Taboada.

Con Camino Soria, el primer disco de Gabinete Caligari en EMI, el grupo madrileño asaltó la banca y se convirtió en una de las grandes bandas de los años ochenta con unas canciones originales, frescas y que reclamaban las raíces españolas frente a las influencias anglosajonas y el modernismo de cierta ola de la Movida Madrileña. 

Hay discos que captan un momento clave de una banda, una época de enorme inspiración donde todas las piezas encajan fácilmente, de una manera sencilla. Como por arte de magia. Tras un lustro intenso ese momento llegó para Gabinete Caligari con su disco de 1987. Treinta y tantos años después la obra culmen de Gabinete sigue teniendo fuerza y sonando de cine. 

Camino Soria es en realidad un disco de ruptura, de desamor, una oda a los perdedores, a los que lo intentan y nunca lo consiguen. Sobre esas bases fueron tomando forma las canciones de un disco que también tiene espacio para los amigos caídos y para los poetas rotos. Las muertes de Uli, saxofonista de la banda, y de Eduardo Haro Ibars, que murió antes de que se editase el disco, dejaron su huella en este disco. 

Cuando el álbum llegó a las calles, la carrera de Gabinete cambió de la noche a la mañana. Tras una década de duro trabajo en el underground musical, el grupo se abrió paso en las grandes ligas y comenzaron a actuar en las grandes plazas con un gira eterna y presencia constante en las radios. 

Esta semana recordamos la historia de estas canciones y el contexto de este álbum de la mano de la periodista Arancha Moreno y con los reportajes de Lucía Taboada. 

APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO

Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24

Hay pocos artistas que hayan tenido la habilidad, la capacidad y el talento para cambiar el rumbo de la música. Entre 1959 y 1960 Miles Davis, Bill Evans y John Coltrane y lo hicieron dos veces. Juntos con Kind of Blue y por separado. Coltrane con Giant Steps y Evans con sus Portrait in Jazz.  

Ocho meses del monumental Kind Of Blue, Bill Evans volvió a un estudio de grabación junto a al bajista Scott LaFaro y él batería Paul Motian e hicieron un disco mágico en el que cabe todo y que retrata todo.  

¡El pianista reinventó el sonido del trío en el jazz poniendo todos los instrumentos en primer plano y con un peso equitativo, un experimento sonoro que nació sin ensayos y que se basa en el enorme talento de los músicos y en su capacidad de conectar, responder y conectarse al sonido que iban creando. Por desgracia el trío de Evans no duró mucho, poco después de empezar a rodar, en julio de 1961, Scott LaFaro murió prematuramente. A pesar de ello el legado sonoro de estos tres músicos es enorme y figura entre lo más destacado de la apabullante discografía de Bill Evans, protagonista del episodio de esta semana al que invitamos al periodista Fernando Navarro. 

APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO

Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24

El año 2017 fue un año aciago para la música. Ese año nos dejaron figuras mayúsculas como Chuck Berry, Gregg Allman, Chester Bennington, Glen Campbell, Tom Petty, Fats Domino o Malcolm Young. Ninguno congregó a tanta gente en su adiós final como Johnny Hallyday. Casi un millón de personas acompañaron su cuerpo sin vida por los Campos Elíseos de París para despedir a un ícono francés. Una leyenda que moría a los 74 años y que vivió cada uno de ellos como si fuese el último ya fuese pisando el acelerador de su deportivo como esnifando hasta la última raya.

Hallyday representó mejor que nadie ese ideal del rock de vivir de deprisa y morir joven, pero vivió demasiado para esa máxima y su carrera y su figura se instalaron en una montaña rusa que tanto le subía al cielo de lo música como lo convertía en un paria, en algo obsoleto pasado de moda. Pero Johnny siempre volvía, se reinventaba y cuando no sabía qué hacer copiaba alguna nueva moda. Muchas de esas jugadas le salieron bien y su legado fue enorme.

Johnny coleccionó excesos, deportivos, mujeres, amantes, depresiones, pero sobre todo fue un hombre de escenarios. Nadie giró más que él o al menos nadie giró como lo hizo él. "En el escenario me evado. Estoy en mi propio mundo, puedo hacer de todo. Ya no soy yo mismo. No estoy allí. Olvido quien soy e intento interpretarme. Me da la confianza que no tengo como persona cuando no trabajo. Olvido quién soy en la vida real”, contaba Johnny en el documental de Netflix.

La carrera de Johnny Hallyday no tiene comparativa, Johhny lo hizo casi todo y fue único intentando ser otros. El adolescente que empezó copiando a Elvis y luego a las bandas inglesas, acabó siendo algo inimitable. Con una voz potente, unos profundos ojos azules y su melena rubia, Hallyday se comió Francia y también el mundo. Se puede decir que no inventó nada o que no fue el mejor en nada y sin embargo esto no quizá un ápice de mérito a su carrera. Hoy queremos recordar parte de su viaje y hemos puesto el ojo en Rivière Ouvre Ton lit su disco de 1969, un trabajo que se mueve entre el blues rock y la psicodelia de la época y que fue uno de sus trabajos más ambiciosos. Para recordar la obra de Johnny y sus canciones nos acompañan el músico Igor Paskual y Lucía Taboada con sus reportajes.

Rickie Lee Jones es una artista que ha hecho de todo. Desde sus días de camarera en el Troubadour de Los Ángeles, hasta su merecido estatus de maestra de la canción. Su carrera y su vida han transitado mil caminos y por ese viaje ha retratado personajes de todo tipo.  

Jones es una mujer difícil de calificar. En su música hay riesgos y aventuras. A lo largo de los años ha hecho discos de pop, de folk, de jazz e incluso de electrónica y a veces lo ha mezclado todo. Su discurso, además, resulta interesante. Hoy queremos sentar en el Sofá Sonoro un disco que es apabullante y también una locura. Con The Sermon On Exposition Boulevard, la cantante y compositora creó un álbum diferente que registró en una exposición y adaptando a canciones los textos del libro The Words, de Lee Cantelon, un proyecto que buscaba adaptar las palabras de Jesucristo para audiencias modernas. 

Partiendo de esta premisa, Jones se sumerge en un mundo fascinante que retrata ideas y sentimientos que se distancias de sus trabajos habituales. Con este disco, Jones dio un paso más en una dirección desconocida y puso a la crítica a sus pies rendida a la carrera de una mujer todoterreno que en este trabajo subió la apuesta. Para recordar estas canciones y esta historia nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada. 

Hay pocos músicos que hayan dejado una huella tan profunda, siendo tan distantes, como Morrissey, un artista capaz de arañar el alma con sus canciones. Tras una breve etapa con The Smiths, en la que marcó el rumbo de la música inglesa de sus años, Morrissey emprendió un viaje en solitario, un viaje marcado por sus siempre polémicas declaraciones y sus casi siempre tremendas canciones. Hoy vamos a aparcar al misántropo para recordar al músico sensible que hace veinte años editó Are You The Quarry, uno de los discos más recordados de aquel año.  

En 2004 Morrissey regresó a las tiendas tras siete años de silencio discográfico. A sus 45 años, Morrissey era ya un hombre maduro con una carrera fascinante que se remontaba tiempo atrás y que parecía que ya no tenía que demostrar, sin embargo el cantante y compositor entregó un álbum intenso, hermoso y poderoso que era de lo mejor de su carrera, aquel disco llegó a una Inglaterra muy diferente de la de sus inicios.

Sara Morales nos acompaña por la historia, contexto y canciones del regreso de Morrissey.

APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO

Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24

Todos los episodios y canciones del programa

Astral Weeks, el segundo disco de Van Morrison es una de grandes obras maestras de la música. Una religión para músicos como Bruce Springsteen. Un disco marcado por la mafia, la presión extrema y la seguridad de un chico de Belfast de 22 años que estaba convencido en las canciones que quería hacer, aunque nadie las quisiera escuchar. 

Cuando Van Morrison llegó al número 1 cantando Brown Eye Girl parecía que el viento soplaba a su favor, todo lo que pasó en los siguientes meses fueron golpes y más golpes. Muertes, demandas, negociaciones con matones, intentos de deportación, una boda fugaz y una huida a Boston para un nuevo comienzo. Tras esquivar mil obstáculos, Morrison terminó un disco que no gustó a nadie pero que es parte del maravilloso legado musical de los años sesenta. 

La historia de Astral Weeks lo tiene todo y fue el primer trabajo del músico de Belfast para Warner, un sello que quería fichar a la nueva estrella del pop y que se llevó a casa un viejoven huraño y estraño que hacía canciones próximas al jazz y que nadie entendía. 

Pero todos estos riesgos, miedos y obstáculos quedaron en nada con el paso del tiempo, cuando el disco de Morrison fue ganando peso y erigiéndose como un álbum mayúsculo, hermoso y poderoso, como una obra maestra de la música popular de los años sesenta.  Esta semana invitamos al periodista Fernando Neira a recorrer esta joya de la música.  

SIGUE NUESTRO CANAL DE WHASTAPP | https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24

 El 9 de octubre de 1973 murió Sister Rosetta Tharpe. Apenas nadie acudió a su funeral y nadie puso dinero para una lápida en condiciones. Rosetta llevaba una década malviviendo en un piso barato con una pierna amputada y sin apenas visitas. Así fue el final de una de las mujeres más importantes de la historia de la música.  

Cuando el mundo se volvió loco con el rock and roll a finales de los años cincuenta, Sister Rosetta llevaba 20 años tocando una Gibson E150 y haciendo una música que partiendo del góspel, el jazz y el blues había llevado en una dirección que bien se podría identificar como rock and roll. Aquella mujer que sonaba en las radios de las casas de los chicos negros y blancos fue la maestra de la siguiente generación.  

Medir hoy en día el legado de Rosetta es complicado, quizá la forma más adecuada es seguir el rastro de sus seguidores más apasionados. El Elvis adolescente la adoraba, Buddy Holly la era su fan número uno. Little Richard dio su primer concierto nocturno junto a ella y Chuck Berry se llegó a calificar como el mejor imitador de Sister Rosetta. Cuando Johnny Cash ingresó en el salón de la fama del rock en su discurso recordó a la gran maestra de los pioneros con un gran tributo. 

Medio siglo después de su muerte esta semana queremos recordar a esta pionera en el Sofá Sonoro y lo hacemos recordando su vida y sus canciones de la mano de Mario Tornero y Lucía Taboada. 

En la música abundan los hermanos. Los hermanos cabrones. Los que se odian, insultan y compiten. Los lazos de sangre que han impulsado el rock. Los Davies, los Gallagher, los Knopfler o los Allman. Luego están ellos, los Young, los exiliados escoceses que crecieron marginados en Australia y que se conjuraron para vivir siempre por y para el rock and roll. George, Malcolm y Angus crearon ACDC y convirtieron esa banda en la más grande del rock y siguieron juntos, hermanados. Hasta que, como los buenos matrimonios, la muerte los fue separando.

ACDC irrumpió en la música con la idea de ir a por todas, de no dejarse nada dentro. En 21 meses grabaron sus cuatro primeros discos y luego llegaron a Europa y más tarde a EEUU para comerse el mundo. Cuando mejor estaban, cuando tras mucho trabajo, las cosas se ponían de cara, murió su cantante. “Al principio no sabíamos qué hacer, no queríamos a nadie que lo imitase, cuando Brian apareció nos voló la cabeza”, contaba Angus en una entrevista de la época.   

La muerte de Bon Scott llegó con la banda irrumpiendo en EEUU, país que conquistaron a base de giras y más giras. "En un año hicimos más que los Rolling Stone en toda su carrera", bromeaba el grupo. A pesar del duro golpe, ACDC se levantó rápido. Unos meses después de la muerte de Scott volvían al estudio junto a su nuevo cantante para grabar Back in Black, su tributo al amigo caído.

Con aquel disco los hermanos Young tocaron el cielo, vendieron millones de copias impulsados en parte por el morbo y en parte porque habían firmado una colección de canciones que se ganarían la eternidad y que pasarían a ser recitadas de memoria. 

Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esa historia y esas canciones de la mano de Toni Castarnado y Lucía Taboada.

El año 2004 nos dejó una tremenda colección de discos que en los próximos meses cumplirán su vigésimo aniversario: Arcade Fire, The Killers, Wilco, Interpol, Tom Waits o Nick Cave.

SIGUE EL CANAL DE SOFÁ SONORO EN WHATSAPP

Lucía Taboada recorre los inicios del músico gallego hasta el final de Deluxe.

Escucha el episodio dedicado a Atlántico de Xoel López

Esta semana no hay programa con motivo de los Goya así que recuperamos este Sofá Sonoro que dedicamos al 'Básico' de Antonio Vega junto a Arancha Moreno y Lucía Taboada.

Suscríbete al canal de WhatsApp de Sofá Sonoro. En serio, que mola.

Hay discos que son hijos de su tiempo y otros que se enmarcan en una tierra desconocida que nadie ha pisado antes y que pocos lo harán después. Juju, el cuarto trabajo de  Siouxsie And The Banshees encaja con esa etiqueta. Un disco poderoso, sugerente y divertido que ha sido reclamado por Radiohead o Suede como un referente, como una poderosa inspiración.

Susan Ballion proviene de un barrio residencial, llega a Londres siendo una cría y de la nada acaba subida a un escenario compartiendo festival con Sex Pistols y Clash en los orígenes del punk. Aquella chica no sabía cantar y nunca se había subido a un escenario. Esa fuerza, ese no tener miedo a nada, ese carácter la definen como personaje, como una artista capaz de todo que derribó muchas barreras y que lideró su propia banda y su propio proyecto desafiando a todo.

En Juju la banda alcanzó su cima creativa de la mano del guitarrista John McGeoch, que estuvo poco tiempo en el grupo, pero que tuvo una enorme influencia a la hora de perfilar un sonido propio, novedoso y a la par sugerente. Por todo ello esta semana sentamos en el Sofá Sonoro a la periodista Sara Morales para recorrer esta joya ochentera.

Lucía Taboada nos recuerda cosas que pasaron en el mundo hace 20 años

Muddy Waters hizo en los años sesenta toda una declaración de intenciones cuando cantó aquello de "el Blues tuvo un hijo y lo llamaron rock and roll". Sin embargo, a finales de aquella década, el blues volvió a rugir gracias a una nueva generación de músicos blancos que reclamaron el legado de sus mayores. Entre los Doors, Janis Joplin, John Mayall o Johnny Winter se coló una formación de chavales salvajes marcada por su amor a la raíces y la mala suerte que les persiguió: Canned Heat.

No es descabellado afirmar que todos los músicos fueron, antes que estrellas, enamorados de la música. El caso de Canned Heat va más allá. El grupo nació directamente de una comunidad de coleccionistas del discos de blues que decidió probar suerte y comenzar a hacer sus propias interpretaciones de las canciones que les volvían locos, pero las cosas, como suele decirse, se les fue de las mano y acabaron tocando en Monterey, Woodstock, Newport y conquistando Europa.

Esa cultura de coleccionistas, de tipos forofos con un gran conocimiento del género se plasma es su primer disco, trabajo que graban de la mano de Johnny Otis pero que no vería la luz hasta unos años después de tal modo que su debut oficial es el homónimo de julio de 1967 y con ese disco se presentan en el festival de Monterey con una actuación notable que les valió para ser portada de la prestigiosa revista Downbeat, eso es estar en el sitio adecuado en el momento perfecto.

Un punto clave del grupo fue 1968 cuando entre una conquista y la siguiente grabaron Boogie with Canned Heat, un disco con temas propios que fue un paso en una nueva dirección. Un trabajo que los convirtió en una banda con otro poso, un grupo capaz de partir de viejas composiciones perdidas para crear sus propias canciones y su propio sonido.

Por todo esto la historia de Canned Heat resulta fascinante y apuntaba alto, pero el grupo estuvo marcado por la muerte y la mala suerte que los condenó cuando el mundo empezaba a rendirse a su música. Esta semana rendimos tributo al grupo recordando sus canciones y su comienzo musical de la mano de Manuel Recio y Lucia Taboada.

En aquella revolución cultural de los años ochenta en España florecieron decenas de bandas de todos los estilos, géneros y orígenes. Muchas de aquellas formaciones estaban allí porque se podía, porque todo valía, porque ese aire de libertad que flotaba en el ambiente invitaba a ello. En ese contexto nació El Último de la Fila, un grupo diferente a los demás en cuanto a su propuesta, su sonido y sus letras.

Tras un llamativo debut el grupo editó Enemigos de lo ajeno, un álbum que fue un salto en su carrera y que llegó en un 1986 que fue un punto de inflexión para Manolo y Quimi. En comparación con otras banda que irrumpieron en los ochenta, ellos ya estaban en la treintena, habían pasado (y fracasado) por otras bandas y veían que el sueño de una vida musical se alejaba. Pero esta ocasión, esta banda, iba a ser la buena y la definitiva y todo explotó con Insurrección y con Enemigos de lo ajeno, un disco que es parte de la historia del pop en España.

Tras años curtiéndose en la música todo explotó con este disco que capta el talento de Manolo para escribir letras afiladas, honestas y cruda que conectaron con miles de jóvenes y el ingenio musical que Quimi, capaz de coger por primera vez una guitarra de doce cuerdas e improvisar la música de Insurrección.

Esta semana sentamos en el Sofá Sonoro el segundo disco de El Último de la Fila y para recorrerlo nos acompañan Arancha Moreno y Lucía Taboada.

Con 22 años los chicos de Green Day tenían tantas cosas a sus espaldas que ya estaban cansados de su escena, de su sonido e incluso de la propia vida. En 1993 el grupo se propuso de un giro y un salto al vacío... y ese salto acabó en una conquista mundial unos meses después, ya en 1994, cuando Dookie salió a las calles.

Tras el éxito de Dookie, Green Day se convirtió en la gran esperanza de la industria musical tras la muerte prematura de Kurt Cobain que en abril de aquel 19994 se pegó un tiro dejando un panorama extraño en el grounge, esa música que había trasformado la escena musical de comienzos de la década. Green Day no tuvo problemas en asumir su rol y dar un paso al frente con actitud y tomando riesgos.

Esta semana celebrados elaniversario de esta joya noventera de la mano del periodista David Moreu y con los reportajes de Lucía Taboada.

Todos los episodios de Sofá Sonoro dedicados a discos de los 90.

Recuperamos la entrevista que le hicieron a Alfonso Cardenal en La Ventana el pasado mes de diciembre por la edición de Vidas Perras (Ed.Silex), el libro de cuentos musicales alrededor de personajes de vidas duras que encontraron cierta redención en las canciones.

Estrenamos el 2024 a lo grande en el Sofá Sonoro y como es un día especial queremos hacer algo especial y pasar esta hora de radio a lo grande, con buena música y con las mejores cantantes de todos los tiempos, al menos para nosotros. Quería meter 24, una por cada año de este siglo, pero no serán tantas. Este episodio lo hemos bautizado como las Reinas de la Música y ahí cabe de todo, hay soul,  jazz, también blues, algo del rock, pero sobre todo mucha magia en este homenaje a las grandes mujeres y a las grandes voces de la historia.  

PLAYLIST | Los mejores programas dedicados a nuestras cantantes preferidas.

En 1994 sucedió de todo y todo a la vez: el grounge coincidió con el britpop, la explosión del hip hop, el nacimiento del indie en España o el debut de las bandas de triphop de Bristol. Pocas veces tantas corrientes musicales diferentes han coincidido en un periodo de tiempo tan pequeño.

Durante un tiempo parecía que cada país tenía su propio género. Mientras que en Estados Unidos sonaban Offspring, Green Day o Soundgarden y Pearl Jam, en Reino Unido irrumpían Blur, Oasis, Suede o Portishead y Massive Atack, mientras en España triunfaba el canto gregoriano y daban sus primeros pasos Extremoduro o Los Planetas.

Todo esto aderezado con el regreso de los Rolling Stones y discos fabulosos de Eric Clapton o Van Morrison, a lo que hay que sumar el renacimiento musical de Johnny Cash de la mano de Rick Rubin.

Hace 30 años se publicaron discos que son parte de la historia de la música y de la banda sonora de varias generaciones. La lista es eterna. Jeff Buckley editó Grace y se convirtió en una estrella, Weezer irrumpió con el delicioso disco azul. Alice in Chains llegó a lo más alto del Billboard con un EP, algo que nunca había sucedido anteriormente. En aquel año hubo álbumes eternos de Nine Inch Nails, Korn, Rancid, Massive Attack, Hole o Stone Temple Pilots.

TODOS LOS EPISODIOS DEDICADOS A DISCOS DE LOS NOVENTA

Esta semana vamos a hacer un Sofá Sonoro diferente, un programa para hablar de egos, de finales y de separaciones. En este episodio lo que vamos a escuchar son esos discos que las estrellas grabaron cuando estaban hartas de sus bandas, cuando se habían quedado solas o cuando estaban aburridas. Hay mil casos diferentes, pero todos tienen algo en común: la firma en la portada del disco ya no es la de un grupo.

En este episodio rendimos tributo a los Rolling Stones porque grabar un disco 60 años después del debut de tu banda es algo único y también mágico y hermoso. Sin embargo, los Stones, en concreto Jagger y Richards, llevan décadas enfrentados y en parte por el intento de Mick de hacer carrera en solitario, algo que Keith nunca vio bien. Ese caso se ha ido replicando a lo largo de la historia una y mil veces y ha sido el motivo de separación de decenas de grupos.

Con esta excusa vamos a ver los proyectos en solitario de músicos de los Beatles, Blur, Oasis, Roxy Music, Wilco o Dire Strait. Pero también de Destiny's Child, The Cranberries, Police o The Band. Cada caso es diferente, pero también tiene cosas en común y nos sirve para escuchar esos discos y conocer esas historias. Historias de egos, a veces de traición, pero también hay casos de aburrimiento o de soledad. Un programa diferente para disfrutar de la mejor música.

The Super Super Blues Band fue el proyecto de Chess Records que juntó a Muddy Waters con Howlin' Wolf y Bo Diddley

En Chess Record había grandes músicos y grandes egos. El sello de Chicago había marcado tendencia en los años 40 electrificando el blues rural del sur de los Estados Unidos de la mano de los grandes intérpretes del género.

Veinte años después de los días de oro de Chess el panorama era otro. El esplendor del blues, si algún día fue tal, había pasado y los grandes maestros sobrevivían como podían. Sin embargo, al final de los años sesenta estalló el revival del blues rock de la mano de músicos y bandas como Jimi Hendrix, The Doors o Janis Joplin. A esa ola se intentaron subir las viejas estrellas de Chess que en los siguientes años grabarían discos acompañados por sus alumnos más aventajados. Antes de eso, Chess probó otro invento. Copiando el modelo de Fania Records, el sello de Chicago intentó juntar a todas sus estrellas en un mismo disco. Pero hubo un problema: todos eso músicos se llevaban mal y competían entre ellos.

En 1967 llegó el primer intento y en 1968 subieron la apuesta juntando a Howlin' Wolf con Muddy Waters y Bo Diddley. Mucho gallo en un gallinero que rellenaron con jóvenes y futuras estrellas como Otis Spann o Buddy Guy. El experimento no tuvo el éxito esperado. Quizá por el título del disco -The Super Super Blues Band-, puede que por su fea portada o incluso porque la suma de talentos no siempre ofrezca un mejor resultado.

A pesar de ello el álbum de estos gigantes es una obra poderosa. Producido por el eterno Willie Dixon, autor también de varios de los éxitos de los protagonistas, el disco es el testimonio de una reunión histórica de enemigos íntimos y leyendas del género que bien merece una escucha. Para recorrer esta joya del blues hemos invitado al periodista Ricardo de Querol y a Lucía Taboada.

Muchos de los grandes artistas han acabado plasmando en sus obras una parte de su propia historia que no han podido o sabido sacar de otra forma. En la música hay muchos ejemplos. Sinéad O'Connor es uno de ellos. “Cuando era pequeña no había terapias así que me metí en la música. Únicamente quería gritar”, contaba la cantante.

Para muchos Sinéad O'Connor es la chica de la cabeza rapada que lloraba cantando Nothing Compares 2U, para otros la joven que rompió una foto del Papa en televisión protestando por los abusos en la Iglesia. Pero O'Connor fue muchas cosas e hizo muchas cosas. La mayoría, cuando conoces el contexto, tienen explicación.

Sinéad fue víctima de abusos, luego una niña problemática y finalmente una madre desequilibrada. También una artista especial y tremendamente valiente. En este episodio queremos recordar su figura como la de una artista enorme que se atrevió con todo porque creemos que hay que recordar su legado, una historia que comenzó en 1987 cuando la cantante editó The Lion and The Cobra y que alcanzó su cima con I Do Not Want What I Haven't Got, cuando se convirtió en una de las grandes estrellas de la época.

Pero el reinado de la irlandesa fue breve porque se enfrentó a todo y luchó por todo. “La sociedad no espera que las mujeres digamos cosas”, apuntó en una entrevista al ser cuestionada sobre sus polémicas. El caso es que O´Connor criticó al Papa por los abusos sexuales que miles de irlandeses habían recibido, se negó a actuar en EEUU si antes de que saliese al escenario ponían su himno nacional, protestó por la invasión a Irak o el racismo en los Grammy, también cantó contra las políticas de Thatcher.

O´Connor siempre dijo lo que pensaba y lo que creía justo. Y el mundo no estaba preparado para ella. Todo por lo que luchó, como el derecho al aborto, y lo que criticó, como los abusos, fueron luchas justas y el tiempo ha acabado dando la razón a la irlandesa, pero su voz sonó demasiado alto demasiado pronto. En el año de su muerte queremos recordar su música en este Sofá Sonoro que compartimos con Mario Tornero.

En la vida se habla y se valora mucho aquello de estar en el sitio oportuno en el momento correcto como una de las claves del éxito, porque a veces es mejor tener algo de suerte que exceso de talento. Big Star tuvo más de lo segundo que de lo primero y nunca encontró su momento.  

Big Star fue una de las grandes bandas de los setenta, pero no hacían la música que se demandaba y cuando hicieron buenas canciones, que fue la mayoría de las veces, estas rara vez llegaban al público.  

En pleno boom de rock duro, del progresivo y de la música negra, los chicos de Memphis hacían un pop delicado y elegante que conecta más con el Wilco del siglo XXI que con los grupos de los setenta y los cantautores malditos. Su historia es fascinante y su música preciosa, pero todo comenzó con Number 1 Record, su disco de aquel fascinante 1972 que nos presentó a la banda de Memphis. 

Esta semana David Moreu se sienta en el Sofá Sonoro para recordar la historia, las canciones y la mala suerte que persiguió a Big Star. 

Recuperamos este programa de archivo con villancicos fascinantes a cargo de Otis Redding, U2, Stevie Nicks, Solomon Burke, James Brown o The Black Crowes.

Se nos escapa el año, un año intenso, convulso. Un año con guerras, con desastres, con muertes de gente que admiramos y que queremos, pero un año con otra cara en el que también nos han pasado cosas buenas. Cosas que nos han alegrado como individuos. Y todos esos eventos, esos sucesos, han tenido banda sonora. Hoy recopilamos nuestros temas favoritos, los que más compañía nos han hecho.

Playlist de Spotify con las canciones del programa.

Playlist del Sofá Sonoro | Descubre nuestra selección semanal.

Esta semana recuperamos de nuestro archivo el programa que dedicamos a My Aim is True, el debut de Elvis Costello.

Bill Whiters es uno de los tipos más singulares de la música. Tras servir una década en la armada el bueno de Bill acabó haciendo canciones, vendiendo millones de copias de sus discos y siendo todo un referente con una voz de oro durante otra década hasta que de nuevo Bill se cansó y lo dejó todo para no mirar atrás y empezar una nueva vida ajena a la música en los años 80.

La irrupción de Whiters fue a lo grande. Una de las primeras cosas que hizo en la música Bill fue escribir y cantar Ain't No Sunshine, un tema que lo convirtió en una estrella. “Nunca había escrito una canción, no sabía tocar nada y nunca había cantado fuera de la ducha, pero pensé que sería bonito entrar en la industria musical así que me arriesgué, puse hasta el último céntimo y grabé un disco yo solo con mi propio dinero. Me llevó dos años conseguir un contrato mientras trabajaba en la aviación. Mucha gente me decía que era muy mayor para comenzar una carrera. Tenía 32 años. Eso lo hizo más interesante", apuntaba. Aquella canción fue parte Just As I Am, el disco con el que se presentó al mundo en 1971, un año con una cosecha mítica de discos eternos entre la que brilla la obra magna de Withers.

Durante los siguientes años, Bill vivió por y para la música, pero sin ser nunca parte de la industria. Hasta que un día, después de vender millones decidió que ya había tenido bastante y cerró esa puerta de su vida para no volver a abrirla. Medio siglo después de su obra maestra toca volver a la música y al talento de Bill Withers porque no queremos que caiga en el olvido una de las mejores voces del soul. Para este viaje nos acompañan Sheila Blanco y Lucía Taboada.

Esta semana Sheila Blanco nos propone sentar en el Sofá Sonoro 'Just As I Am' de Bill Withers, autor del eterno 'Aint No Sunshine', que es parte de uno de los grandes discos de la historia del soul.

Esta semana dedicamos el programa a recordar 'Achtung Baby', uno de los discos más fascinantes de los años 90 y álbum que transformó la carrera de la banda irlandesa.

En 1991 solamente habían pasado 11 años desde el debut de U2, pero el mundo era un lugar muy diferente y esa década había pasado factura a la banda que llegó exhausta a ese momento clave que había tumbado a muchas de las bandas que habían inspirado a los irlandeses o que habían empezado a la par que ellos. En ese contexto la banda se reinventó y facturó uno de los mejores discos de su carrera. Hoy dedicamos el sofá sonoro a Achtung Baby.

En aquel curso enorme en el que se editaron álbumes eternos como Nevermind, el disco negro de Metálica, el debut de Pearl Jam o el Use Your Illusion de Guns and Roses, U2 demostró que tenía capacidad de reinventarse y encabronada por las malas de críticas de su anterior trabajo facturó un disco valiente que cambiaba el paso de su sonido. Para esta grabación la banda acudió al productor Brian Eno cuyo cometido era eliminar del disco cualquier cosa que sonase a U2 y el grupo definió el álbum como el sonido de cuatro tipos talando el Joshua Tree, el referencia a su disco más exitoso hasta ese momento.

Hace poco Bono reconoció algo en una charla con David Letterman que refleja muy bien la esencia de U2 y cómo ha operado la banda en momentos de duda o de estancamiento como el que vivían. “Raramente estoy en mi zona de confort y creo que ha sido duro para el grupo porque yo tampoco les dejo estar en la suya”, explicó el cantante.

Esta semana invitamos a la periodista Sara Morales para recorrer este momento clave en la carrera de la banda irlandesa.

Poco antes de morir Justin Townes Earle, uno de los grandes compositores de su generación, contó en una entrevista que si no levantabas la vista de tu móvil y mirabas el mundo tus canciones no serían otra cosa que entradas de tu puto diario y nadie querría leer tu diario. Y era verdad, salvo que fueses Taylor Swift.

Tuvo que venir una pandemia mundial que nos encerró a todos en casa para que Taylor Swift, que había hecho carrera abriéndose en canal y retratando su vida, amores y errores, decidiese quitarse el foco y mirar a otro lado. “Este es el primer disco en el que no he tenido la necesidad de que fuera 100% autobiográfico. Antes sentía que tenía que hacer eso y que los fans tenían que escuchar un relato de mi vida sacado de los titulares. Eso acabó limitándome porque componer es mucho más que lo que sientes solo en tu experiencia propia”, explicaba la cantante.

Mientras el mundo se venía abajo, Swift se puso manos a la obra y de la mano de Jack Antonoff y Aaron Dessner dio forma a una canciones diferentes en forma, estilo y sonido. La cantante abandonó su universo musical y desde la distancia y desde su dormitorio creó un disco especial.

‘Folklore’ llegó por sorpresa y fue recibido con los brazos abiertos tanto por los seguidores habituales de la cantante como por un público nuevo menos dado a escuchar pop. Con este disco, Swift arrasó de nuevo tanto en los premios como en las listas de éxito y demostró que es una de las artistas más grandes de este sigo.

Para este viaje alrededor de la obra de la estadounidense nos acompaña el periodista Mario Tornero.

 Hay bandas que se meten en la música por la gloria, otras por dinero y fama, algunas, solo algunas, lo hacen por el placer de hacer canciones que se hagan eternas.

Genesis comenzó a finales de los años sesenta y arrancó con fuerza y con ganas de comerse el mundo. Es verdad que al principio querían dinero, pero algo hizo click en el interior de la banda que vio que el camino rápido no les llevaba a donde querían y que había dar una vuelta larga y apostar por las canciones para que la gloria acabase llegando. "Nuestra meta en el 69 era hacer dinero, en el setenta también y lo era desde entonces. Y lo intentamos, pero normalmente nos volvemos ambiciosos. Nos volvemos ambiciosos cuando empezamos a pensar en lo que queremos hacer y a diseñar lo que vamos a hacer y eso precisamente suele acabar con el dinero que tenemos en nuestros bolsillos”.

La ambición de la banda se llevaba su dinero, pero esa ambición fue la también la que dejó joyas como Selling England by the Pound, un disco valiente, arriesgado, lleno de rincones en los que perderse y una apuesta que mostró lo mejor de la banda. El quinto disco de Genesis llegó en 1973 y marcó un cambio de rumbo en la trayectoria de la banda que se consagró como uno de los referentes del rock progresivo. Para recordar esta época, estas canciones y esta historia nos acompañan Fernando Neira y Lucía Taboada.

Cuando Jimi Hendrix aterrizó en el aeropuerto de Londres, en septiembre de 1966, el chico de Seattle no era consciente de la enorme influencia que iba a tener en la música. Ese viaje a la capital inglesa fue su puerta de acceso a la primera división y Hendrix no iba a desaprovechar esa oportunidad. Unas semanas después llamó a casa, a su padre, asegurándole que iba a triunfar tras un lustro recorriendo EEUU como guitarrista de otras bandas.

En su primer concierto en Inglaterra, con apenas unos pocos espectadores, dejó con la boca abierta a Paul McCartney. Hizo su show. Tocó de espaldas, con los dientes, inventó paisajes sonoros y llevó la guitarra a una nueva dimensión. Desde ahí, todo fue cuesta abajo. Unos meses después grabó su primer disco acompañado de una banda que le habían montado para la ocasión y en un sello creado para sacar su música.

El resultado de esa apuesta por el guitarrista fue Are You Experienced, uno de los discos de debut más apabullantes e influyentes de la historia del rock. Hendrix, un chico que apenas tenía interés en algo que no fuese la música, floreció cuando el álbum se establecía como concepto, como elemento artístico más allá de ser un contenedor de canciones radiables. El guitarrista vio en ello un mundo de posibilidades para dar rienda suelta a sus obsesiones y de ese modo elevó la música a una nueva dimensión.

Esta semana Manuel Recio y Lucía Taboada nos llevan a finales de los años sesenta para recordar el advenimiento de Jimi Hendrix.

Pues nos hemos liado este verano y hemos escrito un libro. Vidas Perras: cuentos musicales del Sofá Sonoro (Ed. Silex) es el primer libro de Alfonso Cardenal, director del programa, y en este episodio especial os contamos de qué trata. 

Comprar el libro en La Casa del Libro

Fatoumata Diawara es una de las mujeres más poderosas de la música actual, una cantante que usa su música como arma y altavoz y cuya carrera resulta tremendamente fascinante.

En 2018 Diawara dio un paso más en su carrera grabando un disco que presentaba un manifiesto ya desde el título. Fenfo se puede traducir como “cosas que decir” o “algo que decir” y eso fue lo que Diawara hizo cantando sobre las migraciones, la mutilación femenina o la aceptación de tu realidad y el racismo.

Con su tercer disco, Diawara subió la apuesta. Esta chica, que empezó haciendo cine y que se enamoró del sonido de las guitarras eléctricas, ha derribado muchas barreras a lo largo de su viaje. En su música hay ritmo, pero también activismo. Hay cosas que decir, como indica ese fenfo, y a la par una tremenda energía y ganas de disfrutar de la vida.

La carrera de Fatoumata dio un salto cuando The New York Times se fijó en su música y la señaló como una de las grandes voces de la World Music. Desde entonces ha compartido escenario con Paul McCartney y proyectos con Damon Albarn (Blur), pero sobre todo ha mantenido un paso firme en sus propias aspiraciones y ha editado discos que le han conseguido un público global rendido a su música.

Para recorrer la historia y las canciones de Diawara nos acompaña en el Sofá Sonoro la periodista Jimena Marcos.

Hay discos que pillan al mundo con el pie cambiado y que llegan, incluso, a crear polémicas, a provocar insultos. Esos discos suelen venir por cambios de rumbo de sus autores y llegan, normalmente, tras huidas a ninguna parte que provocan revelaciones.  

Atlántico, de Xoel López, tiene todos esos ingredientes. Un final, una huida y cambio profundo. También algún insulto. Xoel López es y ha sido siempre un músico inquieto, un tipo que no ha tenido problemas en dejar las cosas y dejarlas cuando todavía funcionan, cuando están en lo alto. Lo hizo con su primer grupo y lo hizo también con Deluxe cuando despidió a la banda en su cima y se marchó a Argentina en enero de 2009 para escapar de todo, para perderse un rato y para ver si de todo aquello podía surgir algo.  

Y de eso surgió Atlántico, nuestro disco de esta semana, un trabajo diferente y especial que ha crecido mucho en esta última década y que finalmente terminó por enamorar a esos seguidores del músico gallego que no terminaron de entender ese giro artístico. 

Esta semana nos vamos a adentrar en Atlántico y lo hacemos de una manera diferente porque Arturo Lezcano, colaborador habitual del Sofá Sonoro, es amigo de la infancia de Xoel López y residía en Buenos Aires cuando el cantante aterrizó en la ciudad porque lo que fue testigo directo de la gestación de aquellas canciones. También nos acompañan Lucía Taboada, con sus reportajes, y el protagonista del disco con sus testimonios. 

El ya lejano 1995 fue un año intenso en la música, sobre todo en Inglaterra cuando el britpop estalló y se expandió la Oasismania por todo el mundo. Aquel año se editaron discos muy recordados y uno de ellos llevaba la firma de Polly Jean Harvey, una mujer diferente, que no se podía etiquetar en nada de lo que se hacía entonces y que consiguió ganarse su propio espacio.

En aquel curso la inglesa presentó su tercer largo tras dos aplaudidos discos que habían desconcertado y enamorado a la crítica. Aquella chica pálida, de pelo negro y mirada penetrante trasmitía una enorme seguridad en sí misma y parecía la dueña de un universo propio y misterioso que se mostraba en canciones llenas de rabia, honestidad y fuerza.

En aquella década publicó cinco discos que son perfectos para perderse y para dejarse llevar. Esta semana vamos a dedicar el programa al tercero de ellos, a To Bring You My Love, un trabajo que recorremos de la mano del periodista Toni Castarnado, autor de Las Chicas del Q (Ed. Silex), libro se adentra en el rock femenino de los noventa partiendo de la mítica portada que juntó a PJ Harvey con Tori Amos y Björk.

Esta semana recordamos a Kiss, una de las bandas más recordadas del rock y formación que apostó por una espectáculo que pocas bandas han podido igualar y que muchas han copiado. Para recorrer su historia nos adentramos en Alive, el disco que cambió su historia cuando estaban con el agua al cuello y su sello al borde de la quiebra. Para este viaje nos acompañan Toni Cartarnado y Eva Cruz. 

El jazz en un mar tan ancho y profundo como misterioso. Para algunos es una música inabarcable e incomprensible, para otros es medicina para el alma. La realidad es que, como las demás músicas, solamente trata de emocionarte, conmoverte o animarme. 

En el jazz hay cimas, genios, voces eternas y años mágicos. Dave Brubeck fue parte esencial de uno de ellos, el mejor. A pesar de los tremendos años 40, cuando el jazz era la música de los jóvenes modernos, el género tocó techo una década después, a finales de los 50, cuando una generación de aventureros e innovadores dio a luz a la vez a una cosecha eterna.  

Uno de esos discos de 1959 fue Time Out, del enorme Dave Brubeck. Un álbum arriesgado, innovador e influyente que marcó un nuevo camino sonoro y que acabó siendo uno de los trabajos más vendidos del jazz, junto a otros compañeros de cosecha como Kind of Blue (Miles Davis) o Giant Steps (John Coltrane), ambos de 1959. 

Dave Brubeck tenía 38 años cuando alumbró su obra maestra. A finales de los años 50, Brubeck era uno de los iconos del jazz. Lo era por su talento pero también porque en aquellos EEUU segregados y racistas era más cómodo vender y apostar por un músico blanco que por uno negro. Tras una etapa interesante todo cristalizó en esta obra maestro que lo consagró como uno de los grandes músicos de su generación. Por ello le dedicamos este Sofá Sonoro que compartimos con el músico y productor Igor Paskual. 

Aunque hay baterías que se han hecho un nombre propio en la música como Keith Moon, Ringo Starr o John Bonham la mayoría vive el éxito en un segundo plano discreto. Luego, otra especie aparte, en la de baterías que han dado un paso al frente para liderar sus propias bandas como Dave Grohl, a esa liga pertenece nuestro protagonista de esta semana Father John Misty. 

El que fuese batería de los deliciosos Fleet Foxes dejó su grupo para apostar por un proyecto personal, por imponer su voz y mostrar sus creaciones. Tras un par de discos interesantes todo cobró un nuevo sentido en 2017 con la edición de Pure Comedy, un álbum imponente y arriesgado que llegó en un curso agitado marcado por la investidura de Donald Trump como presidente de los EEUU, hecho que dio comienzo a una nueva etapa en el país y el mundo con el auge de los populismos.

Josh Tillman, nombre real del cantante, vislumbró esos cambios y de una manera inocente y satírica los retrato en su disco más arriesgado. El álbum coincidió con un momento especial en la vida del músico que dejó la bebida, las drogas y dio un paso artístico alejándose de la narración en primera persona para ganar perspectiva.

Pure Comedy es uno de esos discos que merecen la etiqueta de clásico moderno, sin haber sido un fenómeno de ventas si que es un disco memorable por tener esa capacidad de retratar el mundo y su época. Por ello lo sentamos esta semana en el Sofá Sonoro y lo recorremos de la mano de Fernando Navarro.

Después de editar uno de los discos de debut más exitosos de la historia de la música, Norah Jones tomó el control de su carrera. La pianista aprovechó ese inesperado triunfo para tomar los mandos y dictar las normas.

Desde entonces, Jones ha tenido una carrera difícil de calificar. Siguió grabando discos exitosos, pero por el camino formó bandas de country, se juntó con sus viejas amigas y se apuntó a cualquier proyecto que llamase su atención. Gracias a esa actitud de subirse siempre al carro, Jones puede presumir de haber colaborado en decenas de proyectos interesantes y diferentes. Junto a su piano han cantado leyendas como Ray Charles, Willie Nelson o Mavis Staples, pero también se ha alejado del jazz para grabar junto a Billie Joe Armstrong, Wilco, Foo Fighters o artistas apenas conocidos.

Ahora Norah Jones triunfa con un divertido y fascinante podcast en el que se sienta al piano junto a diferentes músicos y ese programa nos ha recordado lo curiosa que es esta mujer y nos ha dado la idea de este programa en el que recorremos su carrera a través de la mil colaboraciones que ha realizado a lo largo de los años.

La vida de Tammi Terrell fue un infierno, su carrera, sin embargo, fue poderosa recordada por sus duetos junto a Marvin Gaye. Para llegar a esa cima la cantante pasó por un infierno.

Este reportaje de Lucía Taboada es parte del programa que dedicamos a su carrera y que puedes escuchar aquí. 

Nat King Cole es una de las figuras más importantes de la música estadounidense y una enorme influencia para cientos de estrellas que vieron y se rindieron al talento de Cole para tocar, cantar y para llenar un escenario con elegancia y clase.

La obra de Cole es enorme desde sus primeros discos de los años 40 hasta sus discos de mediados de los sesenta, cuando Cole murió convertido ya en leyenda.

La historia de Cole lo tiene todo y retrata también el papel, complicado papel, de las estrellas afroamericanas en aquel país racista de los años cuarenta y cincuenta.

Con todo en contra el vocalista llegó a emerger y a trascender asaltando las listas de éxitos blancas y tocando para presidentes de todos los partidos.

En 1957, cuando se había convertido en el primer afroamericano en presentar un programa en televisión, Cole dejó a un lado su cara más pop para grabar After Midnight, un disco inmenso que muestra su cara más fascinante.

Esta semana partimos de ese disco nocturno e íntimo para contar la historia de uno de los músicos más importantes de la primera mitad del siglo XX y lo hacemos de la mano del periodista Manuel Recio.

Cuando Liza Minnelli visitó la RAI 1 en la cima de su carrera dio una entrevista y acabó hablando de música. La protagonista de Cabaret habló de su heroína, allí dejó una frase que me parece perfecta para definir a Mina. "Es es a la música lo que De Niro al cine", dijo la cantante.

La lista de voces que han aclamado a Mina es excelsa. De Sarah Vaughan a Louis Armstrong el abanico es enorme como lo es Mina, una mujer con una carrera extensa y eterna, muy vanguardista y siempre asumiendo riesgos y en la primera línea.

Mina Mazzini es una de las figuras más peculiares de la música europea. Trabajó en el cine, en la televisión, cantó éxitos que se tradujeron a una docena de idiomas y transgredió las reglas de la Italia más conservadora y católica. También se depiló las cejas, se maquilló a su manera y en la cima de su popularidad se cansó de todo, fabricó su propio estudio y desapareció de la escena pública. Escondida en Lugano, en Suiza, la cantante ha editado 30 discos desde su exilio pero hoy vamos a poner el foco en Studio Uno, el álbum que grabó cuando presentaba el conocido espacio de la televisión pública italiana, un disco que llegó en 1965 y que esta semana recorremos de la mano del músico Igor Paskual y con los reportajes de Jimena Marcos.

ARCHIVO | Esta semana recuperamos el Sofá Sonoro que hicimos dedicado al álbum más recordado de George Harrison.

Esta semana hacemos un programa diferente. Con motivo del nuevo lanzamiento de la banda inglesa vamos a recorrer su discografía escuchando las canciones menos reproducidas de los diez discos de los Stones que llegaron a lo más alto de las listas inglesas.

En 1995 se editaron discos de Radiohead, de Pulp, de Blur, de Massive Attack, de los Chemical Brothers, The PJ Harvey o de Elastica. La música británica se engalanó con su mejores ropas y el fenómeno del britpop llevó a su culmen. Aquel año en las islas británicas la música sonaba en cualquier esquina, en cada ciudad presumían de sus bandas locales y los festivales se peleaban por contratar primero a sus estrellas. Aquel año el foco acabó fijado en Manchester. El 2 de octubre Oasis publicó Whats the Story (Morning Glory).

La edición del segundo disco de la banda de los hermanos Gallagher marcó el punto álgido del aquel movimiento cultural creado por las revistas musicales y multiplicado por la prensa sensacionalista y generalista. Todos compraron la rivalidad entre Blur y Oasis, todos entendieron que lo que estaba pasando a mediados de los años noventa era comparable a aquel Swinging London de los años sesenta e Inglaterra se preparó para una nueva British Invasion que no fue del impacto de la que comandaron Beatles y compañía, pero que transmitió una sensación parecida. Un año después debutaron las Spice Girls en Inglaterra y los Back Street Boys en EEUU y el rock perdió fuerza en las listas de éxito, pero todo lo que sucedió en aquellos maravillosos noventas tuvo un impacto enorme en la música de los años posteriores.

El viaje de los hermanos Gallagher fue tremendamente agitado, pero para este disco todo encajó. El primer álbum de la banda contenía temas que llevaban años cociéndose a fuego lento, pero tras gastar todas las balas en ese debut, el grupo llegó al estudio con la necesidad de demostrar que nada de aquello había sido casualidad. Sin darle muchas vueltas, sin sentir la presión, Oasis firmó un disco redondo grabado casi del tirón. "Creo que todo el proceso duró 12 días de trabajo lo que es acojonante, lo hicimos del tirón y eso que llegamos al estudio con la mitad de las canciones sin terminar. Eso es algo que solo logras cuando eres joven porque no le das vueltas a las cosas", contaba la banda en un documental.

Esta semana comenzamos nueva temporada en Sofá Sonoro y lo hacemos recordando junto a Arancha Moreno la historia de uno de los discos más recordados y exitosos de los años noventa.

Recuperamos el programa, ya emitido, que dedicamos a recorrer Night Beat de Sam Cooke junto a Fernando Neira